A banda de stoner grunge Mad Chicken lança pela Abraxas Records o segundo disco, 'Homemade Demo Tape (Vol. II). São 11 faixas, entre inéditas, versões alternativas de músicas de registros passados e um cover. O novo registro apresenta as novas 'Medíocre' e 'Awake', que deixam explícito a verve noventista do quinteto mineiro, com muitos riffs, melodias e sujeira nos timbres, tudo em doses exatas.

A banda, formada por Filipe Xavier (vocal), André Salviano (baixo), Daniel Santos (guitarra), Michel Custódio (guitarra) e Pedro Paim (bateria), também regravou oito faixas dos dois primeiros trabalhos, 'Limestoner' (2017) e ‘Homemade Demo Tape' (2016). O cover de 'Silver Water', da banda River Act, completa o disco.

O álbum foi produzido pela Mad Chicken e gravado em home estúdio durante a pandemia, entre março e junho de 2020 e também conta com participações especiais de Débora Rezende e Carlos Eduardo Lucas, com vocais, em ‘All I Know Is What I See’. A arte da capa foi produzida por Gustavo Henrique Gonçalves (Gatilho Mental).

Gods & Punks veio para mostrar que o rock'n'roll brasileiro continua sim pesado, visceral e verdadeiro. A banda carioca, fundado em 2013, carrega em sua sonoridade influências evidentes de heavy metal setentista, a la Black Sabbath, e o toque soturno do ritmo mais lento e denso do stoner rock. Até o momento, a banda apresenta na sua discografia os registros "The Sounds Of The Earth" (2016), "Into The Dunes Of Doom" (2017), “Enter the Ceremony of Damnation” (2018), "And The Celestial" (2019) e mais recentemente apostaram na proposta acústica com "Different Dimensions".

O novo material saiu originalmente em abril deste ano, exclusivamente no Bandcamp. Eles realizaram uma campanha dentro da plataforma, onde a cada 1 dólar da venda do disco era destinado para a arrecadação de fundos para instituições que auxiliam famílias em vulnerabilidade social devido à pandemia da covid-19. A campanha foi um sucesso: o disco vendeu R$ 3 mil e todo o montante foi doado.

"Different Dimensions" traz quatro versões dos seus principais singles - "Dunes of Doom", "Transparent Chains", "Escape to the Stars" e "Black Apples", além de uma faixa bônus exclusiva e inédita, "Time, Space and Love". A nova música  um alento ao momento tão incerto pelo qual passa a humanidade. Com riffs e andamentos calmos e atmosféricos, a música sugere devoção às coisas boas ao redor para não surtar.

Gods & Punks conta em sua formação atual com os irmãos Alexandre Canhetti (vocal) e Pedro Canhetti (guitarra), Rafael "Psy" Daltro (bateria) e Danilo Oliveira (baixo). O quarteto é um diamante bruto do rock brasileiro e claramente será uma das mais relevantes do heavy metal nacional em um curto prazo. Veja a nossa entrevista com o vocalista Alexandre Canhetti:

FRS: Para as pessoas que estão ouvindo o trabalho da banda pela primeira vez, como que vocês se conheceram e iniciaram o projeto?

Ale Canhetti: Eu sempre fiz umas músicas pra mim mesmo, e tinha vontade de ter uma banda. O Pedro, meu irmão, começou a tocar guitarra, então resolvemos fazer umas músicas juntos. Aí chamamos uns amigos e formamos a banda. Depois de alguns anos trocando de membros direto, a gente finalmente conseguiu estabilizar a banda quando o Danilo e o Arthur entraram. Ai começamos a gravar as músicas.

FRS: Como surgiu o nome Gods & Punks?

Ale Canhetti: É uma música da banda Monster Magnet. Quando eu e o Pedro estávamos discutindo qual seria o nome da banda, eu estava ouvindo muito o disco "Mastermind", deles. Aí acabamos escolhendo esse nome. 

FRS: A sonoridade da banda remete uma combinação do heavy metal dos anos 70 com um toque stoner moderno. O que mais atraiu vocês para bandas como Black Sabbath, Rush e Wolfmother?

Ale Canhetti: Acho que foi o Black Sabbath que abriu a porta pro resto. Foi aquele caminho, né: você começa curtindo bandas mais atuais tipo Metallica, etc.. aí vai pro Black Sabbath, cai em Wolfmother, Kadavar, aí aprofunda pra Uncle Acid, Blues Pills, Monster Magnet, etc... e, em paralelo, vai descobrindo tbm o Prog, com Rush, Tool, Yes, etc... acho que nossas duas maiores influências são o Black Sabbath e o Rush pq o resto também bebe deles.

FRS: Vocês recentemente lançaram o EP "Different Dimensions (The Quarantine Sessions)" com versões acústicas de algumas pedradas da banda. O que foi mais desafiador neste novo formato? 

Ale Canhetti: Acho que foi ajustar a pegada de algumas músicas para que elas não fossem comparações diretas com as versões originais. Elas precisavam ter sua própria vibe, seu próprio estilo. Então não poderiam ser só as mesmas músicas tocadas no violão, teriam que ser ajustadas. A que mais precisou mexer foi a Escape to the Stars. Mas o resto foi bem naturalmente.

FRS: Este novo registro também traz a inédita "Time, Space And Love". Como foi o processo de composição e as inspirações desta música em especial? 

Ale Canhetti: A gente fez ela bem rápido. Na verdade, o Danilo teve a ideia de ter uma faixa bônus, então tocamos ela uma vez e depois a gravamos, no dia seguinte. Ela surgiu sem nenhum esforço, como uma jam mesmo. Para as letras, adaptei umas anotações que eu tinha desde a época do "Enter the Ceremony of Damnation", que acabei não usando. Achei que a vibe dessa música e o momento do mundo, com a pandemia, etc.. combinavam perfeitamente com a idéia da letra.

FRS: Primeiramente, "Different Dimensions" foi lançado em abril exclusivamente na plataforma digital Bandcamp com o intuito de arrecadar fundos para instituições que ajudam famílias em vulnerabilidade social devido à pandemia da covid-19. Qual o sentimento da banda com o sucesso da campanha?

Ale Canhetti: É bem gratificante. É bem ruim saber que você poderia ter feito algo, ou pelo menos tentado, e não fez nada. Todos estão passando uma ou outra necessidade. Alguns passando por dificuldades monetárias, outros por problemas psicológicos, enfim... mas tem pessoas que estão realmente passando fome. Acho que isso vai na base da pirâmide, sabe? Se você tem fome, não tem nem tempo para se preocupar com outras coisas. Acho que todos nós, mesmo com nossos problemas, se temos como ajudar, precisamos ver como podemos ajudar.

FRS: O recente EP também é o terceiro da banda. Como vocês avaliam a evolução/amadurecimento do quarteto até agora?

Ale Canhetti: Acho que depois de tantos lançamentos e tantas músicas compostas e gravadas em tão pouco tempo, tá ficando bem fácil e natural para nós. Gravar esse EP foi mais fácil do que gravar qualquer outro álbum, EP ou single nosso. Estamos já nos acostumando a fazer as coisas do nosso jeito.

FRS: Para finalizar, quais são os planos do Gods & Punks para a volta ao normal?

Ale Canhetti: Queremos gravar nosso quarto álbum para lançar ele em 2021, arrumar um baterista novo para substituir o Arthur e fechar o ciclo de lançamentos que começamos em 2017 com o "Into the Dunes of Doom". O próximo álbum é o último da "Voyage Series" e temos que lançar ele para fechar tudo isso.

Música tem o poder de inspirar e transformar pessoas, ainda mais quando você assiste ao show de uma banda que te influencia. Esse foi o início da carreira do baterista Caio Gaona que ao conferir a uma performance do Angra em 2004 decidiu que dedicaria a sua vida pela arte. O resto é história. Não apenas o jovem músico paulistano de 29 anos participou de algumas bandas como a Triscore, como também se tornou professor de música. Em 2019, ele foi convidado para tocar ao lado de uma das lendas do heavy metal brasileiro, o baixista Luis Mairutti.

Nos momentos livres, Caio aproveita para trabalhar em versões das trilhas sonoras favoritas dele: as dos games e animes. Suas versões dos temas de Stars Wars e Guardiões da Galáxia, por exemplo, receberam comentários bastante positivos, inclusive dos criadores das trilhas sonoras originais de Mortal Kombat (Ed Boon), Batman (Christopher Drake) e dos filmes Thor e Iron Man (Bryan Tyler).

O papel da música para Caio vai além de executar habilidades, é como terapia para curar das mais diversas angústias possíveis. Para ele, as baquetas também são como um remédio para o combate da depressão e ansiedade, doenças com as quais ele lida há alguns anos. Conhecia mais sobre esse talentoso batera geek:

FRS: Primeiro, nos conte sobre o início. Como você se interessou por música?

Caio Gaona: Tudo começou quando colegas de escola queriam formar uma banda e disseram "Você tem cara de baterista". Então, comecei a fazer aula, mas ainda desmotivado, até que dia 14/10/04 eu vi um show do Angra e isso mudou completamente tudo, eu matava aula na escola para estudar bateria.

FRS: Bateria é seu instrumento principal. O que te fez encantar pelo instrumento?

Caio Gaona: A bateria me encantou pelo fato de ser visualmente chamativa e dar tantas possibilidades de criação e também ser o coração da banda.

FRS: Quais são as suas principais influências? 

Caio Gaona: Pat Torpey (Mr Big) Tico Torres (Bon Jovi) Mike Portnoy, Ricardo Confessori (Shaman) Rob Affuso ( Skid Row) Rod Morgenstein ( Winger) Kiko Freitas, Yoshiki Hayashi, Jay Wenblain (Slipknot) e Eloy Casagrande (Sepultura).

FRS: Você faz linhas de bateria para trilha sonora de filmes, séries e games. Na sua opinião, o quão importante é a música na cultura geek?

Caio Gaona: Na minha opinião, a música traz o sentimento que a imagem sozinha não consegue passar. Ela pontua a importância de um grupo de super heróis, ela indica a chegada do vilão, ela evidencia situações heroicas e por aí vai. Algumas trilhas são maiores até que os próprios filmes e games.

FRS: Você também é educador. O que você sente ao passar seu conhecimento para os seus alunos?

Caio Gaona: Eu me sinto muito feliz de poder passar tudo que aprendi para as pessoas e mais ainda quando os alunos tem vontade de aprender pesquisar, correr atrás e evoluir. Aprendo muito com meus alunos também

FRS: Como você tem lidado com a questão de ministrar aulas online durante a quarentena?

Caio Gaona: Foi uma doideira (risos). Eu tive que me reinventar, investir em equipamento, gravações e etc. Confesso que demorei muito para me divulgar propriamente como educador musical por receio de ter que competir com bateristas gigantes que também dão aula, mas hoje me sinto confortável e acredito que a internet é democrática, tem espaço para todo mundo.

FRS: Como você avalia a cena rock brasileira atual?

Caio Gaona: Eu vejo um cenário de transformação no qual ou os artistas se unem em prol de algo maior ou serão engolidos pelo desinteresse do público em conhecer coisas novas. Criei um grupo #engajamusicobr para criar interação entre os próprios músicos, mesmo assim é uma batalha diária mostrar para as pessoas que não precisam ser concorrentes. Outro ponto importante é que algumas pessoas que antes não davam atenção para a internet, hoje percebem o quão importante é se divulgar.

Caio Gaona - Foto: Instagram

FRS: Para finalizar, quais sonhos você quer alcançar na música? 

Caio Gaona: Atualmente meu maior sonho é poder voltar a tocar com meus amigos. Aproveito este momento para agradecer pelo espaço para eu falar sobre mim e quem quiser me segue no instagram @caiogaonadrums e se inscreve no meu canal www.youtube.com/caiogaona.

A cantora e compositora sete vezes vencedora do prêmio Grammy, Alanis Morissette, anuncia o nono álbum da carreira, “Such Pretty Forks In The Road”, para o dia 31 de julho deste ano. Para aquecer o projeto, as faixas "Reasons I Drink", "Smiling" e "Diagnosis" já foram disponibilizadas. Nesta sexta-feira, dia 26 de junho, ainda pensando em preparar o público para estreia do disco de inéditas, uma versão digital deluxe de “Jagged Little Pill”, que une o álbum original de 13 faixas, produzido por Glen Ballard, com um novo projeto ao vivo acústico da performance de Alanis em Shepherd's Bush, Londres, em março de 2020, estreia em todas as plataformas digitais.

O inovador álbum de Alanis, “Jagged Little Pill”, comemorou o aniversário de 25 anos no início deste mês, no último dia 13 de junho. Após o lançamento, em 1995, o projeto foi um fenômeno cultural e grande sucesso, certificado 17 vezes platina pela RIAA, tendo sido vendidas mais de 33 milhões de cópias em todo o mundo, e tornando-se o 16º álbum mais vendido de todos os tempos nos Estados Unidos.

Os videoclipes oficiais feitos para os cinco singles de referência de “Jagged Little Pill” também foram remasterizados em altíssima resolução. Confira aqui o registro de “Ironic” em 4K:

No domingo, dia 28 de junho, os fãs serão presenteados com uma exibição especial do longa “Jagged Little Pill Live” no canal do YouTube de Alanis, às 11h30, horário de Brasília. Lançado em 1997, “Jagged Little Pill Live” narra a turnê mundial de Alanis entre os anos de 1995 e 96, e apresenta performances no palco de todas as músicas do projeto, juntamente com a raridade, "No Pressure Over Cappuccino".

Desde 1995, Alanis Morissette é uma das mais influentes cantoras e compositoras da música contemporânea. As músicas e performances profundamente expressivas da cantora ganharam muitos elogios da crítica e renderam à artista sete prêmios Grammy. A estreia de Morissette em 1995, "Jagged Little Pill", foi seguida por mais nove álbuns ecléticos e aclamados. Ela contribuiu musicalmente para lançamentos teatrais e atuou em todas as telas. Fora do entretenimento, ela é uma ávida defensora do empoderamento feminino, bem como do bem-estar espiritual, psicológico e físico. 

Em 2016, Alanis lançou o “Conversation with Alanis Morissette”, um podcast mensal que apresenta conversas com vários autores, médicos, educadores e terapeutas reverenciados, cobrindo uma ampla gama de tópicos psicossociais que vão da espiritualidade ao desenvolvimentismo e à arte. No dia 5 de dezembro de 2019, “Jagged Little Pill – O Musical” estreou na Broadway, no Broadhurst Theatre, em Nova York. Mais recentemente, Alanis lançou "Reasons I Drink", "Smiling" e "Diagnosis" do próximo álbum, “Such Pretty Forks In The Road”.

As lendas escocesas Travis estão de volta com o primeiro single do seu nono álbum de estúdio emocionalmente carregado e profundamente sincero "10 Songs" - que será lançado no dia 9 de outubro no BMG.“A Ghost” recebeu sua primeira execução de Ken Bruce na Radio 2 e ganhou um impressionante vídeo animado dirigido e desenhado por Fran, com seu filho Clay liderando o belo trabalho de cinema - tudo feito em isolamento. Assista abaixo:

O líder Fran Healy diz: "O vídeo começou como uma imagem ridicularizada minha e de três fantasmas tocando o último refrão da música em um beco deserto. Quando tudo estava pronto para filmar, o mundo ficou trancado, então tínhamos essa ótima música sem chance para fazer um vídeo, então eu decidi desenhá-lo. Ele descobriu que levaria cerca de 30 dias, com 2.500 desenhos. A maior parte da animação é rotoscópica, e um dia eu estava assistindo uma sequência de volta e quando ela chegou ao fim , brilhou e entrou em ação ao vivo. Este foi o momento em que percebi que podia tirar uma foto de mim brincando com meu bando de fantasmas no beco. Ficava claro que filmar nos últimos 47 segundos me salvaria 10 dias de desenho. Eu poderia recrutar meu filho de 14 anos, Clay, como o operador de câmera e, o mais importante, poderíamos filmar socialmente distante. Foi a filmagem mais bizarra em que eu já trabalhei, mas ficou ótima."

Co-produzido por Fran e Robin Baynton (Coldplay, Florence & The Machine), e gravado nos RAK Studios quando 2019 se transformou em 2020, "10 Songs" é um álbum sobre como a vida se apaixona e o que o amor faz para resistir àqueles desafios. É maduro. Há uma sinergia escaldante em abundância, e muitas de suas músicas se beneficiam do senso quase psíquico de sintonia mútua que resulta de estar em uma banda cuja formação não mudou em toda a sua vida coletiva.

Também há participações especiais inspiradas, incluindo trabalho de sintetizador de Jason Lytle do Grandaddy, lap steel de Greg Leisz (Beck, Emmylou Harris, Bruce Springsteen) e vocais de Susanna Hoffs do The Bangles que surgiram de uma troca de oportunidades no Twitter.

Faz vinte e cinco anos desde que os quatro membros de Travis - Fran Healy, Andy Dunlop, Dougie Payne, Neil Primrose - pisaram pela primeira vez em uma sala de ensaios em Glasgow. Em vários pontos ao longo da trajetória entre então e agora, a banda vendeu milhões de álbuns, foi tema do documentário premiado 'Almost Fashionable' e Fran ganhou elogios de Paul McCartney, Elton John e Graham Nash - todos os compositores cuja capacidade de adivinhar uma melodia atemporal do nada os sustentou ao longo das décadas.

E hoje marca outro novo capítulo na carreira extraordinariamente prolífica e imperturbável da banda. "10 Songs" é mais um trabalho que mostra Travis como uma das melhores exportações de composição do Reino Unido.

Para resumir, Fran diz lindamente; "Há uma música no álbum chamada 'Butterflies'. E é assim que eu penso sobre composição. Essas coisas estão flutuando por aí. E você tem que ficar muito quieto, muito rápido e muito respeitoso. Você os pega, olha para eles por um tempo e depois os liberta novamente. E esse é o objetivo das músicas. Esse é o objetivo das composições."

Twenty One Pilots acaba de divulgar o primeiro clipe interminável com a ajuda dos fãs. Ao vivo agora no canal da dupla no YouTube, o registro inovador da banda para o sucesso “Level Of Concern” traz um conteúdo criado pelos fãs, em tempo real, ao vivo, na plataforma. Impulsionado pelo Imposium, a cada três minutos e quarenta segundos um novo vídeo musical é criado e reproduzido ao vivo no YouTube, trazendo um novo conteúdos dos fãs. Concebido pela banda, em conjunto com o premiado contador de histórias e diretor Jason Zada, o conceito por trás da inovadora campanha digital foi encontrar uma forma única de conectar os fãs durante a pandemia e dar a eles a oportunidade de compartilharem momentos magníficos das vidas deles em um contagioso conteúdo de vídeo. Fãs podem visitar: https://loc.twentyonepilots.com/ para fazer upload dos próprios vídeos, que instantaneamente irão aparecer em “Level Of Concern” (Interminável Clipe).

Twenty One Pilots lançou o projeto criptografado no dia 12 de junho, com uma live de 24 horas no canal deles no YouTube, que mostrava telas de TV com flashes misteriosos de imagens diferentes. Três milhões de pessoas assistiram à transmissão ao vivo. A partir da transmissão, os fãs foram direcionados para: https://usb.twentyonepilots.com/, a página de destino de um completo e imersivo Jogo de Realidade Alternada (ARG – em inglês Alternate Reality Game), desenvolvido por Zada com o renomado designer de games, Steve Peters. O objetivo do jogo era encontrar um total de 20 códigos, cada um deles desbloqueando um USB virtual pelo qual os fãs conseguiram fazer o download de um uma pasta zip contendo: imagens, vídeos e símbolos retirados dos telefones pessoais dos músicos – pistas para decifrar o restante dos códigos necessários para resolver o jogo. 

Cada drive continha elementos que levavam ao novo quebra-cabeças, tornando-se mais difícil a cada nova fase para resolver a solução final. Um dos códigos foi escondido na legenda oficial do clipe de do single, enquanto outro estava oculto no espectrograma de um arquivo de áudio. Extremamente elaborada por natureza, uma das pistas foi escondida em um arquivo de foto com falhas que, quando aberto em um programa de edição de texto, continha coordenadas para locais no mundo todo.

A inserção dessas coordenadas no Google Maps permitiu com que os fãs juntassem outro código. Servindo como peça central do lançamento do vídeo, ao resolver todos os 20 códigos do game, uma página secundária foi liberada, onde o público pode enviar um conteúdo exclusivo para o interminável clipe oficial de “Level Of Concern”.

Escrita e gravada durante a pandemia devido ao COVID-19, “Level of Concern”, primeira faixa nova lançada pelo Twenty One Pilots desde o mais recente álbum “Trench”, provou ser um hit multi-formato, atingindo a primeira posição de charts como “Alternative Songs” e “Rock Airplay”, ambos da Billboard, enquanto mostra crescimento em listas como “Adult Pop Songs” e “Pop Songs”. 

A faixa chegou acompanhada de clipe oficial, dirigido pelo colaborador de longa data Reel Bear Media, o registro já atingiu mais de 30 milhões de visualizações em apenas um mês de lançamento, neste mesmo período, a música ultrapassa 100 milhões de transmissões ao redor do globo. O duo, composto por Tyler Joseph e Josh Dun, estão doando parte dos direitos recebidos com “Level of Concern” para a Crew Nation, um fundo global de ajuda para equipes que trabalham com música, uma maneira de ajudar as pessoas que trabalham nos locais de show e durante turnês e foram diretamente afetadas pela pandemia.

‘Melodia Solar’, em referência ao título, é uma música carregada de melodias inspiradoras e potentes; single 'Cuida' marca nova fase da banda

O duo, que estreou durante a quarentena com o single ‘No Miolo do Oco’, o EP 'Nuncacabando' e, logo em seguida, o citado 'Carnaval em Preto e Branco' já atingiu a marca de 100 mil plays/views em suas músicas e vídeos. Recentemente, o Camurça entrou na programação de diferentes rádios FM pelo país e já ganha espaço na TV, além de ter sido destaque em diversos sites e blogs especializados.

‘Melodia Solar’, em referência ao título, é uma música carregada de melodias inspiradoras e potentes, ora sutis, ora arrebatadoras, entre frases de ousadia, confiança e esperança. É uma pontual ode ao momento desafiador pelo qual passa a humanidade.

Mais do que o término de um projeto de lyric-vídeos, o audiovisual de ‘Melodia Solar’ anuncia a nova fase do Camurça: o inédito single ‘Cuida’ será disponibilizado nas plataformas digitais, além de ganhar um vídeo oficial, na próxima quinta-feira, dia 25 de junho, via Orangeira Music. A canção traz novas referências à autêntica sonoridade da banda, que navega reggae e o pop, entre outros gêneros.

Enzo Camurça, vocalista da banda e compositor da música, falou um pouco sobre o lançamento: "'Cuida' é uma aposta numa nova proposta, na verdade para o meu futuro musical é uma coisa diferente de tudo que eu já fiz e imagino que seja diferente de tudo que o Lucas fez também, uma pegada mais leve, mais pop e que conversa mais com mais pessoas, porque leveza é o que nós precisamos em um momento como esse."

Performance da banda no Allianz Parque é nova adição à série “At Home With Radiohead”

Radiohead divulgou mais uma parte da série de vídeos ao vivo “At Home With Radiohead” em seu canal do YouTube. Desta vez, a banda disponibilizou o show realizado em São Paulo no estádio Allianz Parque no dia 22 de abril de 2018.

Nas primeiras semanas de implementação do isolamento social como medida preventiva da pandemia de Covid-19, Radiohead anunciou o “At Home With Radiohead”, disponibilização semanal dos shows gravados da banda no Youtube.

“Agora que você não tem escolha se deseja ou não uma noite tranquila, apresentamos as várias lives da Radiohead’s Public Library, agora no canal do Radiohead no YouTube. Lançaremos uma por semana até que as restrições resultantes da situação atual sejam atenuadas ou os shows acabem. Qual será o primeiro? Ninguém sabe”, anunciou a banda no site oficial.

Folks, uma das bandas mais promissoras do rock nacional atualmente, lançou o vídeo do single "Despertar" na última terça-feira, 09/06. O clipe foi inteiramente gravado pela própria banda na casa do vocalista Kauan Calazans, no Rio de Janeiro. As imagens registradas captam em toda a sua essência a temática da letra da música aborda a leveza, positividade e esperança e esperança, ainda mais em um período de isolamento social que estamos vivendo.

Vale lembrar que "Despertar" entrou na playlist "Pátria Rock" oficial do spotify. Sobre a excelente repercussão da música, Kauan comenta, "Estamos muito felizes, espero que as pessoas realmente se apropriem dessa música e da mensagem dela, e que de alguma forma elas possam se sentir melhor. Seja dançando no swing que ela tem ou analisando a letra, o mais importante é estarmos na mesma frequência".

O lançamento do clipe também é um momento relevante para a banda. "Acho que é uma nova fase nossa, estamos realmente conseguindo colocar nas nossas músicas a nossa brasilidade, além de passar uma mensagem de esperança nesse momento tão delicado e inesperado que a humanidade está vivendo. A gente tenta plantar sementes através da musica", complementa Kauan.

Radical Karma nasceu em 2017 a partir da união de importantes nomes da cena punk e hardcore nacional. O quarteto conta em sua formação com Gabriel Zander (voz), Fausto Oi (baixo), Mateus Brandão (guitarra) e Fernando Martins (bateria). A proposta sonora da banda é diferente do que as experiências anteriores dos músicos. Eles trazem um som mais alternativo com toques dos anos noventa. Toda a identidade visual é de responsabilidade da ilustradora Camila Rosa.

Em 2019 a banda lançou seu primeiro registro de estúdio, "Entre o Fim e o Começo". O EP gerou críticas positivas e deixou os fãs ansiosos pelo sucessor, "Sintomas". Este novo material de inéditas, já disponível em todas plataformas digitais, apresenta quatro músicas que mostram o amadurecimento dos experientes músicos. As quatro faixas sugerem um diálogo claro e honesto com o ouvinte, abordando questões cotidianas como ansiedade urbana, relacionamentos, cobranças, desejos, frustrações e pequenas conquistas diárias.

Para recente registro, a banda conta que o processo foi muito mais rápido no que diz respeito à composição. "Entendo que a banda já tinha encontrado uma identidade sonora (que obviamente pode mudar de direção com o tempo) e isso tornou tudo mais fácil", comenta Mateus Brandão, o guitarrista.

Conversamos com o baixista Fausto Oi que nos contou sobre a trajetória deste super quarteto, produção do novo EP e dos planos futuros. Confira: 

FRS: Para aqueles que estão conhecendo a banda pela primeira vez, como o projeto começou?

Fausto: Foi no final de 2017, na saída do show do Hot Water Music. Encontrei com o Gabriel Zander (estávamos muito felizes por termos assistido o show) e ele falou quer precisávamos montar uma banda, que iria falar com o Mateus Brandão (guitarrista do Chuva Negra) e assim nasceu ideia. Um tempo depois voltamos a conversar e chamamos o Fernando Chero, baterista do Horace Green e ASTMA e logo começamos a ensaiar, já no início de 2018. Durante todo esse ano ensaiamos bastante e o resultado foi o lançamento do EP "Entre o Fim e o Começo" lançado em 2019.

FRS: Como nasceu o nome Radical Karma?

Fausto: O Bil (Gabriel Zander) veio com a sugestão do nome, pois havia assistido um documentário chamado "Radical" que lhe chamou a atenção,e a palavra "Karma" era algo que ele gostaria de usar. É diferente, né? Eu mesmo estranhei no início, mas fui lendo e pensando no "Radical Karma", cada um de nós fez isso. Comecei  a associar com o significado da palavra radical, como raiz, origem, e do uso do termo em matemática e química, e acabei gostando muito!

FRS: Qual é o principal propósito do Radical Karma?

Fausto: Tocar e compor músicas diferentes de que estamos acostumados com as outras bandas que temos ou tivemos, experimentar coisas novas, camadas, efeitos, nuances. Porém as letras é uma parte vejo com extrema importância, abordando nossas vivências, nossos aprendizados e observações, temas sócio-políticos e pessoais.  

FRS:  Vocês estão prestes a lançar o EP, "Sintomas". Como foi o processo de produção deste novo registro de estúdio? Quais são as maiores influências para ele?

Fausto: Nós começamos a compor o "Sintomas" após o termino da gravação do "Entre o Fim e o Começo", mas só conseguimos finalizar em 2020, pois todos temos inúmeros projetos musicais e profissionais. Na parte de composição das músicas ele foi mais rápido do que o primeiro, já estávamos com a química de tocarmos os 4 juntos, e o Phil Fargnoli nos ajudou muito novamente, pois ele produziu os dois eps. Em relação às influências, creio que já estamos com uma identidade bem legal de composição, com guitarras com bastante efeito de delay, chorus e reverb, remetendo ao shoegaze, ao guitar e ao emo do começo dos anos 90, com a agressividade do grunge, baixo com distorção e tentando estar bem junto da bateria. Posso citar algumas bandas como Smashing Pumpkins, Violet Soho, Nirvana, Title Fight, Basement, Fugazi e Superchunk. Eu estava ouvindo bastante Stone Roses e At The Drive-in também.

FRS: A primeira faixa divulgada do novo trabalho foi a música "Em Colapso". O que torna a música tão especial que os fizeram escolher como primeiro single?

Fausto: Essa é uma pergunta bem legal, pois não foi nenhum integrante que escolheu essa música, mas sim a Camila Rosa, que é a artista responsável pelas ilustrações da banda. Nós mandamos as 4 canções para ela ouvir, pois iria fazer as capas do single e do novo ep (ela fez todas as artes do nosso primeiro trabalho também). Então, ela se inspirou na "Em Colapso" para fazer a ilustração do single e ficou demais! Nós adoramos o trabalho dela, e é incrível como as artes que ela ilustrou definiu a nossa identidade visual e deu mais personalidade para a banda. 

"Em Colapso" foi a última letra que o Bil escreveu. Ela veio após uma longa conversa num ensaio, aonde estávamos desabafando sobre os problemas e ansiedades que a vida nos traz, as pressões e cobranças.

FRS: Quais são os ingredientes de uma boa música do Radical Karma?

Fausto: Acho que a bagagem que cada integrante tem, a cabeça aberta para ouvirmos as ideias uns dos outros, escutarmos coisas novas, pegarmos nossas influências antigas e a nossa personalidade de tocar e compor e o jeito que o Bil escreve e encaixa as letras definiram as nossas músicas. Nós gostamos delas, não pensamos numa fórmula para que elas sejam agradáveis para quem for escutar, elas nos agradam e passam mensagens e sentimentos que temos e acreditamos. Fazendo com paixão e sinceridade com certeza alguém se identifica, e acho que isso faz com que sejam boas canções. Felizmente as pessoas têm gostado!

Assista ao vídeo oficial de "Fez",  faixa de abertura do novo EP. O vídeo transmite a energia do Radical Karma ao vivo uma vez que foram captadas as imagens dos 11 shows realizados em um ano de estrada:

FRS: O que vocês enxergam para o futuro do rock brasileiro após a quarentena?

Fausto: Mesmo com o distanciamento as bandas e artistas estão dando um jeito de produzir, compor e tocar (em casa). Acho que vem muito material novo por aí, mas não sei quando será seguro os shows retornarem, a interação público e banda num mesmo ambiente. Realmente em relação às apresentações não sei como vai ser.

FRS: Finalmente, quais são os planos da banda após tudo voltar ao normal?

Fausto: Estamos já trabalhando à distância em novas músicas para um próximo lançamento, e esperamos tudo estar bem para fazermos um show de lançamento e uma tour do EP "Sintomas".

Pitty - Foto: Otávio Sousa

Pitty divulgou o clipe da música “Submersa” nesta última quarta-feira, 03/06. Parte do repertório de seu álbum mais recente “Matriz” (2019), a faixa ganha um vídeo gravado durante o isolamento da cantora.

Pitty se envolve com tudo que gira em torno de sua carreira, e dessa vez não foi diferente. A artista concebeu e filmou todo material com objetos cotidianos que se relacionam com a letra da canção. Escolheu “Submersa” por causa dos muitos os relatos de fãs que associaram suas estrofes ao período atual de distanciamento. Ela mesma filmou as imagens, que foram posteriormente editadas pelo diretor Otavio Sousa.

Imagem do vídeo de "Submersa"

O clipe de “Submersa” foi criado a partir do mesmo conceito e material que norteou as VideoTrackz de “Matriz”. Nesse projeto, Pitty produziu 13 vídeos divididos entre abertura, tracklist visual das faixas do álbum e encerramento com créditos. Os roteiros desses pequenos vídeos foram pensados para serem executados de forma simples e criativa, em casa, com objetos cotidianos e recursos de edição simples e populares. Os fãs podem assistir a esse mini-documentário no perfil oficial da musicista no instagram. 

Novo single é uma prévia do próximo registro de estúdio "Todo o Nada", em que a Johnny Olas garante trazer mais experimentações em novas canções

Um mês depois de divulgar o excelente o single "Indiferencia", a banda chilena Johnny Olas lança mais uma música que exalta seu original e divertido ska punk. "Pierdes el Tren", já disponível em todas plataformas digitais, é uma versão de um clássico do ska da década de 1990, da banda madrilenha Malarians (Espanha). A música é uma crítica às relações muitas vezes abusivas e aproveitadoras dos managers e promotores do mundo da música em cima do trabalho artístico.

Para este segundo single de 2020, os chilenos trabalharam junto a convidados especiais, como Vera, Bárbara e Marcos da banda argentina de ska Mafalda, o tecladista Daniel Castillo (Mr. Rabbit) e Warren Huang (Tribal Seeds, Ozomatli, Goldfinger), que em "Pierdes el Tren" toca sax e fez os arranjos.

A canção ganhou um videoclipe que traz diversas cenas do processo de gravação do single e momentos da banda tanto em Santiago com em Buenos Aires, na Argentina, em 2019, onde a Johnny Olas esteve em uma mini-turnê junto aos amigos da Mafalda.

“Malarians é uma grande influência para o ska latino e esta música, em especial, é um clássico de coletâneas que fizeram história no gênero. Conversamos com Bergõna e Rubén, os vocalistas originais da banda, e eles ficara muito felizes com a nossa versão. É um tema ainda atual, que foi composto há 25 anos”, conta Francisco Padilla, vocalista daa Johnny Olas.

O novo single foi mixado e masterizado em Los Angeles, pelo renomado produtor TJ Rivera, que há 20 anos trabalha com bandas das icônicas gravadoras punk Epitaph, Fat Wreck Chords e Hellcat – atualmente trabalha no estúdio Ship Rec, cujo dono é Tim Armstrong, do Rancid.

Texto: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

O heavy metal e o canto lírico combinam tão perfeitamente que não por acaso acompanhamos bandas como Nightwish, Epica e Within Temptation manter um sucesso estrondoso há anos. Em terras brazucas, não é diferente. O estilo tem muitos admiradores e revela talentos surpreendentes. Encontramos nele a cantora Arya Medeiros que participa dos projetos Brazilian Metal Queen, Deusas do Rock Brasil e o mais importante deles, Eve Desire.

Arya fundou a Eve Desire ao lado do seu marido Wagner Cappia (vocal e teclado) em 2012. A banda começou fazendo tributo ao Nightwish sob o nome de Ever Dream. Depois de um ritmo frenético com mais de 100 shows em 1 ano, eles decidiram trilhar o caminho do som autoral, lançando de forma independente o single “Vitruvia” (2013). A música chamou tanta a atenção que Thiago Bianchi (Shaman e Nocturnall) os convidou para a produção do primeiro álbum.

Em 2017, Eve Desire foi responsável pelo arranjo orquestral da faixa de abertura do álbum comemorativo aos 25 anos de carreira do músico Edu Falaschi e ganhou excelentes críticas em resenha na Revista Rodie Crew. Além disso, a banda dividiu o palco de importantes nomes internacionais como o Noturnall de Mike Portnoy em novembro de 2019 e Vision Divine em março de 2020. Além de

O mais recente lançamento da banda é o álbum "Prelude to Singularity" (2020). Esse registro de estúdio traz uma nova versão da música "Vitruvia" e muita influência de heavy metal sinfônico juntamente com o vocal lírico. Batemos um papo com a simpática Arya que nos contou sobre o início da sua carreira, como é trabalhar com o marido e os planos futuros para a Eve Desire. Confira:

FRS: Antes de tudo, qual é a sua primeira lembrança relacionada a música? Como e quando  você se interessou pela música?

Arya: Minha primeira lembrança é cantando no coral da escola que estudei, lá pelos 7 anos. Era um colégio de freiras e eu cantava em coral, que era nossa aula de música. Sempre me vi cantora, mas demorou até entender que isso poderia ser uma profissão. Achava que era só uma ilusão, mas o tempo foi passando e a vontade aumentando. Até que aos 17 anos comecei efetivamente a ir atrás de estudar e cantar de verdade.

FRS: Você se tornou cantora lírica. Quais são as suas principais inspirações?

Arya: No campo erudito, Maria Callas. Mas, antes eu já ouvia metal e amava Tarja, Angra e Shaman. E hoje, meus ídolos são meus mentores. Eu estudei com André Matos e o Thiago Bianchi é nosso produtor. Já passei um dia inteiro na passagem de som da Tarja em um show dela aqui em São Paulo e foi surreal. Tudo que envolve música erudita e heavy metal me inspira.

FRS: Você integrou os projetos Brazilian Metal Queen e Deusas do Rock Brasil. Pode nos contar mais sobre esse momento da sua carreira?

Arya: Sim, estou nos projetos até hoje. É uma honra e uma responsabilidade fazer parte. Tantas meninas buscam espaço e ter conseguido é algo muito marcante na minha carreira. O trabalho deles é muito incrível, eles se empenham muito em dar espaço e estrutura para as musicistas no rock. Tem um crivo bem duro, mas abrem muitas portas e são grandes amigos atualmente. Eles me deram espaço quando eu ainda não era ninguém, e serei eternamente grata por isso.

FRS: Atualmente, você é a vocalista da banda de metal melódico Eve Desire ao lado do seu marido Wagner Cappia. O que motivou vocês a iniciarem a banda?

Arya: Nós nos conhecemos quando montamos a banda. Tudo começou quando eu procurei tecladista na Internet e ele procurou vocalista, ambos querendo montar uma banda de heavy metal sinfônico. Rapidamente nos envolvemos e hoje temos 7 anos de casados e 2 filhas. Nós dois temos formação erudita e somos apaixonados por metal sinfônico. Então, começamos com Nightwish cover e depois viramos banda autoral. E cá estamos, fazendo aberturas intencionais, num dos principais selos do mundo (Dynamo Records, mesmo selo do Nightwish no Brasil), e muito realizados.

FRS: Como funciona a dinâmica de composição entre você e o Wagner?

Arya: Ele compõe todas as músicas, eu faço a melodia, letras e os corais. Os coros do disco são arranjos meus com o Bianchi. Gostamos muito de física, relação entre música e matemática, então esse vem sendo o tema central dos nossos trabalhos. Temos as mesmas influências e estilo, isso ajuda muito.

FRS: Como você analisa a evolução e amadurecimento da Eve Desire até agora?

Arya: Olha, para mim é uma história de superação e sucesso. Aconteceu tanta coisa ao longo do caminho, e nunca cedemos. Tivemos dificuldades em encontrar músicos para trabalhar. Só deu certo quando contratamos gente para gravar. Eu quis fazer duas pausas para ter minhas duas filhas que foram planejadas, o Bianchi adoeceu e ficou 1 ano sem produzir.

Nesse meio tempo,  aconteceram diversas dificuldades financeiras, levantamos o Conservatório Ever Dream do zero, enfim, foi muito difícil.Tocar uma banda e um conservatório no meio de tantos problemas foi enlouquecedor. Fora o meu processo particular de dar a luz a 2 crianças, amamentar, tudo ao mesmo tempo.

Então, quando olho para o disco, para as nossas conquistas hoje - fizemos a abertura do show do Vision Divine em São Paulo 10 dias antes da quarentena e o lançamento do álbum uma semana antes da quarentena, abrimos para a Noturnall com o Mike Portnoy em Criciúma no fim de 2019, tocamos na Kiss FM, temos aberturas confirmadas para o Sonata Arctica em Limeira e Curitiba assim que tudo normalizar, o disco já tem faixas em várias playlists importantes do Spotify mesmo tendo sido lançado, sem querer, no auge da pandemia. 

No nosso início também colecionamos gratas vitórias, como ter sido um dos melhores Nightwish cover do mundo, termos sido descobertos pela Rádio UOL logo após o lançamento de uma demo independente, gravamos uma das faixas do CD em homenagem ao Edu Falaschi e seus 25 anos de carreira. Quando lembro disso tudo, só sinto que valeu cada pancada e que esse é o começo de uma história incrível que estamos fazendo no heavy metal sinfônico brasileiro. Em frente!

FRS:  O lançamento mais recente da Eve Desire é o álbum "Prelude To Singularity" (2020). Conte-nos sobre o processo de produção do álbum.

Arya: Foi super complexo. Aconteceu de tudo para desistir. Isso na parte da vida real (risos). Na parte musical, desde o princípio as composições foram guiadas pelo produtor, pois fechamos com ele antes de ter o álbum escrito e logo depois do lançamento da nossa demo "Vitruvia" pela Rádio UOL. Cappia fez as músicas, eu letrei e compus as melodias.

Quando entramos para finalizar as gravações, o produtor tomou conhecimento do meu coro lírico profissional, onde sou Maestrina. E quis botar o coro no disco, por ser uma baita coisa bacana ter um coro de pessoas e não um coro de teclado, como normalmente acontece. Esse processo de criar, coordenar e gravar mais 8 linhas de coral com 10 cantores levou mais 10 meses de gravação. Mas o resultado valeu muito a pena! A temática do disco é física quântica, com uma história de amor no meio. É um álbum conceitual. Tudo ficou muito com a nossa cara, o produtor foi incrível e o resultado está aí!

FRS: Qual música mais representa a fase atual da Eve Desire?

 Arya: Acho que é a Chronos. Porque ele fala do tempo cronológico e do tempo qualitativo, e no meio desse cenário atípico que está mudando o mundo, tem tudo a ver. Ela nos leva a refletir sobre o que estamos fazendo com o pouco tempo que temos aqui nessa existência.

FRS: Para finalizar, quais são os planos da banda quando voltarmos ao normal?

Arya: Primeiro, realizar os shows que já estavam agendados, assim como a tour para América do Sul. Depois, conseguir lançar o disco na Europa e Japão, que adora esse tipo de som.E também já vamos engatar o segundo álbum, para avançar a trilogia que começa com o "Prelude to Singularity"! Stay Tuned! Obrigada pelo espaço e pela dedicação de vocês com as mulheres no rock!

Trapdoor Social - Foto: divulgação

Texto: Ingrid Natalie ( Instagram: @femalerocksquad)

Nós normalmente vemos bandas iniciarem seus projetos a partir da paixão pela música. Mas, e se estendermos também pelo amor a natureza e sustentabilidade? Esse foi o caso do Trapdoor Social. Tudo começou na Pomona College, na Califórnia, onde os amigos Merritt Graves e Skylar Funk se conheceram e estudavam Gestão Ambiental. Após o término da faculdade, eles decidiram se engajar na música através do Trapdoor Social concordando que deveria ser um portal para a música e a criatividade, mas também uma plataforma para promover a sustentabilidade e as filosofias nas quais eles carregam em suas veias. Em 2016, eles lançaram o álbum homônimo que traz o hit "Sunshine", uma música cativante com um toque de indie rock. Os últimos lançamentos da banda são os single "Hold Me Down" (2018), "Whispers" (2020) e uma releitura do clássico "Feeling Good" eternizada na voz de Nina Simone.

A banda cresceu e mudou muito desde os seus primórdios, mas continua a trabalhar a mensagem em eventos, músicas e outras mídias. Criaram e dirigiram o Sunstock Solar Festival de 2016-2018, fizeram uma turnê pela Europa e pelo Reino Unido com a icônica banda B-52s, e hoje em dia ganham cada vez mais destaque na cena musical de Los Angeles e mundo. Atualmente, a banda californiana é formado por Skylar Funk (vocal e guitarra), Merritt Graves (vocal e teclado), Louie Gonzalez (guitarra), Patrick Griffen (baixo) e  Ben Ebert (bateria).

Um diferencial do Trapdoor Social é o estilo de rock alternativo. Os músicos trabalham desde 2014 com bandas sinfônicas, explorando as raízes nerds da banda e curtindo a própria marca de rock sinfônico. De "Fine On My Own", que tocaram ao vivo com seis bandas do ensino médio, a "Feeling Good", cover que lançaram recentemente, eles definitivamente estão se divertindo com a influência não tão convencional para uma banda de rock. Neste momento, Trapdoor Social segue escrevendo e gravando seu segundo álbum de inéditas.

Conversamos com o simpático vocalista Skylar Funk que nos contou desde o início da banda, fase atual e os planos futuros. Confira:

FRS: Primeiro, como vocês se conheceram e decidiram montar a banda?

Skylar Funk: Merritt Graves e eu nos conhecemos na Pomona College, onde estudávamos Gestão Ambiental: problemas ambientais, soluções, tudo no meio. Após a faculdade, decidimos iniciar o Trapdoor Social para fazer música, mas também para encontrar uma maneira de ser uma força para a sustentabilidade e um mundo melhor.

FRS: Quais são as principais influências da banda?

Skylar Funk: Hmmm, boa pergunta. Todo mundo na banda tem influências diferentes, mas algumas são Ben Gibbard (Death Cab for Cutie, Postal Service), Bon Iver, Macklemore, música de bandas de metais dos meus dias de saxofone. Eu sou todo bagunçado (risos). 

FRS: Como é o processo de escrita para você?

Skylar Funk: A maioria das minhas músicas começa com um instrumental, como uma progressão de acordes no piano ou um toque de guitarra, um pouco de vibração que me inspira a cantar. Ou, às vezes, uma ideia de melodia ou letra que vem primeiro, mas com mais frequência instrumental. Canto sem sentido até que uma história se materialize ou algumas linhas se conectem, e então construo em torno disso. As músicas geralmente levam meses para terminar, ao menos que eu esteja em uma sessão de escrita com outra pessoa. Nesse caso, geralmente terminamos em um dia (risos).

FRS: Qual é o segredo de uma ótima música do Trapdoor Social?

Skylar Funk: Poxa vida, eu não sei. Muitas das minhas favoritas têm sangue, suor e lágrimas em sua produção, especialmente quando estou muito ligado a uma música que trago para o estúdio (essas músicas são como meus bebês, eu me apaixono por elas) e, em seguida, o produtor ou meus companheiros de banda querem alterá-los. Todos nós parecemos querer coisas diferentes e quase nunca concordamos (risos). Mas parece sair bem no final!

Trapdoor Social - Foto: divulgação

FRS: Você fez uma turnê com os B-52. Por favor, conte-nos mais sobre essa experiência.

Skylar Funk: Sim! Na primavera de 2019, fomos convidados para ser a banda de abertura da turnê européia de despedida do B-52 e, apesar de ser muito difícil para os nossos negócios fazer isso acontecer, sabíamos que tínhamos que fazê-lo. Foi uma experiência incrível. Tocamos em locais lindos e esgotados em Amsterdã, Bruxelas, Colônia, Berlim, quatro cidades do Reino Unido e Paris. Os B-52 são pessoas doces (e, olha, espero que eu ainda tenha muita vitalidade no palco quando tiver a idade deles!). Toda a equipe deles foi muito legal e ainda somos amigos. Eu os vi em Nova Orleans este ano e saímos para jantar. Eles são tão doces. E é claro que sim, tivemos a experiência das nossas vidas em turnê pela Europa. 

FRS: Quais são seus planos futuros quando tudo voltar ao normal?

Skylar Funk: Esperamos que em breve possamos trabalhar juntos em pequenos grupos, como dias de gravação em estúdio, sessões de composição etc, para começar a gravar um novo álbum. Nós estamos escrevendo desde a turnê européia, mas ainda há muito trabalho a fazer. E então, quando o mundo estiver pronto para que os shows aconteçam novamente ... queremos fazer uma turnê! Acho que não tenho ideia de quando isso será possível, mas uma turnê pela América Latina seria muito divertida e definitivamente está na minha lista de tarefas!

FRS: Podemos esperar uma turnê brasileira a curto prazo?

Skylar Funk: No curto prazo ... provavelmente não. Pode demorar um ano ou dois. Ou três. Eu não faço ideia. Mas nós estamos chegando. Tantos fãs maravilhosos têm demonstrado apoio do Brasil. Então, assim que pudermos fazê-lo funcionar, nós o faremos!

Destacamos também a excelente versão da banda para o clássico "Feeling Good":

Rick Nunes - Foto: divulgação

Artistas que expressam paixão e genuinidade pelas suas criações procuram sempre se reinventar e  continuar honestos. Esse é o caso do músico Rick Nunes. Nascido em Campinas, interior de São Paulo, o cantor e compositor se dedica há duas décadas para a música. Sua intensa presença de palco e voz característica do rock'n'roll são impressionantes. "Fire" (2015), seu primeiro trabalho autoral, chamou muita atenção pela qualidade das canções. Não por acaso, em 2018, Rick foi convidado a integrar a banda These Days, tributo ao Bon Jovi, onde ficou em torno de 1 ano e meio.

Com vontade e determinação de seguir em frente com a carreira solo, Rick Nunes se prepara para compor e lançar novas músicas autorais tanto em inglês quanto em português. Veja a nossa entrevista com o músico que nos comentou sobre o início de sua carreira e o momento atual:

FRS: Antes de tudo, precisamos saber, como a música entrou na sua vida?

Rick Nunes: Desde moleque escuto música clássica por causa da minha vó paterna que era pianista clássica, então no ambiente familiar sempre rolou Beethoven, Chopin, e etc. Além disso, meu pai sempre adorou rock e me apresentou The Beatles, especialmente o disco Abbey Road, Elvis Presley, Creedence e etc. Aos 16 anos eu e meu irmão do meio começamos a tocar violão, cantar, e decidi tocar bateria pra formar uma banda! Tudo começa aí! Nesse momento descobri o que eu queria fazer da vida.

FRS: Quais foram as suas primeiras influências no início da sua carreira?

Rick Nunes: Bon Jovi, Queen e Freddie Mercury, Van Halen, Guns n Roses, Whitesnake, Deep Purple, Metallica. Gosto de música  instrumental, além da clássica, gosto de guitarristas: Steve Morse, Steve Vai, Joe Satriani, etc. Amo Blues e Black Music: Steve Wonder, Donny Hathaway, Bill Withers, BB King, Eric Clapton, Michael Bolton, etc. É muita gente!! Tem muitos que não citei, mas que me influenciaram muito também.

FRS: Você foi vocalista da banda These Days, tributo ao Bon Jovi, por um tempo. Como você se sentiu ao tomar a decisão de seguir em um projeto solo?

Rick Nunes: Fui vocalista da These Days por 1 ano e meio fazendo cover do Bon Jovi. Sempre tive voz parecida com a do Jon e fui muito influenciado pela banda. É bem natural pra mim cantar Bon Jovi, mas meu sonho sempre foi compor e cantar minhas próprias músicas. Tenho muitas ideias, sempre escrevi letra, principalmente em inglês, e decidi seguir no caminho autoral solo em 2015, quando lancei meu primeiro EP,  "FIRE". 

Entrei na These Days em 2018, e foi uma boa experiência, mas é maçante pra um artista criativo ficar imitando outro artista. Encarei como teatro musical, que fiz por 6 anos da minha vida, interpretei outra pessoa, mas o tempo de vida é limitado e não nos permite fazer tudo. É preciso ter foco no que mais me interessa. Naturalmente, quando saí da banda me senti muito bem, pois agora tenho tempo e disposição pra continuar minha jornada.

FRS: Como você se define como compositor? Existe alguma situação em particular em que você gosta de escrever?

Rick Nunes: Não gosto de definições, e essa é a minha marca. Se não me sinto livre não consigo criar. Normalmente crio em momentos intensos da minha vida, pois criar música me ajuda a elaborar minhas vivências. Não há regra quando componho, eu simplesmente pelo o violão ou sento no piano e começo a tocar uma sequência de acordes que confortam meu coração, que me excitam, que me tragam bem-estar. 

A melodia logo aparece costurando as harmonias, e com isso já esboço uma letra. Algumas músicas vem mais facilmente e outras nem tanto. Algumas vezes fico dias garimpando palavras que se encaixem na música. Parece um quebra cabeça. É um processo muito gostoso, e quando vejo a música pronta, sinto um poder incrível!

FRS: A propósito, você compõem tanto em português quanto em inglês. Para você, quais são as diferenças (além do idioma obviamente) na hora de escrever?

Rick Nunes: Como tenho muita fluência com as línguas portuguesa, por causa da minha mãe que é professora, e Inglesa, pois já morei nos EUA como intercambista, deixo que a própria música defina qual será o idioma. Normalmente, componho músicas típicas do rock americano, então ficaria estranho cantar em português. Musicalmente prefiro mais a sonoridade da língua inglesa, mas quando a música tem que ser em português, não há nada que eu possa fazer, como a minha canção “Só Eu”.

FRS: Qual é o papel da música na sua vida? 

Rick Nunes: A música me conforta, me inspira, da um colorido especial pra minha vida. Nos momentos mais intensos da minha vida a música sempre esteve presente. Não concebo viver sem música! E criar música da um sentido enorme pra minha vida! É como aquele dom que temos que abraçar, pois não seria justo passar por essa vida e não viver isso.

FRS: Por fim, quais são os seus planos para o restante de 2020, principalmente após quarentena?

Rick Nunes: Acho que essa quarentena se estenderá até o fim do ano, até encontrarmos uma vacina eficaz. Nesse tempo, pretendo continuar compondo, e pretendo explorar novos horizontes, cantar coisas novas, de artistas novos, gente muito boa que está se destacando nas plataformas digitais. 

Quero evitar o óbvio, mas não negá-lo. Por exemplo, gosto de cantar Bon Jovi, e sei que muita gente espera isso de mim, não vou decepcionar, mas não quero e não posso ficar só nisso. Preciso cantar minhas canções e quero também explorar novos materiais.

The Mönic - Foto: Marcelle Stavale

Na última sexta-feira (22) a The Mönic disponibilizou, em todos plataformas digitais, a versão acústica de “Andy & I”. Originalmente parte do disco de estreia “Deus Picio” (2019) — disco de estreia da banda paulistana — a nova versão também conta com um webclipe e fará parte de um EP inédito, gravado durante a quarentena.

Na nova releitura, o som característico do quarteto paulistano — regado a guitarras distorcidas, vocais rasgados e melódicos, baixo pesado e uma bateria marcante, com influências de garage rock — dá lugar ao violão, guitarra e vocais de Dani Buarque, que também mixou a faixa. “Andy & I (Acoustic)" é o primeiro single de “Refúgio”, EP que a The Mönic prepara para lançar. Nesse single já é possível notar o som mais leve e cru que estará presente ao longo de todo o repertório. Confira o resultado:

“Refúgio” será formado por versões totalmente desplugadas de canções da The Mönic. Surgido por conta da pandemia de Covid-19, que obrigou a quarentena de Ale Labelle (guitarra e voz), Dani Buarque (guitarra e voz), Daniely Simões (bateria) e Joan Bedin (baixo e voz), o EP está sendo gravado de casa, assim como seus vídeos.

Completando o time feminino, a capa de cada lançamento é assinada pela artista Vivi Leitão Berge. Cada uma dessas capas foi ilustrada sob medida a fim de retratar o universo de cada integrante durante o isolamento. Veja a capa do single "Andy & I":

Ruy Brissac - Foto: divulgação

O Brasil é um oceano de artistas extremamente talentosos e dentro dele encontramos Ruy Brissac. O cantor entrou na carreira no mundo musical já na infância, aos 8 anos de idade, através do coral da igreja e na escola que estudava. Ele integrou várias bandas ao longo da sua jornada, mas foi através da "Kronos", que ele montou aos 15 anos, que teve a oportunidade de se apresentar em festivais e encontros de motociclistas em Bom Jesus dos Perdões,  interior de São Paulo, sua cidade natal.

Ruy Brissac ganhou um grande destaque ao interpretar o Dinho, vocalista do Mamomas Assassinas, em uma peça de teatro em 2016. Sua interpretação foi bastante elogiada o que o levou a ganhar  ‘Manto da Marília’ no Prêmio Bibi Ferreira, como Melhor Ator Revelação.

O artista continuou firme e mergulhou na sua carreira solo na música. Em 2017, ele lançou o seu EP de estreia "Em Construção". O ano de 2018 foi de muitas conquistas para Ruy. A Universal Music o chamou para ser o vocalista do single "Vai Aê!", cuja letra foi postumamente atribuída a Dinho, do Mamonas. Rascunhos da música foram encontrados por Jorge Santana, primo de Dinho. Ruy Brissac concluiu a letra, adicionando alguns trechos novos. Além disso, ele lançou o EP "Gato Preto", disponível em todas plataformas digitais.

Conversamos com esse simpático e multifacetado artistas que nos contou detalhes do início da sua carreira e planos futuros. Confira a entrevista:

FRS: Nos conte sobre o começo da sua carreira, como você começou a se interessar por músicas?

Ruy: A música sempre foi presente na minha casa desde de que nasci. Raul Seixas era o mais tocado, com 8 anos eu fazia parte da fanfarra da cidade, e devido às festas de final de ano que eles promoviam eu conheci o karaokê. Foi amor à primeira vista, me apaixonei pelo canto, então entrei em um coral. Após isso ganhei meu primeiro teclado e aí não parei mais, fazia shows na escola, festas da cidade, festivais, a Banda que tive por mais tempo foi a Kronos, uma banda de rock clássico, fazia muitos shows em encontro de motociclistas. 

FRS: Quais são as suas principais influências?

Ruy: Minhas influências são do rock, pop e lírico. Os principais artistas são, David Bowie, Evanescence, Queen, Guns and Roses, Nirvana, Cazuza, Raul Seixas, Imagine Dragons, Andrea Bocelli, Lady Gaga, Michael Jackson. 

"Minha missão é inspirar as pessoas com minha música, com minha arte. A música é essencial na minha vida"

FRS: Como você se definiria como compositor? Existe algum momento ou situação na qual você se sente mais confortável para compor?

Ruy: Sempre tive facilidade pra compor, amo criar. Na maioria das minhas composições primeiro crio a melodia, sinto o que ela me transmite, defino o tema e escrevo a letra. Prefiro compor a noite. A lua, as estrelas, o silêncio da madrugada é o que mais me inspira. 

FRS: Qual o papel da música na sua vida?

Ruy: Minha missão é inspirar as pessoas com minha música, com minha arte. A música é essencial na minha vida. É o que move minhas emoções. A minha casa é sempre preenchida pela música, acordo, e já deixo a playlist rolando dia todo, é o que define meu dia a dia. 

FRS: Qual das suas composições define o momento atual da sua carreira e por que? 

Ruy: A música "Minha Lei" é a que mais me define. Porque ela me faz refletir e me forçar a me reinventar. A viver cada dia como se fosse o último. E sentir a liberdade e ver o lado bom da vida independente da dificuldade.  

FRS: Após voltarmos a normalidade, podemos aguardar por uma agenda de shows? O que você planeja? 

Ruy: Sim. Já tinha planejado shows e novos lançamentos porém tudo foi adiado. Quero fazer shows nas grandes capitais, lançar novo single com vídeo clipe e um feat. Esses são os primeiros planos.