As seis apresentações em terras tupiniquins estão agendadas para o mês de novembro

Mercury Concerts, responsável pela turnê da banda Kiss, "End Of The Road World Tour", no Brasil, juntamente com a banda e seus representantes, anunciou nesta segunda-feira, 30/03, que devido a pandemia de covid-19, todos os shows da turnê foram adiados. Confira abaixo as novas datas e locais:

• São Paulo/SP, dia 14/11/2020, no Allianz Parque; 
•  Brasília/DF, dia 10/11/2020, no Ginásio Nilson Nelson;
• Uberlândia/MG, dia 12/11/2020, no Estádio Parque do Sabiá;
• Ribeirão Preto/SP, dia 15/11/2020, na Arena Eurobike;
• Curitiba/PR, dia 17/11/2020, na Pedreira Paulo Leminski;
• Porto Alegre/RS, dia 19/11/2020, local a definir.

Os fãs que já adquiriram os ingressos poderão utiliza-los para as respectivas novas datas, não havendo necessidade de troca/substituição de nenhum ingresso.

A "End Of the Road World Tour", que marcará a despedida da banda dos palcos. A expectativa dos fãs é grande. Mas, enquanto o Kiss não desembarca no Brasil, que tal relembrar um dos grandes clássicos dos mascarados de Detroit? 

Level 11 - Foto: divulgação

Texto: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

Neste sábado, 28/03, Level 11 lançou seu novo single "Verônica". Apesar de ter sido gravada recentemente, a música já tinha sido escrita pelo vocalista Marcelo Júnior e sua primeira banda há 20 anos. Ele comenta, "a canção tinha se perdido no tempo até que hoje ela ganhou vida e sentido através da Verônica". A personagem é real e é uma fã da banda que tem um papel importante na vida do vocalista. "Com toda a sua gentileza me ajudou a superar um desafio que para mim estava sem saída", completa.

A história foi traduzida em uma melodia suave, tocante e com uma letra bela na qual podemos totalmente nos identificar. A composição também conta com a colaboração do músico Thiago Martins que realizou um solo extremamente marcante.

Por todo esses diferenciais, a música ganhou um videoclipe muito bem produzido por Raphael Sarle. O vídeo conta a história de um casal interpretado pelos atores Rafael Sopran e Thais Reis. O casal está passando por dificuldades no relacionamento principalmente pela indiferença do homem e solidão da esposa que não sabe o que passa pela mente do marido, no entanto, surge uma oportunidade de recomeço. Essa energia e as palavras positivas que tornam a música e o vídeo tão apaixonantes e viciantes.

Conversamos com Marcelo Júnior que nos contou a respeito de todo o processo de composição da música e do vídeo. Confira:

FRS: Como foi a composição da música?

MJ: Começou há 20 anos atrás. Isso é sério (risos)! O riff principal era parte de uma canção que tocávamos na nossa adolescência, mas a canção tinha se perdido no tempo até que hoje ela ganhou vida e sentido através da Verônica. Ela (Verônica) de forma incrível com toda a sua gentileza me ajudou a superar um desafio que para mim estava sem saída.e quando ela pediu uma canção para ela. Eu ouvi naquele momento o riff do passado, como se ele estivesse guardado para ser um presente para ela e então terminei a poesia e começamos a trabalhar na canção.

FRS: Quais foram as principais influências para a a sonoridade da música?

MJ: A principal influência foi "Light My Way" do U2. Em cada instrumento, eu queria trazer aquela "vibe" de paz, de suavidade que essa canção possui a bateria alegre, o baixo romântico, a guitarra leve, o solo hipnotizante e o cuidado da voz. Tinha que trazer dor, mas com esperança de recomeço. Quando ouço o resultado final e recebo hoje o público dizendo que a canção está "apaixonante" ou que é "viciante" tenho a certeza que chegamos onde tinha que chegar. Uma canção que daqui 10, 20 anos ainda será prazeroso subir nos palcos e levar esse sentimento para as vidas que estarão conosco.

FRS: A música tem a participação de Thiago Martins. Como aconteceu a parceria e como ele colaborou no resultado final? 

MJ: Thiago é o nosso mestre das guitarras. Ele é o meu professor e do Dinda, estamos há meses fazendo aulas com ele e nesse processo começamos a sentir que ele possui a vibe que a Level11 busca, pessoas de luz ou os #lightlevel´s (risos). Durante uma aula de harmonia, eu mostrei o riff com algumas modificações que aprendi através dele. Ele disse que estava lindo o som e por isso não pensamos duas vezes em convida-lo para participar da produção.

Lembro que no momento de criar o solo ele fez algo bem "fritação", modo de dizer que tava na pegada virtuosa demais (risos), e eu disse para ele, "tira notas desse solo e deixa algo mais romântico, algo mais dócil" . Então, ele enviou o novo solo pelo whatsapp. Eu ouvi e liguei para ele de imediato, ele atendeu e eu disse "meu Deus, você me fez chorar. Cada nota tá no lugar certo. Você alcançou a canção!"

Por fim, entramos em estúdio com ele e tudo fluiu com tanta paz e tranquilidade que se você deitar no seu quarto, apagar as luzes e ouvir "Verônica"  sentirá a harmonia dentro de você!  

FRS: Sobre o clipe, como surgiu o conceito do vídeo e o que pode descrever sobre o processo de gravação?

MJ: Toda canção nasce com uma história. Eu tenho hábito de escrever rascunhos de roteiros de cada canção, pois o nosso desejo é sempre ter condições de produzir videoclipes. Porém, a realidade é bem difícil para uma banda independente.

Então, para "Verônica" eu havia guardado um roteiro com várias idéias aleatórias de cenas e locais e quando escrevo os roteiros eu imagino que trabalho em Hollywood então coloco idéias bizarras para a nossa realidade. Nesse, por exemplo, eu havia escrito que uma das cenas seria filmada dentro de um shopping em São Paulo. Para mim seria simples fechar um shopping e gravar (risos), mas ainda bem que encontramos o parceiro certo para a produção, Raphael Sarle.

Ele leu, releu e foi adaptando roteiro para a nossa realidade (risos). Tínhamos 48 horas para gravar o clipe utilizando uma equipe com 13 pessoas e em 5 locais diferentes. Foi algo bem audacioso, mas que graças ao empenho e dedicação de todos resultou nessa história linda que tá aí só pra sempre.

Bruno Del Rey - Foto: Melissa Warnick

Texto: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

Bruno Del Rey lança o single "O peito ansioso por um estouro".  A canção foi gravada durante as sessões do EP "Começou, tem que ter fim" (2018). O músico comenta que a nova música tem uma atmosfera ensolarada tanto pela mensagem de um despertar romântico quanto pelos timbres vintage com reverb de mola que nos remetem a paralelos anos 60 no melhor estilo Beach Boys.

Essa será uma nova fase para o artista sergipano radicado em São Paulo, que tem um louvável trajeto na música. Ele liderou as bandas Rockassetes e Bicicletas de Atalaia dos anos 2000 a 2016. Com elas participou de diversos festivais de música independente e suas composições já foram finalistas de inúmeros concursos. Em 2017, Bruno lançou seu primeiro EP solo, "Respire fundo e diga 33". Em 2018, moldado em influências vintage, especialmente pela música soul e blues dos anos 50 e 60, Del Rey lança seu segundo e mais recente registro de estúdio “Começou, tem que ter fim” cuja faixa homônima foi semifinalista do Festival da Canção Brasileira do SESI-SP.

Conversamos com o músico que nos contou sobre o novo single e o que ele espera para o futuro. Veja: 

FRS: Como foi o processo de composição de "O peito ansioso por um estouro"?

Bruno: Escrevi a canção no final de 2017, estava num período esperançoso e estimulante. Falo disso na letra, sobre ver nascer uma “bruta flor” - aqui uma referência direta a Caetano Veloso - , sobre parecer um “Domingo”. É o sentimento de “o fogo do novo inebria os sentidos”, você torna-se ansioso pelo novo, pelo amanhã. Contudo, a visão de mundo de quem é reflexivo e já experienciou frustrações, tende a ser mais ponderada e bucólica; daí vem o contraponto do eu-lírico chamando a atenção o tempo todo para “eu deveria ter dado ouvidos”, “poderia ter me escondido”, como um aviso de algo que, apesar de bonito, pode machucar e frustrar.

O tema não é necessariamente novo na música, mas é sempre a maneira como o compositor escolhe falar sobre, a escolha das palavras e sentidos. Eu gostei dessa imediatamente quando a terminei e ainda gosto 2 anos depois, o que não acontece sempre (risos).

FRS: Quais foram as principais influências para este novo single?

Bruno Del Rey: Como foi uma canção gravada durante as sessões do EP “Começou, tem que ter fim”, possui as mesmas influências do trabalho anterior. Eu começava a ouvir muito Soul e possuía toda a bagagem de influências dos anos 60 que fizeram minha cabeça desde adolescente. Então você vai ouvir as guitarras cheias de reverb que remetem à Surf music da década de 60 e órgão com timbre de mesma época. O coro que fazemos no final já traz certa influência Soul um pouco mais perto porém a canção e a maneira como cantei ainda estão muito mais próximas a bandas de rock sessentistas do que o estilo soul de “Começou, tem que ter fim” por exemplo.

FRS: Qual é o diferencial de "O peito ansioso por um estouro" que levaram a música a virar single?

Bruno Del Rey: Achamos que ela tinha personalidade para ser lançada mais à frente, independente do EP “Começou, tem que ter fim”. Acabou levando mais tempo do que prevíamos pra sair mas agora está no mundo.

FRS: Qual é o estouro pelo qual você está mais ansioso na sua vida?

Bruno Del Rey: Certa vez li que a melhor maneira de lidar com a ansiedade é desenvolver a habilidade de focar no presente e ter consciência dele. A canção fala do peito ansioso por um acontecimento, que é basicamente o que nos aflige, essa espera e expectativa por algo, pelo porvir. Quando se está assim, atitudes precipitadas podem ser tomadas. Já tive alguns bons estouros na minha vida, tento desfrutá-los agora e criar menos expectativas sobre os que poderiam vir.

Pearl Jam - Foto: Danny Clinch

A espera finalmente acabou! Sete anos depois do lançamento o último disco, Pearl Jam está de volta com seu novo registro de inéditas, "Gigaton". O sucessor de "Lightning Bolt" (2013) foi disponibilizado em todas as plataformas digitais nesta sexta-feira, 27/03. Infelizmente, algumas ações de divulgação do álbum, como uma turnê norte-americana, foram adiadas devido a pandemia de COVID-19. No entanto, não ofuscou a ansiedade da banda e dos fãs em respectivamente apresentar e conhecer as novas músicas. Sem mais enrolação, vamos dissecar cada uma das 12 faixas.

"Who Ever Said" abre de forma explosiva o álbum. Guitarra começa forte, bateria ditando um ritmo pesado. Aquele jeito Pearl Jam que todos conhecemos. A letra aborda um chamado para nunca desistir de lutar pelo bem comum e que ninguém deve ser moldado por opiniões de terceiros. "Superblood Wolfmoon" mantém a mesma pegada e destaque para o belíssimo solo de guitarra de Mike McCready. A música diz como o ser humano pode ser egoísta e descuidado com o planeta e, agora, faz um pedido de perdão. Veja o clipe:

O álbum continua com "Dance Of The Clairvoyants", a primeira faixa a ser escolhida como single. A música rendeu vários comentários tanto positivos quanto negativos. A sonoridade é bastante diferente do que esperamos do Pearl Jam. Parece ter recebido muitas inspirações do pop/rock dos anos 80 ou até para os mais contemporâneos traz uma atmosfera indie rock, fazendo uso de sintetizadores. Definitivamente, a banda quis mergulhar em um novo mar de experimentação. Assista ao vídeo:

Ego Kill Talent - Foto: divulgação

Ego Kill Talent, um dos mais importantes nomes do rock/metal alternativo brasileiro no exterior na atualidade, continua confirmada como banda de abertura do Metallica no Brasil. As apresentações, que inicialmente aconteceriam em abril, precisaram ser reagendadas devido a pandemia COVID-19. Os shows da "World Wired Tour", contando ainda com o Greta Van Fleet como convidado especial, acontecerão em Porto Alegre (14/12 - Estacionamento da FIERGS), Curitiba (16/12 - Estádio Couto Pereira), São Paulo (18/12- Estádio do Morumbi) e Belo Horizonte (20/12 - Estádio do Mineirão).

Jonathan Dörr, vocalista do Ego Kill Talent, comentou sobre a importância deste reagendamento. “Este é um momento muito difícil, mas agora é hora de cuidarmos uns dos outros e de seguirmos as orientações pelo bem comum de todos, mas, além disso, ficamos muito felizes de que a turnê com o Greta Van Fleet e o Metallica no Brasil foi mantida, pois em meio à todo esse caos é preciso ter a esperança de que as coisas voltarão aos trilhos e quando isso acontecer podem apostar que estaremos no palco dando nosso melhor para que juntos, possamos lavar a alma de tudo isso que estamos vivendo”.

A produtora também pediu aos fãs que mantenham seus ingressos, que continuarão válidos nas novas datas. Mais informações sobre ingressos e reembolsos serão divulgadas nos próximos dias. Informações sobre realocações de setores de Porto Alegre estarão disponíveis em https://www.eventim.com.br/metallica em breve. 

O grupo tem feito, literalmente, barulho pelos palcos do país e do mundo desde que lançou seu disco de estreia, homônimo, em 2017. Com músicos experientes e um background que os colocou lado a lado para misturar influências que vão do stoner ao hard rock em um caldeirão repleto de ótimas referências, eles ainda tem o apelo pop necessário para o sucesso de grandes bandas, e inicia uma nova fase em 2020 com a promessa de ser um dos destaques do rock não apenas por aqui.

É importante lembrar que Jonathan Dörr (vocalista), Jean Dolabella (bateria/guitarra), Raphael Miranda (bateria/baixo), Niper Boaventura (guitarra/bateria) e Theo Van Der Loo (baixo/guitarra) recentemente lançaram super produzido vídeo para “NOW!”, primeiro single de tão aguardado novo álbum que será lançado mundialmente via BMG. Assista: 

Foster The People lançou nessa terça-feira, 24/03, a música "It's Ok To Be Human". A música tem uma melodia suave e uma letra bastante positivista que aborda com primor essa fase em que toda a população mundial luta contra a pandemia de COVID-19. No site oficial, o vocalista Mark Foster fez uma reflexão racional sobre o momento e a quarentena. Confira alguns trechos:

"Quando acordei esta manhã com mensagens de amigos e familiares com atualizações, avisos e o desejo de me conectar com outras pessoas, me vi pensando na beleza dessa pausa. O mundo inteiro pressionou a pausa. É como se a mãe terra dissesse: "OK. seus degenerados, me deem o volante. Vou nos guiar de volta na direção certa. " 

Sobre a quarentena, Mark diz, "às vezes, uma pausa é o que precisamos nos lembrar de que não somos deuses. Esquecemos que na verdade somos criaturas sensíveis, vulneráveis e fracas que precisam respirar oxigênio várias vezes por minuto, beber água, comer comida e manter uma temperatura interna de 36 graus. É fácil esquecer nossas vulnerabilidades quando somos mimados com o conforto do excesso social."

O músico finaliza seu pensamento chamando atenção para os líderes mundias, "encorajo nossos líderes a liderar com humildade. Por outro lado, sairemos mais fortes e mais conectados. Quando essa tempestade passar, não podemos esquecer como é agora. Nós somos frágeis. Nós não somos deuses. Viemos a este mundo sem nada e, se vivermos nossas vidas apenas para nós mesmos, deixaremos o mundo sem nada".

Faixa pertence ao próximo disco de estúdio do cantor

Passenger projeto musical de Mike Rosenberg, lança nessa sexta-feira, 20/03, o single inédito “The Way That I Love You”. Faixa vem acompanhada de clipe gravado em Paris. Em suas redes sociais, Mike compartilhou o significado por trás da faixa, que de primeiro soa como uma doce e simples canção de amor, mas que em seu interior revela uma dolorosa mas necessária despedida. “Eu escrevi há pouco tempo para a minha namorada. Na época, parecia uma música de amor muito doce, mas infelizmente algumas semanas depois acabamos terminando”, explica. “Foi só então que percebi que não era apenas uma música de amor, mas talvez subconscientemente minha maneira de me despedir.”

“Espero que essa música ajude quem já passou por algo parecido. Espero que conforte você se você não puder estar com as pessoas que ama no momento.” Confira a música e vídeo:

Mike também anunciou que fará uma série de transmissões ao vivo em seu canal do Youtube, em que tocará suas músicas em versão acústica e de maneira gratuita para seus fãs. Atitude segue as recomendações de segurança oferecidas pela OMS durante o período de distanciamento social, por conta do COVID-19.

Além dos shows online, Mike retomará uma hábito antigo de conversar com seus fãs pelo Facebook. O artista convida todos os interessados a enviar uma pergunta na seção “Visitor Posts” em seu perfil para interagir. “É algo que eu costumava fazer anos atrás e tive que parar quando a vida ficou muito ocupada…. de repente não está tão ocupada quanto antes… Então, por favor, passe e diga olá na seção ‘Visitor Posts’ do Facebook e podemos manter a companhia uns dos outros.”

Quem cresceu nos anos 90 certamente irá se lembrar da música "No Rain" do Blind Melon. O lançamento do single aconteceu em 1992 e se tornou um verdadeiro pela simplicidade da melodia e a letra cativante que abordava a depressão. A música foi escrita por Brad Smith, baixista da banda, que comentou ter se inspirado em uma ex-namorada que estava passando pela doença. Ela dormia durante dias ensolarados e reclamava quando não chovia. Por um tempo, Brad dizia a si mesmo que estava escrevendo a música da perspectiva dela, mas ele percebeu que também estava escrevendo sobre isso.

A música também ganhou um vídeo igualmente intrigante, trazendo como personagem principal a  doce e solitária, Bee Girl (garota abelha). Ela foi interpretada por Heather DeLoach uma jovem atriz que tinha apenas 10 anos na época e criou uma das imagens mais icônicas da MTV.

O conceito do vídeo foi inspirado na capa do álbum Blind Melon, que exibe uma foto de 1975 de Georgia Graham, a irmã mais nova do baterista da banda, Glenn Graham. DeLoach foi a primeira a fazer o teste para o papel, e porque ela se parecia muito com a irmã de Graham, o diretor Samuel Bayer, que também dirigiu "Smells Like Teen Spirit", a escolheu.

A Bee Girl permitiu que Heather conseguisse outros papéis. Ela apareceu no filme "Bolas em Pânico", um remake do filme "A Princesinha", de Shirley Temple, e  em algumas séries de TV como "Plantão Médico (ER)" e "Reno911". Ela se casou em 2017 com Matthew Greiner e dois anos depois deu a luz a uma linda neném chamada Olivia May Greiner. Veja a nossa entrevista:

FRS: Primeiramente, como você foi escolhida para interpretar a Bee Girl? O que fez você se sentir?

Heather: Comecei a atuar quando tinha 5 anos.  Eu fiz o teste para o papel como uma chamada normal de elenco.  Eu me senti tão sortudo por ter sido escolhido!  Eu fui escolhido para o papel principalmente porque eu parecia o baterista, a irmã mais nova de Glen, que está na capa do álbum.  Na época em que entrevistei, ela era muito mais velha e eles precisavam de uma aparência parecida para o vídeo.  Eu tinha 10 anos e estou muito animada por poder vestir uma fantasia de abelha e dançar.  Mal sabia eu que o vídeo seria um sucesso e que minha vida mudaria durante a noite.  Literalmente durante a noite!

FRS: Obviamente, precisamos saber, depois de tantos anos, você se vê assistindo o vídeo de tempos em tempos?  E você ainda gosta da música?  

Heather: É tão engraçado!  Eu assisto o vídeo de tempos em tempos.  Recentemente, dei à luz a minha filha em maio de 2019 e estou muito animada por um dia mostrar a ela este vídeo e a maneira como isso mudou a vida da mamãe e por que ela sempre será conhecida como The Bee Girl!

FRS: Você esperava que o vídeo fosse tão bem-sucedido?  

Heather: Eu nunca esperei que o vídeo fosse um sucesso, ou que o papel continuasse tantos anos depois.  Sinto-me verdadeiramente honrado e abençoado por ser a Bee Girl.  Eu sou ela totalmente!  Eu amo isso!  Eu devo tudo a ela.  Sempre que tenho a oportunidade de fazer um remake do figurino, estou lá e represento!

FRS: Como sua vida mudou desde então? 

Heather: Depois do vídeo, surgiram muitas oportunidades incríveis!  Eu estava no programa Jay Leno, fechei o VMA da MTV em 1993. Co-estrelei em alguns filmes incríveis e recursos de TV.  É louco!  Mesmo assim, depois de todo esse tempo, faço projetos divertidos que levam você de volta aos anos 90 e me divirto com isso, e sou a The Bee Girl de novo.

Ver essa foto no Instagram

Fun Memories with Anthony Kiedis at the 1993 #MTV #VMAs just before going on stage to tap dance. 👑🐝@chilipeppers #thebeegirl #blindmelon #anthonykiedis #redhotchilipeppers

Uma publicação compartilhada por Heather DeLoach Greiner (@heatherdeloachgreiner) em 20 de Fev, 2020 às 7:33 PST

FRS: O que você pode nos dizer sobre os caras do Blind Melon?  E foram gentis com você?  

Heather: Os caras do Blind Melon foram os mais doces!  Lembro-me totalmente do dia das filmagens e de como eles eram legais.  Nós nos divertimos tanto filmando juntos.  Estou super empolgada com tudo o que eles estão fazendo agora.  Entrei em contato com o gerente e tentei vê-los de volta aos 9 meses de gravidez, mas acabei tendo minha filha um pouco mais cedo!

FRS: Finalmente, o que você diria para aqueles que se sentem exatamente como a Bee Girl, sozinhos e sem apoio?

Heather: É louco.  A Bee Girl faz parte de quem eu sou.  Ela é forte e persevera.  Não importa quantas vezes ela seja ridicularizada ou rejeitada, ela nunca desiste.  Acho que minha mensagem para aqueles que parecem que a vida continua te derrubando ou que você é diferente e as pessoas não são gentis com você - não perca essa faísca, não solte o fogo em seu coração.  Seja o magnífico, VOCÊ!  Brilhar e perseverar.  Não deixe que outras pessoas determinem seu valor ou felicidade.  Abelha como a menina da abelha!  Você encontrará sua colmeia e sairá brilhando.  Tente abraçar a jornada, mantenha seu coração aberto e mostre amor, não importa o quê.

A-HA - Foto: divulgação

A-HA, uma das bandas mais importantes da história do pop rock mundial, anunciou 5 shows no Brasil. A turnê mundial comemora o aniversário de 35 anos do álbum de estreia, "Hunting High And Low", um dos mais relevantes da história da música pop, que apresentou ao mundo hits atemporais como “Take On Me”, “The Sun Always Shines On TV”, “Train Of Thought” e, claro, “Hunting High And Low”. O álbum é tocado integralmente nos shows da turnê, que tem recebido críticas entusiasmadas da imprensa e aclamação do público.

Uma das bandas mais aclamadas por sua excelente carreira desde os anos 80, o A-HA , formado pelo vocalista Morten Harket, pelo tecladista Magne Furuholmen e pelo guitarrista Pål Waaktaar-Savoy, carrega em sua discografia nove álbuns de estúdio e 40 singles, somando mais de 60 milhões de cópias vendidas em todo o mundo, influenciou gerações de novos artistas e continua se apresentando frequentemente com sua formação original em estádios e festivais.

A turnê brasileira do A_HA tem produção da Move Concerts. Os shows  estão agendados para Curitiba, no Teatro Positivo, dia 8 de setembro; São Paulo, dia 11 de setembro, no Espaço das Américas; Rio de Janeiro, em 13 de setembro, na Jeunesse Arena; Belo Horizonte, dia 16 de setembro, na Expominas, e na Arena Fonte Nova, em Salvador, dia 19 de setembro. Os fãs poderão adquirir os ingressos através do site www.diskingressos.com.br para o show de Curitiba e em www.livepass.com.br para as demais cidades. A data do início da venda e preços dos ingressos serão anunciados em breve.

Vários músicos como Adam Clayton (U2), Morrissey, Robbie Williams, Pet Shop Boys,  Kanye West e Chris Martin (Coldplay) se proclamaram fãs do trio norueguês.  Chris Martin comenta  que o A-HA foi uma das suas primeiras inspirações e é uma de suas bandas favoritas de todos os tempos. Durante a turnê Viva La Vida, de 2008, o Coldplay fez um cover de “Hunting High And Low” e juntou-se a Magne no show de Oslo, com Chris apresentando-o ao público como “o melhor tecladista do mundo”.

O trio também emplacou muitos outros hits globais como o tema de James Bond, “The Living Daylights”, “Cry Wolf”, “I’ve Been Losing You” e “Analogue”, em colaboração com Max Martin, em 2005. Seu lançamento mais recente foi uma coleção da MTV Unplugged em 2017, com colaborações com Ian McCulloch do Echo & The Bunnymen e Alison Moyet. A revista NME declarou recentemente que "Hunting High And Low" é um dos poucos registros de estúdio que foram aprovados com louvor pelo teste do tempo e, ainda hoje, seus arranjos soam tão bem quanto há 35 anos atrás.

Enquanto a turnê não chega, que tal relembrarmos um dos grandes sucessos do A-HA? Confira abaixo o clipe de "Hunting High And Low":

Violet Soda durante show em São Paulo - Foto: Ingrid Natalie

Texto: Ingrid Natalie (Instagram: @femalerocksquad)

Violet Soda, uma das maiores revelações do atual rock brasileiro, se apresentou em São Paulo neste domingo, 8 de março. O show marcou o lançamento do elogiado álbum de estreia do quarteto. "Violet Soda" foi gravado no Estúdio Costella (SP) com produção de João Lemos e Alexandre Capilé. O disco transborda energia ao longo das nove faixas e traduz, com exatidão, toda a intensidade que o grupo mostra no palco. 

Sobre a relevância da apresentação a vocalista Karen Dió comenta, "Esse show será muito importante pra banda e para mim. Lançamento do meu primeiro álbum da vida, na cidade onde tudo aconteceu". Neste show especial no Fabrique Club, o quarteto paulista mostrou as fãs todas as  músicas do novo registro de estúdio. Eles subiram ao palco às 21:00 ao som da animada "Charlie" que recebeu resposta imediata do público que cantou em uníssono. "You Don't Know Me" exibiu toda a essência primária da banda com as influência de punk e grunge. Também integraram no repertório "Tangerine", "Candyman", "Ashes", "Don't Like This Song" e "Girl!"

Já tinha sido informado que o evento seria muito marcante devido a algumas participações especiais. A primeira da noite foi de Isa Salles da banda Scatolove que cantou o refrão da pesadíssima "I'm Trying". Em seguida, Emmily Barreto do Far From Alaska dividiu o palco com Violet Soda para a execução da música "Friends", o público foi ao delírio ver duas das mais importantes vocalistas do underground juntas. Já no final, Cris Botarelli, também do Far From Alaska, provou sua excelência na guitarra e tocou duas músicas.

Emmily Barreto e Karen Dio dividindo os vocais em "Friends"

Cris Botarelli ao lado de Karen Dió  - Foto: Ingrid Natalie

É importante citar a altíssima qualidade técnica e da performance visceral de Murilo Benites (guitarra), André Dea (bateria) e Tuti AC (baixo) . O entrosamento deles é praticamente palpável de tão forte. Além disso, Karen Dió é a personificação da simpatia. Interagiu a todo momento com o público, tocando as mãos dos fãs e se jogando no meio da galera. Definitivamente, fãs e banda saíram satisfeitos do show que vai deixar aquela ansiedade para o próximo.

Celebrando 50 anos de Jethro Tull, show terá o membro original Martin Barre e grande banda, dia 05 de março, em São Paulo.

Em 1969, uma banda de quatro jovens ingleses chegou à Nova York e literalmente arrebatou os Estados Unidos. Nos anos seguintes, essa banda se tornou uma das mais importantes da história da música, acumulando a incrível marca de mais de 65 milhões de discos vendidos, um Grammy e diversas premiações, criando uma gigantesca base de seguidores leais em todo o mundo.  Esta banda foi o Jethro Tull, que encerrou suas atividades em 2011. 

No centro do som único do Jethro Tull está o guitarrista Martin Barre, que foi responsável pela criação da massa sonora nas composições da banda ao lado de Ian Anderson e seus outros colegas de banda. Juntos criaram um som inigualável, complexo, forte e delicado ao mesmo tempo. Martin é reconhecido em todo mundo como um dos guitarristas mais influentes da história do Rock, por seu formidável domínio do instrumento, com solos arrebatadores e acordes poderosos. 

Para comemorar os 50 anos da história do Jethro Tull, Martin decidiu criar a “Turnê de todas as turnês” com um Setlist de clássicos nunca realizados pela banda - a maior experiência que os fãs de Jehtro Tull podem ter. O show acontece no Espaço das Américas, dia 05 de março, em São Paulo. 

Para isso ele montou um espetáculo multimídia único que está enchendo arenas pelo mundo, além de uma grande banda que executará 2 horas de clássicos do Jethro Tull. Uma grande produção Multimidia com 8 músicos no palco, sendo 2 baterias, temas clássicos, imagens raras, projeções e histórias sobre a banda, celebrando 50 anos de sua música. 

A banda de apoio deste grande espetáculo é formada por Dan Crisp nos vocais principais, Alan Thomson no baixo, Darby Todd na bateria, com Becca Langsford e Alex Hart nos vocais, percussão e violão. Além disso, a banda contará com um convidado especial nos teclados, Adam Wakeman, filho do gênio Rick Wakeman (Yes), que possui uma longa carreira ao lado do Black Sabbath e Ozzy Osbourne, alem de inúmeras gravações e composições com varias artistas renomados. 

Este é o show mais significativo com a obra do Jehtro Tull das duas últimas décadas. Realmente um concerto muito especial que fará justiça à rica história dessa grande banda. Os ingressos para este show estão à venda nas bilheterias do Espaço das Américas ou através do site da Ticket360. Os ingressos custam de R$ 70,00 a R$ 380,00.

Origem da Alma - Foto: divulgação

Texto: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

O conceito diversidade é definido pela reunião de vários e distintos aspectos e características. A  Origem da Alma abraçou totalmente essa ideia e a traduziu em uma sonoridade que combina elementos do heavy metal, rap e reggae. Tudo se iniciou em meados de 2014 quando o vocalista Lúcian, após ter integrado várias bandas de nu metal, optou por criar uma banda que abrangesse todas essas influências e onde as letras carregariam como abordagem principal problemas sociais e espirituais.

Por causa do contratempo de achar integrantes que topassem misturar reggae com metal, a banda vivenciou várias mudanças até chegar na formação atual. A banda lançou seu EP de estreia, "O Observador", em junho de 2019. O registro de estúdio, produzido de forma totalmente independente, traz três músicas, que são um verdadeiro ode ao enfrentamento do nosso mal interior, e provoca sentimentos completamente diferentes dentro da mesma música, suscitando questões profundas do ser humano.

Conversamos com Lúcian (vocal) que nos contou mais sobre o momento atual da banda que está concorrendo a uma vaga para tocar no Lollapalooza Brasil 2020. Confira:

FRS: Para aqueles que estão conhecendo a banda pela primeira vez, como foi a "origem" do projeto?

Lúcian: A primeira vez que surgiu a ideia de montar esse projeto foi em 2001 aproximadamente, quando a minha antiga banda de som autoral chamada Orknes se desfez. Eu sempre dei muito valor a letra e depois que essa banda acabou procurei fazer um som com letras em português, devido ao fato de existirem muitos problemas no nosso país e na sociedade que me incomodam e dessa forma eu conseguiria fazer minha música misturando os estilos que mais me influenciam, além de passar uma mensagem mais clara para a população na tentativa de incitar mudanças que seriam em prol de todos nós. Após a banda passar por diversas mudanças de membros, chegamos na formação atual que eu considero como a original, neste momento estamos conectados e com o mesmo objetivo. Temos divergência de opinião em vários assuntos, claro, mas isso também contribui para a nossa evolução e crescimento, como banda e também individualmente.

FRS: A banda tem uma sonoridade bastante ampla que traz misturas de metal, rap e reggae. Quais são as suas principais influências?

Lúcian: Todos nós temos influências bem variadas, acredito que foi isso que solidificou essa união. Fica difícil até citar algumas apenas, porém alguns artistas que consideramos principais fontes de inspiração seriam Sabotage, Bob Marley, Dezarie, Black Uhuru, Red Hot Chili Peppers, Tool, Charlie Brown Jr, Mudvayne, A Perfect Circle, Killswitch Engage, Prodigy, Sepultura, entre outras, os estilos no geral variam desde o reggae, metal e rap ao soul.

FRS: Na biografia da banda é relatado que houve uma certa dificuldade de encontrar integrantes que topassem fazer essa combinação de sons tão inusitada. A que vocês atribuem o fato?

Lúcian: Como esse projeto já teve diversas formações, eu percebi ao longo de todo esse tempo que existem músicos que infelizmente se prendem às suas influências ou em apenas um estilo e não conseguem criar além do que geralmente escuta, o que é natural já que nós normalmente criamos a partir de algo que já escutamos ou vimos antes, é extremamente raro criar algo inovador, sempre estamos "bebendo de várias fontes", misturando inspirações e colocando a nossa identidade. Já passou por esse projeto (vou chamar de projeto por enquanto, pois nessa época ainda não existia o nome Origem da Alma) integrante que gostava da mistura musical, mas só conseguia tocar a parte do reggae ou só conseguia tocar o metal, ou então que tinha técnica para tocar qualquer estilo, porém só queria fazer músicas de um determinado estilo apenas, foi realmente complicado encontrar pessoas com as capacidade e determinação para se juntar a banda. Além dos motivos que citei acima acredito que outro ponto importante que dificultou o encontro dos integrantes, é a alta dedicação que uma banda de som próprio necessita, onde é preciso escolher muitas vezes a banda ao invés de outros compromissos pessoais, desde ter que virar noites acordado fazendo música, viajar 3 horas para fazer um ensaio de 2 horas, chegar em casa depois do trabalho e se dedicar a banda, deixar de ir em uma festa ou ver a namorada para ensaiar, são sacrifícios que poucos estão dispostos a fazer.

FRS: Vocês estão trabalhando intensamente na gravação do EP, "O Observador". Como funciona o processo de composição para a Origem da Alma?

Lúcian: Esse primeiro EP nós lançamos em junho de 2019. Foi intenso e trabalhoso, pois fizemos tudo por conta própria, desde a gravação até a mixagem e finalização. Primeiro gravamos 10 faixas, apenas as guias e enviamos para centenas de pessoas aleatoriamente pedindo a opinião de todos e então escolhemos as 6 mais elogiadas. Gravamos as 6 músicas porém decidimos lançar o EP em duas partes, então provavelmente esse ano ainda divulgaremos a segunda parte, fiquem atentos! (Risos)

Na composição do "O Observador" a maioria das músicas foram criadas ao longo desse tempo em que estava na busca pelos integrantes certos e algumas criamos eu e o Anderson na minha casa, como essa formação é nova e o Allan e o Rafael entraram na banda ano passado quando o EP ja estava lançado, nós não  paramos ainda para entender como vai ser o processo de composição em conjunto, mas aos poucos estamos nos descobrindo, todos nós temos disposição e muita força de vontade, então com certeza vão sair ideias bem legais.

FRS: Quais foram as maiores inspirações para a composição deste novo registro de estúdio? 

Lúcian: Tivemos diversas inspirações musicais, desde Tupac, Sabotage, Dezarie, Black Uhuru, Sepultura , Mudvayne... Porém o que eu considero como nossa maior inspiração é a vontade de fazer o que nós amamos e deixar uma mensagem para as pessoas, independente do estilo musical que utilizarmos para criar em cima.

FRS: Qual música mais do "O Observador" mais define o momento atual da banda? 

Lúcian: Sem dúvida nenhuma é a Assédio Mental. Essa é a nossa primeira música registrada que tem uma mistura forte de reggae e rap, acredito que ela seja a mais importante nesse momento devido ao fato de estar nos dando um norte sobre nossas composições, a banda está em um momento de descoberta e ela está sendo fundamental nessa caminhada. Além de estarmos recebendo um ótimo feedback do público sobre, muitas vezes se identificando com a letra e compartilhando suas histórias pessoais conosco, ela trata de um tema bem sério e delicado, ter essa troca com as pessoas é muito legal mesmo e nos mostra mais ainda a importância de destacarmos essa questão, já que tantas pessoas sofrem ou sofreram com isso. 

FRS: Quais serão os próximos planos para 2020?

Lucian: Estamos providenciando os próximos videoclipes. Fazemos tudo por conta própria, então isso nos dá muito trabalho, porque precisamos conciliar nossos compromissos particulares e empregos com a(s) banda(s), porém estamos dispostos e faremos o nosso melhor com as ferramentas que temos no momento, sempre com muita dedicação, para conseguirmos o melhor resultado que pudermos.

FRS: Para finalizar, como vocês enxergam a cena brasileira do heavy metal?

Lucian: Antes de responder essa pergunta, gostaríamos de agradecer imensamente pelo convite equipe da Female Rock Squad e Ingrid. Além de agradecer também a você que chegou até aqui, dedicando parte do seu tempo para saber um pouco mais sobre nós. Nossos maiores objetivos são evoluir, incitar o questionamento em massa e sermos felizes, nós não somos de modo algum donos da verdade, mas acreditamos fortemente em nossos ideais, sabemos que o coletivo tem força, o pobre tem força e que precisamos nos unir. Ainda existe muita coisa pra ser falada e muitos obstáculos a serem pulados, só temos que nos lembrar que quanto mais nos esforçarmos, mais vamos progredir. Amor é a cura.

Agora, voltando a pergunta, nenhum de nós viveu apenas a cena do heavy, então vamos falar a respeito do Rock em geral no Brasil. Temos notado ultimamente que a demanda de shows no meio underground está grande e tem sim uma galera tentando fazer acontecer. E é isso que precisamos, juntos, fazer a cena acontecer! Mas juntos significa desde os donos de casas de shows, até os integrantes das bandas e principalmente o público. Precisamos organizar mais shows, comparecer nos shows e apoiar as bandas de som próprio, assim como as covers (que também são importantíssimas para o meio por diversos fatores) de todos os modos possíveis para movimentarmos esse meio cada vez mais. Existe muita gente reclamando e poucos fazendo algo para mudar, assim como ocorre em nossa própria sociedade e é isso que dificulta mais ainda a possibilidade de mudanças significativas, porém ficamos muito felizes de ver que esses poucos que estão realmente se esforçando já fazem um barulho gigante, com uma força de vontade enorme e isso está cada vez mais aumentando!

Uma das mais celebradas bandas de pop/indie rock da atualidade, a Young the Giant ganhou a crítica e o público de todo o mundo com um som multicultural, influenciado pela ascendência dos membros do grupo, oriundos de famílias indiana, britânica, persa, franco-canadense e italiana.

Aclamada pelo público onde se apresenta pelo mundo afora e contando com fãs ardorosos como Morrisey, ex -The Smiths, a banda norte-americana é quase uma unanimidade com seu rock livre, bastante pop, o tipo de música que faz todo mundo querer dançar e cantar junto.

Sua nova turnê, "Master Mirror World Tour", desembarca a São Paulo para uma performance única na Audio, no dia 23 de maio, com produção da Move Concerts. Os fãs poderão adquirir os ingressos a partir de 5 de março pelo canal oficial de vendas livepass.com.br. Os preços da pista (lote 1) variam de R$ 180,00 (inteira)  a R$ 90,00 (meia-entrada), já o camarote custa R$ 220,00 (inteira) e R$ 110,00 (meia-entrada). 

A diversidade de artistas e produtores com as quais o grupo trabalha dá também a dimensão não só do ecletismo de seu som, mas da amplitude de seu público. É difícil não gostar de músicas cativantes como “Apartment”,”Anagram”,”Cough Syrup”, “Heat of the Summer” e “Superposition”; ou da energia de “It’s About Time”, “My Body Crystallized”, “Amerika” e “Mirror Master” entre muitas outras.

Com quatro registros de estúdio na discografia, parte do sucesso da banda vem do carisma do vocalista Sameer Gadhia, que sabe comandar como um maestro um show visceral e energizante. Os outros quatro músicos desempenham suas funções com o mesmo êxito, fazendo com que cada uma de suas belas composições ganhe o cuidado que merece no palco ou fora dele. Nascido em 2004, o Young The Giant conta em sua formação atual com Sameer Gadhia (vocal e percussão auxiliar), Jacob Tilley (guitarra), Eric Cannata (guitarras), Payam Doostzadeh (baixo), e François Comtois (bateria).

Pitty antecipa o carnaval e faz a festa mais cedo para seus fãs. Além do vídeo ao vivo de “Roda”, gravado em Salvador, e que já pode ser assistido no YouTube, a mesma música - que é parte do repertório de “MATRIZ” (2019) - ganhou remix de Pupillo. O single está disponível nos aplicativos de música num lançamento da Deck.

Para gravar o show da turnê “MATRIZ 2.0”, Pitty escolheu a Bahia — que influenciou seu novo álbum de diversas formas — e rumou com sua banda para a capital Salvador. A apresentação na Concha Acústica do Teatro Castro Alves contou com as participações de Lazzo Matumbi, Larissa Luz, Russo Passapusso e Robertinho (BaianaSystem), além de Martin (guitarra), Daniel Weksler (bateria), Guilherme Almeida (baixo) e Paulo Kishimoto (teclados).

O registro audiovisual dessa noite emocionante foi dirigido por Daniel Ferro (Ferrorama TV) e logo chegará às plataformas digitais. Assista ao vídeo:

Plataforma reúne todas as informações dos festivais em um só lugar e incentiva as pessoas  a viajarem para descobrir novos lugares pelo país

Quem já viveu a experiência de procurar informações sobre festivais no Brasil sabe que não é uma tarefa fácil. Diversas vezes, o evento tem um site oficial ineficiente e as informações ficam espalhadas nas redes sociais. Este foi o gancho para que surgisse o  'Mapa dos Festivais', um buscador de festivais de música, no qual estão reunidas todas as informações relativas a eventos de norte a sul do país, desde o mais independente e chegando aos clássicos Lollapalooza e Rock in Rio. 

Sem contar, o projeto tem o intuito de promover o turismo de festival. “Queremos que as pessoas viajem o Brasil e vivam novas experiências a partir dos festivais de música”, diz Juli Baldi, diretora criativa que está a frente do projeto ao lado de Rafael Achutti. "Sentimos falta de um espaço que reúna todas as informações sobre o festival em um só lugar e que mostre de forma organizada todas as opções de festivais de música que temos hoje no Brasil. O Mapa também serve de guia para profissionais da indústria da música buscarem novas oportunidades ao visualizarem o calendário completo de todos os eventos", aponta Juli. 

Além de encontrar informações essenciais, como line-up, local e datas, o público poderá entrar na lista de espera de festivais que ainda não definiram line-up/horários completos e receberá um e-mail notificando quando as informações já estiverem online. E, ainda, o blog do projeto entra no ar com as seguintes editorias: Festivais, Viagens, Notícias e Coberturas. Na editoria Festivais, terão listas de eventos por moods: festivais para ir com amigos, para acampar, para conhecer tal estado do país e outros. Já em Viagens, dicas do que fazer nas cidades dos festivais e informações sobre os respectivos destinos. A editoria Notícias será como um novo canal para os festivais divulgarem suas novidades, como divulgação de data e pré-venda, line-up, entrevistas com os organizadores, rumores sobre lineup, e muito mais. Para fechar, na editoria Coberturas, terão fotos e relatos de pessoas nos festivais. 

O 'Mapa dos Festivais' permite também acesso ao site de venda de ingressos do respectivo evento, descobrir detalhes de como chegar não só ao festival, mas também na cidade onde ele vai acontecer e, ainda, será possível visualizar em tempo real opções de hospedagens próximas ao local.

O site irá disponibilizar uma ferramenta de avaliação dos festivais, onde o público poderá ranquear os melhores eventos e deixar comentários a respeito e salvar os eventos que gostaria de ir. O Mapa também vai fornecer dicas do que fazer nas cidades durante o festival e uma área exclusiva para os realizadores cadastrarem seus próprios eventos entre outras ações. "O Mapa dos Festivais pretende, além de oferecer informações úteis sobre os eventos, servir como um espaço para documentar novos artistas e cenas e instigar o público a conhecer o próprio país através dos festivais. Acreditamos que festivais levam muito mais do que entretenimento, levam desenvolvimento para a região onde acontecem e são a plataforma chave para conectar os artistas com o público", comenta Juli.

Site Oficial: www.mapadosfestivais.com.br 

Instagram: https://www.instagram.com/mapadosfestivais/ 

Facebook: https://www.facebook.com/mapadosfestivais 

A terceira edição do evento será realizada no dia 30 de maio, no Expoville, em Joinville (SC), já está com a venda de ingressos aberta. Krisiun, Mutilator, Taurus, Nervochaos, Juggernaut, Arataca, ROT e Vandroya foram as primeiras atrações confirmadas.

 O Armageddon Metal Fest vêm se confirmando como um dos festivais mais importantes de heavy metal da América do Sul. A 3ª edição do evento, que promete estremecer o interior do Estado de Santa Catarina, está programada para o dia 30 de Maio, no Expoville, em Joinville (SC) e conta com um line-up invejável. Após confirmar Krisiun, Mutilator,  Taurus, Nervochaos, Juggernaut, Arataca, ROT e Vandroya, a organização do festival anuncia a entrada da sensação Nervosa, Hillbilly Rawhide, Miasthenia e Hauser.

Os ingressos já estão à venda pelo site https://bilheto.com.br. Os preços variam de R$150 a R$250, dependendo do lote. Há também a entrada AMF X-Perience que é um ingresso promocional que oferece entrada antecipada no evento (às 12:00), 2 chopp ou cerveja Pilsen, 1 edição da revista Fanzine Mosh, 1 copo oficial personalizado, 1 pulseira oficial personalizada, 1 cordão oficial e 10% de desconto na compra de itens na loja oficial do evento. Tudo isso mediante a doação 1KG de alimento ou ração animal. O preço varia de R$200 a R$300 de acordo com o lote. Por fim, o Club AMF, um ingresso super especial e limitado a 100 pessoas que terão o direito a entrada antecipada no evento (às 10:00) com acesso a passagens de sons de bandas a serem confirmadas e oportunidade de participar de um Meet & Greet (com uma banda a escolher). Preço é único de R$300. 

Durante o festival, os headbangers poderão aproveitar o Expoville integralmente. O local, totalmente adaptado e com infraestrutura completa para receber grandes eventos, com banheiros, guarda volumes, stands de lojas diversas - inclusive uma com o merchandising do evento, mais bares e ampla e confortável área interna. Já na área externa, haverá uma grande tenda aonde será abrigado a área de alimentação com mesas e cadeiras e opções diversificadas de bebidas e comida, incluindo opção vegetariana e vegana. A programação contará com 15 bandas, divididas entre 2 palcos principais, sendo que nenhuma atração se apresentará ao mesmo tempo que outra. 

Mais informações podem ser obtidas em http://armageddonmetalfest.com. 

Lacuna Coil, uma das bandas mais importantes do heavy metal mundial na atualidade, está de malas prontas para o Brasil para realizar a maior série de apresentações do grupo, desde show de estreia no país em 2010. Esta será a sexta passagem do quinteto italiano em terras tupiniquins e desta vez, eles trazem toda a sonoridade do disco "Black Anima", mais recente lançamento. Cristina Scabbia (vocal), Andrea Ferro (vocal), Marco Coti Zelati (baixo), Diego Cavallotti (guitarra) e Richard Meiz (bateria) não pouparão esforços e prometem performances épicas.  Os shows terão abertura da  banda norte-americana Uncured. 

Os fãs gaúchos podem adquirir ingressos através do site www.sympla.com.br, em Curitiba e São Paulo no site www.clubedoingresso.com, Brasília pelo www.ticketbrasil.com.br e Rio de Janeiro no www.tudus.com.br. Ainda há pacotes VIPs (dá acesso a um meet & greet) à venda em todas as cidades também pelo site do Clube do Ingresso. 

O novo show do Lacuna Coil comemora 25 anos de carreira da banda e o lançamento de “Black Anima”, que chegou ao mercado no último dia 11 de outubro via Century Media. O 9º disco da carreira do Lacuna Coil segue a mesma proposta do antecessor “Delirium”, mas a sonoridade sombria, pesada, moderna e contagiante está mais evidente e com energia totalmente revigorada.

Este trabalho apresenta uma nova fase furiosa que vem contribuindo expressamente para que os italianos continuem a crescer e conquistar novos fãs em shows lotados pelo Mundo. Os destaques ficam para os singles “Reckless”, “Layers Of Time”, “Save Me”, além de “Anima Nera” e “Sword Of Anger”.

Claramente, o Lacuna Coil volta com a expectativa de que o clímax desta nova turnê aconteça justamente na América do Sul. 

Uma década depois de sua formação,  X Ambassadors se tornou uma das maiores referências do chamado rock alternativo internacional. O trio inova ao criar uma sonoridade que mistura o rock a gêneros como o metal, o hip hop e o indie. O multiplatinado grupo norte-americano da cidade de Ithaca desembarca pela primeira vez ao país, trazendo o show de sua turnê mundial The Orion Tour para apresentação no dia 13 de maio, na Audio em São Paulo, em uma produção da 30 Entertainment. O show terá a abertura da banda indie norte-americana Savoir Adore.

Ingressos estarão disponíveis a partir de 07 de fevereiro em www.eventbrite.com.br, com pré-venda para fã-clubes da banda dias 5 e 6 de fevereiro. Os preços variam de R$90 a R$350 e também podem ser parcelados em até 12 vezes. 

A The Orion Tour começou em 2019, já tendo passado por diversas cidades dos Estados Unidos e Canadá, e antes de aterrissar em terras tupiniquins, será vista ainda este ano na Austrália, Nova Zelândia, Japão, China e vários países da Europa como Itália, Inglaterra, Rússia e Alemanha. Para o show que será apresentado no Brasil, a banda mostrará seus grandes sucessos como “Renegade”, “Jungle”, “Unsteady” e “Home”, e promete brindar o público brasileiros com alguns de seus novos sucessos.

O X Ambassadors carrega no currículo três EPs e dois álbuns de estúdio. Algumas de suas músicas integraram as trilhas sonoras de games consagrados como “Need for Speed” e “Battlefield: Hardline”. As músicas da banda também estão nas trilhas de filmes como “Esquadrão Suicida”, “Hércules”, “Como Eu era antes de Você” e “A Escolha Perfeita 2”, além de séries como “Teen Wolf”, “Supernatural” e “The Orange is the New Black”.

O grupo tem mais de meio bilhão de views em seus clipes no YouTube e no Spotify conta com mais de 9 milhões de ouvintes mensais. A canção “Renegade”, um de seus maiores sucessos, já alcançou aos 400 milhões de plays na plataforma. Ela se tornou famosa mundialmente ao ser escolhida como tema do anúncio do Jeep Renegade em 2015, em um comercial que viralizou em todo o planeta. No Brasil ela também fez sucesso, como tema da novela “A Regra do Jogo”, na TV Globo.

Uma outra curiosidade que liga o X Ambassadors e o Brasil aconteceu em 2014 durante a veiculação do comercial da Beats, estrelado por Neymar, com várias cenas gravadas no país e a canção “Jungle” como tema.  O comercial, praticamente um curta metragem de mais de 5 minutos, foi premiado em vários festivais.

No mesmo ano, o vocalista do X Ambassadors, Sam Harris,viajou até o Rio de Janeiro, acompanhado de Jamie N Commons, para  encontrar de músicos desconhecidos que tocam nas ruas. Eles selecionaram o percussionista Marcos Rodrigues, que junto a músicos de diversas nacionalidades, gravaram uma versão ao vivo de “Jungle” e participaram com a banda do festival “Budweiser Made In America”. 

Nesta quinta-feira, 30/01, foi anunciado que São Paulo integrará a excursão do Offspring em terras tupiniquins para um show super especial. O quarteto californiano fará uma performance totalmente desplugada no dia 22 de março na Audio com a produção da ZeroNeutro. Os ingressos estarão disponíveis 04 de fevereiro a partir das 12h no site da Ticket360.com.br.

Há pouco tempo, a lendária banda de punk rock fez grandes shows ao lado do Bad Religion em Curitiba e na capital paulista com o Espaço das Américas absolutamente lotado. Sem tempo para deixar os fãs sentirem saudade, Dexter e sua trupe já haviam anunciado três shows em solo brasileiro para 2020 junto com a banda Pennywise. As apresentações acontecerão no dia 17 de março no Ginásio Sabiazinho, em Uberlândia-MG; 19 de março em Ribeirão Preto-SP na Arena Eurobike; e o último na Jeunesse Arena, no Rio de Janeiro-RJ, em 21 de março.