Single é o primeiro lançamento do antecipado novo álbum da banda, com lançamento previsto para o primeiro semestre de 2021

Em um espaço de apenas dois álbuns, Royal Blood ascendeu para se tornar uma das maiores e mais importantes bandas de rock do mundo. A dupla de Brighton marcou dois álbuns #1 no Reino Unido - sua estreia homônima de platina dupla em 2014, e "How Did We Get So Dark?", de 2017 – durante o processo, Royal Blood vendeu 2 milhões de álbuns em todo o mundo. A aclamação da indústria chegou com o prêmio BRIT Awards de ‘Melhor Grupo Britânico’, além de mais elogios nas premiações da NME e Kerrang!, bem como uma indicação ao Prêmio Mercury. Além disso, eles causaram um grande impacto internacional, alcançando o Top 10 em mais sete territórios e chegando ao segundo lugar na parada de álbuns alternativos dos Estados Unidos. O sucesso adicional nos Estados Unidos incluiu três sucessos em número 1 nas rádios de rock e quatro sucessos no Top 20 de rádios alternative.

Tudo isso posiciona o Royal Blood para a chegada do terceiro álbum, previsto para a próxima primavera no Reino Unido, como um dos lançamentos mais essenciais de 2021. A banda agora aumenta a expectativa pelo próximo álbum com a chegada de seu primeiro single, "Trouble’s Coming", já disponível em todas as plataformas.

Se você acha que sabe o que esperar do Royal Blood, repense. O baixo pesado de granito e os ataques de bateria patenteados pela banda agora são temperados por novas influências como Daft Punk, Justice e o falecido Phillipe Zdar (DJ e produtor francês fundador do duo Cassius e produtor de nomes como Sébastien Tellier e Hot Chip). Como resultado, "Trouble’s Coming" infunde a bombástica energia uptempo do Royal Blood com batidas.

"Trouble’s Coming" concisamente mostra o que esperar do terceiro álbum do Royal Blood: uma infusão muito orgânica de pitadas de hard rock visceral com um ritmo tingido de disco que flerta com o groove. E quando a dupla começou a trabalhar no projeto, que eles próprios produziram amplamente na The Church e Sleeper Sounds, em Londres, a música provou ser o ponto de virada no processo criativo.

“Foi o momento em que algo começou a clicar - onde começamos a tocar sobre aquelas batidas de dança muito mais rígidas. A descoberta foi perceber que havia um terreno comum real entre isso e o que tínhamos feito antes. É aquele aspecto AC/DC: onde a qualidade que faz os riffs parecerem tão cortantes é por causa dessa batida”, explica o vocalista e baixista Mike Kerr. “Embora superficialmente estivéssemos deixando de lado o que tínhamos feito antes, não parecia nada anormal; parecia que estávamos voltando para a música que amamos desde o início: Daft Punk, Justice, coisas que eram realmente orientadas para o groove. Era tudo sobre a batida. Parecia um território familiar, mas algo que censuramos em nós mesmos."

O baterista Ben Thatcher acrescenta: “Quando estouramos, havia apenas dois elementos na banda. Eu não tinha apenas que carregar a batida, eu tinha que colorir as mudanças. Ambos carregávamos muita carga, sonoramente. Mas este foi um desafio diferente; menos variado, talvez, mas tão satisfatório como baterista.”

A letra de "Trouble’s Coming" fala sobre olhar para dentro para reconhecer os sinais de alerta antes que uma situação se transforme em um caos. Também pode ser visto como uma alegoria da própria experiência do Royal Blood. O sucesso é mais complicado do que parece à primeira vista, e as demandas que ele traz tornam ainda mais difícil encontrar tempo para recuperar a perspectiva.

Ouça o novo single: 

Uma grande atração em shows ao vivo, a turnê completa mais recente do Royal Blood no Reino Unido e na Irlanda levou o grupo a se apresentar para 100.000 pessoas, incluindo 30.000 em três noites esgotadas no Alexandra Palace de Londres. Os principais festivais incluem Glastonbury (onde eles descobriram, no meio do set, que seu segundo álbum estreou em #1), Radio 1’s Big Weekend, Reading e Leeds. Os destaques de sua extensa turnê internacional incluem uma enorme turnê norte-americana com Queens of the Stone Age e Foo Fighters, além de shows em lugares distantes como Los Angeles, Tóquio e Sydney.

Tyler Bryant & The Shakedown acaba de lançar o lyric video da nova música "Holdin 'My Breath". A faixa apresenta Charlie Starr do Blackberry Smoke. 

"'Holdin' My Breath' foi escrita muito antes da pandemia", diz Tyler Bryant. "Foi escrita antes de qualquer loucura. Quando começamos a compilar as músicas para o novo álbum, essa música se destacou. A letra nos atingiu mais forte do que quando a música foi escrita originalmente. Embora parecesse pertinente para a época, deu-nos um sentimento de esperança. Adicionar nosso amigo Charlie Starr do Blackberry Smoke apenas elevou esse sentimento. Esperamos que possa evocar o mesmo para o ouvinte, enquanto todos nós esperamos dias melhores."

Assista ao lyric video de "Holdin' My Breath": 

A banda sediada em Nashville lidou com um mundo agitado durante a pandemia global, criando novas músicas em meio a condições de bloqueio. O resultado final é seu quarto álbum, "Pressure", que será lançado dia 16 de outubro pela Snakefarm Records em todo o mundo. Pressure é o melhor trabalho da carreira, forjado em tempos turbulentos.

Imagine você ser vocalista de duas bandas, ser professora de música e ainda por cima arrumar tempo e disposição para cuidar de uma carreira solo? Essa é a rotina de Karina Menascé que empresta sua voz para as bandas Allen Key e Mercy Shot e divide seus conhecimentos de teoria musical com seus alunos. Mais do que comprova a certeza de que Karine vive e respira música desde bastante jovem.

A carreira de Karina deu os primeiros passos com banda “No Sense” (atual Allen Key), onde se apresentavam em diversas casas de São Paulo. Na sequência, ela integrou as bandas Keep Fire e Nudes Inbox, onde construiu uma sólida amizade com o guitarrista, Guilherme Vorhaas, e é por causa dele que ela deu início aos trabalhos como professora. Já na banda Mercy Shot, ela pode exibir seu lado mais heavy metal. 

Assista ao vídeo oficial de "Sink And Thrive": 

Karina tem uma ampla gama de influências que transitam desde jazz, pop, hardrock até heavy metal. Dentre os nomes que inspiram a musicista encontramos Sarah Brightman, Christina Aguilera, Avril Lavigne, Lzzy Hale, Chester Bennington, Sia e Amy Lee. A jovem musicista paulista é daquelas que mostra um amor genuíno pela profissão. Ela comenta que o palco a faz sentir totalmente viva e que é o lugar onde, apesar de tímida, consegue expressar sua essência por completo. 

Conversamos com a simpática, talentosa e sorridente cantora e professora que nos detalhou tudo sobre o momento atual da sua vida profissional. Assista a entrevista na íntegra: 

"Hendrixiano" é a segunda música pós-Vulcão, álbum indicado ao Grammy em 2019

A nova música da The Baggios resgata o lado rockão e reforça o lado psicodélico que o trio sergipano vem desenvolvendo para homenagear os 50 anos da morte de Jimi Hendrix, lembrado em 18 de setembro. 

Em “Hendrixiano” as guitarras de Julio Andrade estão ainda mais azedas e recheadas de fuzz (principal pedal do Hendrix), mandando riffs atrás de riffs, mostrando a sua essência blues-rock e se mantendo contemporâneo, com forte identidade baggiana. A repercussão foi imediata. No mesmo dia em que foi lançada, a música levou a banda a capa de diversas playlists com milhares de seguidores no Spotify, Tidal e Amazon Music.

A letra carrega um tom surrealista, contando a história de uma brava criatura que busca o novo, sem medo na incansável busca de um melhor caminho em meio ao retrocesso que percorre sua volta.

Esse é o segundo single inédito desde o último álbum, o elogiado “Vulcão” que foi indicado ao Grammy Latino 2019 na categoria “Melhor Álbum de Rock”. Anteriormente, o power trio lançou - em áudio e vídeoclipe - "Quareterna Serigy".

Ouça "Hendrixiano" na plataforma de sua escolha: 

Alguns grandes guitarristas parecem que já têm na guitarra, algo como uma extensão de seu corpo e alma. Parecem que já nasceram com o destino para tocarem este instrumento. Eles se tornam diferenciados. Sem sombra de dúvidas, um deles é Jimi Hendrix, simplesmente o maior de todos! Impressionante era a sua forma de extrair as distorções com o melhor aproveitamento dos efeitos e do lindo timbre de sua guitarra. 

O excesso de distorção se transformava numa linda sujeira melódica e colocava a guitarra de Hendrix como única e eterna. Não há como não enxergar que Hendrix era um gênio do instrumento que já tocava em outras vidas ou outro planeta e que criou uma relação simbiótica tão intensa com o seu instrumento, que até os Ursos Polares no Ártico reconheceriam que era Jimi tocando, caso ele soltasse apenas algumas pouquíssimas notas ou acordes em sua guitarra. Além disso, sua discografia é linda, perfeita, impactante, revolucionária e obrigatoriamente indispensável!

Há exatos 50 anos, 18/09/1970, o mestre das seis cordas, o escultor do som, o gênio, o maior guitarrista de todos os tempos, partiu deste plano para habitar no Monte Olimpo da música. Tenho certeza de que onde ele estiver, ele está emocionando profundamente com sua maravilhosa, alucinógena e lindíssima guitarra. Que falta faz um músico e artista como James Marshall "Jimi" Hendrix.

Por: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

A pandemia de COVID-19 está fazendo de fato as bandas exercitarem a criatividade e com isso quem se favorece é o público que tem a oportunidade de ouvir excelentes músicas. Esse foi o caso da banda de rock regressivo Lo-Fi que divulgou o novo single "Reality check for a Failed Rocknrolla" recentemente. A música é uma "voadora" da melhor qualidade trazendo uma enxurrada de riffs e solos alucinantes. Vale mencionar que essa é a primeira composição do Lo-Fi em 2020 e pós-lançamento do 11º registro de estúdio, "Naked Death" (2019).

"Reality check for a Failed Rocknrolla"  foi composta em meio à pandemia. Nasceu por uma linha de bateria de Marcelo, posteriormente musicada por Thiago, que logo enviou ao Paulinho, guitarrista da banda Orgasmo de Porco, para criar uma segunda linha de guitarra. A música aponta um choque de realidade à classe artística durante a pandemia. É tanto um mea culpa como uma reflexão ampla sobre supervalorizar o próprio produto ou, então, vende a alma por status. É, ainda, uma crítica ao mercado predatório.

A novidade também nos apresenta o baixista Velhote que se uniu a Thiago (vocal e guitarra) e Marcelo (bateria) que formaram a banda em 2008 na cidade de São José do Campos – SP. O power-trio carrega em seu DNA influências do punk, hardcore e um toque de rock setentista, totalmente perceptível em suas composições. 

O lançamento do single com exclusividade pelo Bandcamp é uma soma de fatores, alguns bons, outros nem tanto. A Lo-Fi, desta vez, teve problemas com grandes plataformas e, assim, escolheu por realizar o lançamento da música só pelo Bandcamp, que tem performado diversas ações no decorrer da pandemia para auxiliar artistas e selos independentes, sentindo na pele o que esta monopolização das plataformas tem trazido e reafirmando que esta questão está bastante evidente e poucos estão notando a realidade.

Leia a nossa entrevista com Marcelo e Thiago que nos contou com detalhes sobre a gravação do novo single e do que eles esperam para o futuro da banda. Confira:

FRS: Lo-Fi já traz em sua discografia 11 registros de estúdio. Qual foi o momento mais marcante da carreira até hoje?

Thiago: Pra mim foi a gravação do disco com a banda Days of Hate, que deve ser lançado num futuro próximo. Músicas feitas na hora, duas baterias, noise com rock regressivo. Quem ousou fazer isso? Quando o Samuel começou a berrar, eu quase chorei.

Marcelo: Infelizmente, o momento mais marcante pra mim da banda foi em meados do ano passado onde o Rogério, que era nosso baixista, resolveu deixar a banda. Não é muito fácil se desvincular de um “casamento” de mais de 10 anos, então é algo que estamos nos readaptando até hoje.

FRS: A formação atual conta agora com o baixista Velhote, como aconteceu a integração dele à banda?

Marcelo: No final do ano passado fui a um show do Leptospirose no Hangar 110. Sempre que nos encontramos pelas estradas da vida, como bons amigos que somos, nos juntamos pra jogar conversa fora e falar de som. Eu falei sobre a nossa situação da banda que estávamos sem baixista até então e, quando eu estava indo embora, o Velhote me chamou de canto e falou que topava dar uma força pra gente na medida do possível. Fiquei bastante feliz porque além de ser um ótimo baixista ele como todos do Leptos sempre foram grandes amigos nossos, liguei pro Thiago e ele ficou bastante animado também, isso nos confortou bastante!

Thiago: Ensaiamos uma semana antes do primeiro e único show desse ano e ele arrebentou, naturalmente. Ele é embirrado igual a gente mesmo, sempre nos demos bem e trocamos bullying,  então foi fácil.

FRS: Vamos falar do novo lançamento "Reality Check For a Failed Rocknrolla". Como foi o processo de composição e quais as principais inspirações para o single?

Marcelo: No começo da pandemia, eu estava buscando formas de tentar me expressar musicalmente gravando algumas baterias para amigos, uma delas mandei pro Thiago e ele acabou fazendo a melodia por cima e mandando pro Paulinho (ODP). Foi um processo que nunca tínhamos experimentando e ficou legal.

Thiago: Surgiu com uma linha de bateria que o Marcelo me mandou. Falando da nossa dinâmica, foi totalmente inverso do que sempre fizemos. Foi da hora. A letra já estava 80% pronta e só adaptei pra música. Achei que o momento era oportuno para ela.

Ouça a música: 

FRS: A música também conta com a participação de Paulinho, da banda Orgasmo de Porco. Como foi trabalhar com ele e o que o músico mais agregou para o single?

Thiago: Paulinho é quase um integrante da banda. Já fez show com a gente tocando guitarra e baixo. Quando eu fiz a música perguntei pra ele se ele queria compor uma segunda guitarra. Ele topou na hora, gravou pelo celular e mandou pelo whatsapp. E foi o que usamos na mixagem. Quem toca pra caralho pode gravar até naquele “Meu primeiro Gradiente” que fica bom. É inevitável.

FRS: Marcelo comentou recentemente que "grandes músicos têm cada vez mais deixado plataformas digitais e procurando novas formas de manter sua integridade artística e ainda assim democratizando seu trabalho para os fãs”. Como a Lo-Fi tem lidado e se adaptado com essa nova forma de consumir música?

Marcelo: Essa crítica foi um reflexo imediato de um problema que passamos na pele (pela milésima vez o Spotify cagou um lançamento nosso) e que eu já estava lendo sobre isso já há algum tempo, o monopólio de grandes distribuidoras estão engolindo os pequenos artistas da mesma forma predatória que a indústria da música o fez (e ainda faz) através de veículos de massa e engajamentos, fazendo com que pequenos se esgotem até desistirem e finalmente sumir. O meio acabando com o próprio meio, o suicídio do rock.

Na verdade não podemos fazer muita coisa a não ser questionar e mostrar que os caminhos que são tomados pelos que trabalham neste meio podem ser um caminho predatório e difícil de voltar atrás. Com esta crítica ganhando força as pessoas podem repensar suas formas de consumo, pegando direto da fonte, e então podemos nos readaptar.

FRS: Para finalizar, o que vocês projetam para Lo-Fi no ano de 2021?

Thiago: Não sei ainda

Marcelo: Absolutamente nada. A gente como banda nunca foi de planejar muita coisa e a pandemia ainda veio pra reafirmar que muitas vezes não adianta fazer planos. Mas muito provavelmente continuaremos fazendo o que sempre fizemos, gravar, compor e, se for possível, tocar pra quem estiver afim de nos ouvir.

Stereoshake - Foto: divulgação

Por: Ingrid Natalie (Instagram: @femalerocksquad)

O rock'n'roll e o eletrônico se flertam já há bastante tempo, assim como podemos perceber no rock progressivo através do uso de sintetizadores ou também nos anos 80 com bandas como Depeche Mode que soube misturar bons riffs de guitarra com teclados. Apostando nesse conceito, encontramos a banda carioca Stereoshake. Nascida em 2017 por Mauricio Gielman, Vinícius Fernandes e o compositor Guito Lua, a banda combina rock, pop e eletrônico de forma a chamar atenção de uma audiência mais eclética com excelentes composições. 

Logo no início da carreira, eles lançaram a música "On Your Face" que antes mesmo do seu lançamento oficial, já tinha sido veiculada no maior canal de televisão do país, Rede Globo. A música também integrou a trilha sonora do "Rio Open", o mais relevante campeonato internacional de tênis, sendo disputado no Brasil. 

"On Your Face" é daquelas músicas que não saem da sua mente, com seu refrão muito bem executado e com métricas vocais de fácil memorização. Depois de seu lançamento, o Stereoshake anunciou mais quatro singles e recentemente divulgou uma versão incrível de "Tom Sawyer", um grande clássico dos canadenses do Rush, com uma roupagem totalmente inovadora. 

Stereoshake acredita que com esse lançamento possa atrair um novo público, contribuindo para o fortalecimento do rock'n'roll e podendo também instigar a curiosidade de conhecer bandas importantes para a história do gênero, como o Rush.

Conversamos com o vocalista Maurício Gielman que nos contou tudo sobre os primeiros anos da banda, influências e planos futuros. Veja a entrevista na íntegra:

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Terceiro single do próximo álbum da banda traz colaborações de Taylor Momsem, Lindsey Stirling, Sharon den Adel, entre outras

Evanescence e a vocalista Amy Lee estão de volta com seu novo single, “Use My Voice”, lançado via BMG e lançam o clipe da faixa. A música conta com participações de importantes nomes femininos do rock'n'roll que emprestaram suas vozes ao refrão. “Use My Voice” traz a temática de celebrar o poder da voz para promover um mundo mais justo.

Amy Lee comenta, “Esta é uma era de despertar e cheia de uma beleza poderosa. Espero inspirar outras pessoas a buscar a verdade, encontrar suas próprias vozes e usá-las da mesma forma que eu me preparo para usar a minha. Não deixe ninguém falar por você. Só você pode fazer isso."

A equipe de colaboradoras de primeira linha de Amy em "Use My Voice" são Taylor Momsen (The Pretty Reckless), Lzzy Hale (Halestorm), a violinista Lindsey Stirling, Deena Jakoub (Veridia e amiga de longa data de Amy e co-autora da canção), Sharon den Adel (Within Temptation), as irmãs da Amy: Carrie South e Lori Lee Bulloch e Amy McLawhorn (esposa do guitarrista do Evanescence Troy McLawhorn).

Ouça “Use My Voice”:

"Use My Voice" segue "Wasted on You" e "The Game is Over" como a terceira faixa a ser lançada do "The Bitter Truth", o próximo álbum do Evanescence, o primeiro registro de inéditas em praticamente 10 anos. O vídeo recebeu ótimas críticas pela Elle, Rolling Stone e New York Times durante a quarentena para "Wasted on You" foi recentemente nomeado para "Best Rock" no MTV Video Music Awards, e "The Bitter Truth" promete aos fãs mais do rock pesado, dirigido por vocais e habilmente arranjado pelo qual o Evanescence é conhecido.

Corey Taylor - Foto: Ashley Osborn

Faixa acompanha lyric video e antecipa o lançamento do álbum de estreia do artista solo, ‘CMFT’, que chega em 02 de outubro

O cantor, compositor, ator e autor mais vendido do New York Times, Corey Taylor, frontman das bandas Slipknot e Stone Sour e vencedor do prêmio GRAMMY, lançou na última sexta-feira, 04/09, seu novo single "HWY 666". Já disponível em todas as plataformas de streaming, o lançamento acompanha um vídeo com a letra oficial.

Levantando poeira, as guitarras acústicas farfalhantes apresentam “HWY 666” conforme o ritmo aumenta para um galope apenas para virar-se rapidamente em direção a uma distorção abrasiva. A música confunde as fronteiras entre o country fora da lei, o punk e o hard rock, com uma narrativa cinematográfica e um gancho crescente.

Assista agora ao lyric vídeo de "HWY 666":

O álbum de estreia em carreira solo de Taylor, ‘CMFT’, será lançado em 2 de outubro pela Roadrunner Records, em uma distribuição nacional Warner Music Brasil. Arrancando elogios da crítica, a FORBES declarou: “O canto de Corey Taylor é inegavelmente o melhor de todos os tempos. Do último álbum do Slipknot ao seu novo material solo, Taylor está facilmente entre os melhores cantores de rock vivos”, e a KERRANG! descreveu o novo material como "Uma celebração da vida e que o mostra sob uma luz totalmente nova."

 Taylor lançou recentemente o videoclipe oficial de seu single "Black Eyes Blue", que entrou no Top 10 da Active Rock Radio depois de ultrapassar as posições nas paradas de semana de estreia anteriores de Slipknot e Stone Sour. Além disso, Taylor ascendeu à posição #1 na parada "Hard Rock Songwriters" da Billboard após a estreia sem precedentes de seu primeiro material solo - "Black Eyes Blue" e "CMFT Must Be Stopped" [feat. Tech N9ne & Kid Bookie] – o último ultrapassando 2,8 milhões de visualizações no YouTube com o videoclipe incendiário repleto de estrelas. Ambas as músicas estão disponíveis em todas as plataformas de streaming.

Se ainda não conferiu, clique e assista agora ao clipe de "Black Eyes Blue":

Movimentando o topo das conversas sobre cultura pop, a Rolling Stone escreveu: "O gênero CMFT - abreviação de 'Corey Mother Fucking Taylor" - mostra o cantor abordando vários estilos de música, desde hard rock e rock clássico até punk e hip-hop." A publicação de música Consequence of Sound observou: “Corey Taylor não está deixando a pandemia impedi-lo de permanecer o homem mais ocupado do metal”.

As músicas de "CMFT" iluminam o amplo espectro deste do rock ‘n’ roll impetuoso e destemido, à medida que Taylor usa as influências ao longo da vida que vão do hard rock ao rock clássico, do punk rock ao hip-hop. Em "Black Eyes Blue", os vocais de Taylor sobressaltam a nostalgia, enquanto em "CMFT Must Be Stopped" suas rimas lembram seu trabalho no álbum de estréia do Slipknot e correm ao lado do trabalho dos artistas multi-platina Tech N9ne e do britânico Kid Bookie. ‘CMFT’ é um álbum muito aguardado para Taylor, com faixas recém-escritas junto com algumas que datam de sua adolescência. Gravado no Hideout Studio em Las Vegas, com o produtor Jay Ruston e sua banda - Christian Martucci [guitarra], Zach Throne [guitarra], Jason Christopher [baixo] e Dustin Robert [bateria] - o álbum traça um roteiro selvagem e emocionante através da psique musical de Taylor. “HWY 666” dá o pontapé inicial para o álbum, avançando com um som diabólico, enquanto “Silverfish” descasca as camadas da composição de Taylor, enquanto os violões constroem um equilíbrio explosivo de ganchos

Julie Neff - Foto: divulgação

Cantora indie pop canadense lança single Over It com traços de brasilidade

Por: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

Não há fronteiras no mundo da música e esse conceito foi totalmente abraçado por Julie Neff. A cantora canadense vêm colecionando experiências internacionais em festivais. Em um deles, a Indie Week de 2018 realizada em Toronto, sua cidade natal, Julie teve a chance de assistir aos shows das bandas Scalene e Trampa. Pouco tempo depois, lá estava ela se apresentando no festival Festival CoMa, em Brasília, estreitando cada vez mais seus laços com a música brasileira. Em 2019, a musicista integrou a programação do SIM SP, abrindo show para Far From Alaska,de Natal (RN). Logo depois, saiu em turnê sempre convidando músicos locais para formarem suas bandas de apoio. Participou de duas noites no Sofar Sounds, no ​Rio de Janeiro​ e em ​São Paulo​, e montou uma banda só com mulheres instrumentistas para tocar no Março Feminista deste ano. 

É importante mencionar que Julie estava morando em São Paulo no início de 2020. No entanto, ela precisou voltar para seu país em razão da pandemia do corona vírus. Nem por isso a paixão dela pela música brasileira diminuiu. Ainda assim, se manteve um forte vínculo musical dessa experiência em sua criação. Em 20 de agosto, ela lançou o single "​Over It​", faixa-título de seu primeiro EP, uma música que apresenta grande inspiração no Brasil. De acordo com Julie, “Over It" retrata o momento da vida em que você se vê preso em um emprego ou em uma situação que já o desgastou, o queimou, o machucou, e você sabe que precisa se libertar disso tudo. Tudo isso ligado a uma voz potente e doce juntamente com melodias fáceis de se identificar e  que “gruda” na cabeça por vários dias.

O fato de ter vindo diversas vezes ao Brasil e ter morado uma temporada na Espanha, sempre optando por ensaiar e tocar suas músicas com artistas locais, faz com que suas composições ganham elasticidade. Julie Neff faz rock/pop indie com pinceladas das referências de novos gêneros que têm colecionado em sua pesquisa musical. 

A respeito do seu EP de estreia, Julie comenta que fez de um período caótico, um combustível para criá-lo e produzi-lo. A maturidade está no som, mas também nas letras que evidenciam sua coragem de continuar aberta para o mundo, mas trilhando um caminho mais honesto consigo mesma. ​“Quero que este disco faça aos outros o que fez por mim. Que ajude a colocar uma estaca no chão a fim de pensarmos por que as coisas não estão indo bem. Talvez até possa ser a motivação para se dar um passo, no sentido de mudar. Eu quero que as músicas sejam um escoamento para a raiva, a mágoa e a frustração que nós sentimos durante o processo de entender que ‘já chega é já chega!’ - e de aprender a criar limites saudáveis para nossas vidas”, conta a cantora.

Leia a nossa entrevista com a simpática artista indie-pop canadense que nos contou tudo sobre o recente lançamento e da produção do novo EP:

FRS: Para quem está conhecendo sua música pela primeira vez, como e quando você se interessou por música? Qual foi a sua formação quando criança?

Julie Neff: Sempre adorei cantar. Quando eu era criança, muitas vezes vivia em mundos imaginários, cantando e dançando. Eu cresci em um ambiente muito cristão, então minha música freqüentemente estava na igreja ou em corais na escola. No colégio, pratiquei esportes mais do que artes, mas ainda cantava na igreja. Aprendi a cantar harmonias e a me misturar com os outros vocalistas. Quando estava na universidade, decidi focar mais na música. Eu cantava em microfone aberto com meus amigos e acabamos formando uma banda de funk / rock / reggae de 8 integrantes que se saiu muito bem em nossa cidade. Depois disso, quis encontrar minha própria voz na música. Depois de me mudar para a Espanha por um ano após a universidade, eu estava em uma situação difícil, tentando descobrir o que eu queria fazer da minha vida e, eventualmente, comecei a escrever canções. Foi uma maneira de processar emoções e me ajudar a seguir em frente na minha vida. Isso foi há cerca de 7 anos e desde então eu lentamente construí esse processo e finalmente lancei meu primeiro EP há dois anos.

FRS: Como você se descreveria como compositora? Existe algum ritual específico que você faz durante o processo de escrita?

Julie Neff: Acho que sou uma compositora muito instintiva. Nunca tive muito treinamento, então muitas vezes apenas escrevo as melodias que saem de mim e não fico muito presa aos detalhes técnicos. Normalmente estou fazendo outra coisa, como andar na rua ou dar um passeio de bicicleta e surge uma ideia. Tenho tantas anotações de voz gravadas no meu telefone, de mim andando pela rua tentando fingir que estou falando com alguém no telefone quando estou gravando uma melodia. A partir daí, normalmente tento encontrar acordes que se encaixem e desenvolver ainda mais as letras, mas isso geralmente leva tempo. Existem algumas músicas que comecei na guitarra também. Acho que meu ritual principal é procrastinar até chegar ao ponto em que tudo flui para fora de mim. Às vezes preciso que a pressão cresça um pouco. Não sei se essa é uma "boa" maneira de escrever, mas parece funcionar para mim.

Julie Neff - Foto: Valentina Caballero

FRS: Desde seu show no CoMA Festival em 2018, você se inspirou na música brasileira. Quais foram os artistas que mais chamaram sua atenção?

Julie Neff: Eu fui apresentada principalmente a artistas independentes no Brasil e é um prazer ver a quantidade de talento e paixão nesta parte da indústria musical. Tive a chance de ver Elza Soares no CoMA também e foi fenomenal. Em termos dos artistas que escuto do Brasil, aqui estão alguns (associei-os à minha música favorita deles): Xenia França, Ellefante, Aguaceiro, Jota-pê, Bruna negra, Far From Alaska, TUYO, Maglore, Terno Rei e Scalene. 

FRS: Você morou alguns meses em São Paulo, como foi isso para você?

Julie Neff: Acabei ficando na cidade apenas um mês e meio por causa do vírus corona. Mas eu realmente amei meu tempo lá e me senti bastante confortável. Fiquei grata por poder vivenciar mais alguns shows locais e conhecer as pessoas de uma forma mais profunda. Eu realmente valorizo ​​minhas amizades lá e foi muito difícil para mim sair. Eu também adorei a luz e a quantidade de vegetação (plantas, árvores, etc) que foram construídas dentro e ao redor das estruturas de concreto da cidade.

FRS: Quais são as principais diferenças entre o público canadense e o brasileiro?

Julie Neff: Acho que existem algumas diferenças principais entre o público canadense e o brasileiro. O primeiro é que o Canadá tem cerca de 1/10 da população do Brasil, mas com a mesma extensão de terra, então estamos mais espalhados. É difícil alcançar muitos públicos sem viajar muito. A segunda coisa é que, culturalmente, os canadenses são um pouco mais reservados e podem não ser tão expressivos sobre o que pensam sobre sua música. Eles podem ter gostado do show, mas não necessariamente virão e lhe contarão. No Brasil, minha experiência foi bem oposta. Os brasileiros não parecem conter sua paixão e carinho pela música e isso é realmente maravilhoso. Eles dirão o que gostaram na sua música e por quê. É muito encorajador ouvir que sua música está fazendo a diferença para as pessoas - especialmente nos estágios iniciais - isso me ajuda a continuar. :)

FRS: Você lançou recentemente seu novo single "Over It". Qual foi sua inspiração para as letras?

Julie Neff: Escrevi Over It há vários anos, quando estava em um trabalho realmente tóxico. A música é sobre aquele momento em que percebi que não estava progredindo naquela situação e precisava ir embora - só não sabia como ainda. Comecei a articular por que a maneira como eu estava sendo tratada naquele ambiente que não era saudável - não estava bem. Esta foi uma grande parte do processo para que eu finalmente pudesse sair.

Julie Neff: O novo EP tem um toque um pouco mais elaborado do que meu trabalho anterior. Eu acho que na minha vida, assim como na minha música, estou vocalizando minha frustração - até mesmo raiva às vezes.