jonabug por Giulia Geyer

Em entrevista ao Female Rock Squad, a banda do interior de São Paulo fala sobre o processo de criação de Torpor, composição em português, a experiência no Lollapalooza e os caminhos que a levaram até esta nova fase

Depois de apresentar ao público o álbum três tigres tristes, lançado em 2025, a Jonabug abre um novo capítulo de sua trajetória com o EP Torpor. O trabalho marca não apenas uma nova coleção de músicas, mas também uma mudança na dinâmica criativa da banda, que passou a contar com Thales Leite na segunda guitarra.

Produzido, mixado e masterizado por Roberto Kramer, Torpor mergulha em sentimentos íntimos e transformações, ao mesmo tempo em que amplia as possibilidades sonoras exploradas pelo grupo. A nova fase chega depois de um momento importante para a banda: a participação no Lollapalooza Brasil 2026, experiência que colocou a Jonabug ainda mais em evidência e levou o som da banda de Marília para um público maior.

Em conversa com o Female Rock Squad, Marilia, Dennis e Samuel falam sobre liberdade criativa, composição em português e inglês, o caráter catártico das músicas, a experiência no Lollapalooza, a parceria com Roberto Kramer e os próximos passos da banda.

FRS: O EP Torpor apresenta uma dinâmica diferente em relação ao álbum três tigres tristes, inclusive pela entrada do Thales na segunda guitarra. Como essa mudança interferiu no processo de composição e gravação?

Marilia: Torpor foi muito colaborativo. Ele é diferente do álbum porque, na época do três tigres tristes, éramos um trio. Agora temos o Thales, então a dinâmica de composição mudou bastante com a entrada de mais uma pessoa. O Roberto Kramer também teve uma participação muito importante na produção, mixagem e masterização. Ele trouxe muitas ideias e direcionamentos.

A gente ainda tem pouca experiência de estúdio e os trabalhos anteriores também foram gravados no mesmo estúdio, então foi um processo de muito aprendizado. Estamos muito felizes com o resultado e, ao mesmo tempo, bastante ansiosos para ver como as pessoas vão receber.

FRS: A Jonabug surgiu depois de uma mudança de direção musical em relação à Yellow Guava. O que vocês sentiam que estava faltando e encontraram na nova banda?

Marilia: Liberdade criativa. Na Yellow Guava, a gente sentia que estava muito preso a fazer uma coisa só. Com a Jonabug, conseguimos experimentar coisas diferentes. Temos músicas mais leves, outras mais pesadas. Também foi uma mudança pessoal. Estávamos saindo da adolescência e entrando na vida adulta. As coisas começaram a ficar mais sérias, e isso também apareceu na música.

FRS: O álbum três tigres tristes, lançado em 2025, reuniu músicas compostas em momentos diferentes. Que retrato vocês queriam deixar registrado naquele trabalho?

Marilia: A gente queria mostrar nossa música e nossa capacidade musical. As músicas foram sendo acumuladas ao longo do tempo. Algumas já tocávamos havia dois anos quando gravamos.

Dennis: Algumas foram reestruturadas, mudaram bastante, outras foram cortadas ou substituídas. Também teve música que foi feita pouco antes da gravação.

Marilia: Era uma espécie de compilação das músicas que tínhamos composto e aprimorado ao longo do tempo. Queríamos mostrar tudo o que conseguíamos fazer: músicas pesadas, músicas leves, em inglês, em português. Queríamos mostrar a nossa verdadeira vibe.

FRS: Vocês transitam entre português e inglês. O português traz uma liberdade diferente para falar sobre sentimentos ou existe também uma responsabilidade maior por estar falando diretamente com o público brasileiro?

Marilia: As palavras em português têm mais peso. Quando canto em português, sinto que estou realmente encarando aquilo. Em inglês, às vezes parece que estou “dublando o sentimento”. Nos shows, também percebo isso. O público canta mais as músicas em português e muitas pessoas pedem que a gente faça mais músicas assim.

Mas não vamos parar de fazer músicas em inglês. Eu cresci estudando inglês e aprendi muito da pronúncia através das músicas. Só que, em português, sinto uma responsabilidade maior de conseguir me conectar com as pessoas daqui e com quem fala português.

FRS: As músicas de Torpor lidam com transformações e questões bastante íntimas. Até que ponto compor e tocar essas músicas ajuda vocês a lidar com a própria vida? A música funciona como uma espécie de cura?

Marilia: Para mim, cada música é como tirar um peso dos ombros. Quando tocamos ao vivo, é muito catártico. É como se eu conseguisse tirar um pouco daquele sentimento de dentro de mim.

Dennis: Acho que a gente continua tirando esse estresse e esse peso nos shows. É uma forma de ressignificar as coisas.

Samuel: Na composição, a Marilia e o Dennis geralmente chegam com a guitarra, o baixo ou a letra, e eu tento entender o que aquela música conversa comigo. Não necessariamente o significado da letra, mas o sentimento que os acordes e a melodia passam. Para mim, compor também é uma forma de expressar sentimentos. Like and Be Free, por exemplo, é uma música triste, mas termina em uma explosão. É aquela sensação de “já estou muito triste, não aguento mais isso e vou simplesmente explodir”. Colocar isso na música, na composição, na bateria e na melodia vocal é uma maneira de expressar o que estou sentindo.

FRS: Entre as músicas de Torpor, qual vocês estão mais ansiosos para tocar ao vivo?

Samuel: Eu já toquei 'I Can't Be With You', inclusive no Lollapalooza, e talvez seja a minha favorita do EP. Gosto muito do resultado, da composição e da bateria. A estrutura é parecida com a original, mas fizemos algumas mudanças na guitarra e nos vocais, e a letra também mudou. Depois de tanto tempo tocando as músicas de três tigres tristes — por dois anos, dois anos e meio — é muito legal ter músicas novas. Agora o público vai conhecer essas músicas, vai poder formar uma roda, se divertir. Estou muito ansioso para tocar essa ao vivo.

Dennis: Eu estou bastante ansioso para 'Is This the End'. A gente já tocou, então quero muito ver a reação do público. Também tem 'Entre o Certo e o Errado', com participação da Cidade Dormitório, que nunca tocamos ao vivo. Para nós mesmos ela ainda é muito nova.

Marilia: Acho que estou mais ansiosa por 'Entre o Certo e o Errado'. Todas as outras já tocamos. Nessa, vou cantar a parte que era do Yvis, então vamos precisar usar alguns efeitos para preencher algumas coisas que existem na gravação e que nem sempre conseguimos reproduzir ao vivo.

FRS: A participação no Lollapalooza Brasil 2026 foi um momento importante para a banda. Como vocês receberam o convite e como foi viver aquela experiência?

Dennis: O convite chegou por uma mensagem no Instagram. Um curador do Lollapalooza, o Marcelo, mandou perguntando como poderia fazer para colocar a Jonabug no Lolla 2026. A gente pensou: “Isso aí é golpe!”. Não conhecíamos o Marcelo e simplesmente chegou uma mensagem aleatória no Instagram.

Samuel: Foi muito difícil acreditar.

Dennis: A gente passou o contato, a Marilia conversou com ele e depois tudo foi formalizado por e-mail. E aconteceu. Depois do anúncio, foi uma loucura. A publicação teve uma repercussão enorme e saímos em vários portais, inclusive portais da cidade. Foi a primeira vez que tivemos esse tipo de alcance.

Marilia: Foi muito bonito porque a cidade inteira comemorou o fato de uma banda daqui estar no Lollapalooza. Foi uma vitória coletiva.

Dennis: No dia do show, encontramos amigos, bandas parceiras e fãs. Também teve muita gente que conheceu a banda ali. Foi uma experiência muito positiva.

FRS: Vocês vêm de Marília e construíram boa parte desse caminho de forma independente. Quais pessoas, bandas, produtores, espaços ou iniciativas foram fundamentais para que a Jonabug chegasse até aqui?

Samuel: É difícil citar todo mundo. Desde a nossa primeira viagem do interior para São Paulo até aproximadamente dois anos depois, quando começamos a nos virar sozinhos, muita gente ajudou.

Amigos ofereciam casa para a gente dormir e ajudavam a economizar dinheiro. Fotógrafos faziam fotos e vídeos como amigos mesmo. Produtores colocavam a gente em eventos e davam oportunidades. Os espaços também foram fundamentais.

No começo das nossas viagens para São Paulo, tínhamos um EP e dois singles, mas já tínhamos mais músicas. Levar nosso show para a capital foi muito importante.

Samuel: Sim. A imprensa, os portais, os blogs, pessoas como você fazendo entrevistas. Tivemos a sorte de encontrar um ecossistema muito bom. Somos muito gratos a todas as pessoas que ajudaram, que gostaram da banda ou simplesmente simpatizaram com o nosso trabalho. Cada uma teve um papel essencial.

FRS: Roberto Kramer já trabalhou com nomes como Rancore e Terno Rei e teve uma participação importante em Torpor. O que ele acrescentou ao processo de vocês?

Dennis: O Roberto acrescentou muita coisa. Entre o Certo e o Errado era a música mais incompleta. A gente pediu ajuda para ele na construção, e ele trouxe referências que gostávamos, mas que ainda não tínhamos conseguido conectar à música. Ele mostrou caminhos. Ajudou nas guitarras, nos timbres, nos equipamentos, nos pedais, na bateria. Foi muito foda.

Marilia: Ele também foi muito paciente e dava conselhos de uma forma muito construtiva. A gravação trouxe muito conhecimento para a gente e contribuiu para nosso crescimento como músicos. Foi muito importante poder falar “não sei o que estou fazendo” e ele conseguir nos orientar. Quando acontecia algum erro, ele também sabia lidar muito bem com a situação.

capa do EP pela artista  Nicole Wünsch

FRS: A identidade visual de Torpor também chama atenção, especialmente pelo contraste entre o azul e o vermelho. Como nasceu esse conceito?

Marilia: Depois que terminamos a gravação, sentimos que o EP seria azul. Queríamos uma identidade visual mais séria e abstrata. O vermelho dentro do azul veio de uma inspiração na capa de Kid A, do Radiohead. Para nós, o vermelho fazia sentido com o conceito de “torpor”. A ideia era sermos um ponto vermelho dentro do azul, “numa geração fria”, enquanto as músicas trazem sentimento. A Nicole entendeu exatamente o que queríamos e criou dentro dessa proposta. Ela também fez o flyer da turnê e o encarte do CD. A Nic é top. Trabalharia com ela novamente com certeza.

FRS: Depois de Torpor, quais são os próximos passos da Jonabug? Já podemos esperar uma turnê?

Marilia: A turnê do EP será anunciada na próxima semana. Teremos muitas datas até janeiro do ano que vem, passando por lugares novos e também por lugares onde já tocamos. Também teremos shows com bandas que admiramos. Para o ano que vem, queremos muito chegar ao Nordeste e já estamos estruturando isso. Vai ter bastante coisa acontecendo.

FRS: Se vocês pudessem voltar ao início da Jonabug e conversar com aqueles três músicos que estavam começando, o que diriam para eles?

Samuel: Talvez nada. Todos os erros que cometemos fizeram parte do caminho. Como banda do interior, cada proposta para tocar na capital brilha muito aos nossos olhos, mas nem toda proposta é boa. A gente aprendeu também com as experiências ruins. Se mudássemos alguma coisa do passado, talvez nossas composições fossem diferentes. Então estamos satisfeitos com o caminho que percorremos.

Marilia: Eu também não diria nada. Acho que tudo aconteceu por uma razão. E tudo o que ainda não aconteceu não aconteceu por uma razão também. Vai acontecer no tempo certo.

Dennis: É isso. Viver um dia de cada vez.

jonabug por Giulia Geyer

Foto: Tomás Gomes

Em conversa com o Female Rock Squad, a vocalista Michelle Marques aborda saúde mental, luto, os desafios da cena independente e o desejo de inspirar outras mulheres no rock

Por: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

Formada em Montes Claros, Minas Gerais, a Lado Blue vem conquistando espaço na cena independente com uma sonoridade que transita entre o blues rock, o grunge e o rock alternativo. O trio, composto por Michelle Marques (vocal e guitarra), Pedro Emanuel (baixo e backing vocals) e Matheus Leche (bateria e backing vocals), encontrou na música autoral uma forma de traduzir inquietações, afetos e experiências profundamente humanas.

Após os primeiros passos interpretando covers, a banda decidiu investir na própria identidade artística, culminando no lançamento de Estilhaços, álbum de estreia que reúne nove faixas marcadas pela honestidade emocional e por letras que abordam temas como saúde mental, luto, autocobrança e os desafios da vida adulta.

A entrevista com Michelle Marques revela muito mais do que os bastidores desse primeiro trabalho. Entre os desafios de manter uma banda autoral no interior de Minas Gerais, as dificuldades enfrentadas pela cena independente e a necessidade quase visceral de transformar vivências em música, a vocalista e guitarrista mostra que Estilhaços é um disco construído a partir da vulnerabilidade e da coragem.

Em conversa com o Female Rock Squad, Michelle falou sobre o processo criativo da Lado Blue, as influências que moldaram a sonoridade do grupo e a história profundamente pessoal por trás da faixa-título — uma das mais emocionantes do álbum. O resultado é um retrato sensível de artistas que seguem abrindo caminho no rock nacional sem abrir mão da própria essência.

FRS: A Lado Blue nasceu em Montes Claros, longe dos principais polos da indústria musical. Como foi construir uma banda autoral nesse contexto e quais desafios vocês enfrentaram no início?

Michelle Marques: Apesar de termos uma cultura muito rica aqui na nossa cidade, é muito difícil se deslocar para fazer shows. Tudo fica mais caro: desde a oferta de estúdios de gravação até as casas de show, tudo é muito limitado. Quando pensamos em fazer apresentações independentes em outras cidades, precisamos reservar uma grana para não depender apenas do cachê ou da bilheteria para custear a viagem. Ao mesmo tempo, manter a banda tocando apenas na cidade também não é viável, porque o público acaba chegando a um limite. É preciso sair, circular e fazer as músicas rodarem. Então é uma luta constante para manter a banda respirando.

FRS: Vocês começaram tocando covers antes de apostar totalmente nas músicas próprias. Em que momento perceberam que era hora de mostrar ao público a verdadeira identidade da banda?

Michelle Marques: Por mais divertido que seja tocar músicas dos artistas que admiramos, nós três somos pessoas criativas. A gente gosta de criar, então foi um impulso natural. Eu, como letrista, gosto muito de escrever e sinto isso quase como uma necessidade. Acho importante colocar mais de si em um projeto artístico; criar é uma forma de trazer coisas novas para o mundo.

FRS: O álbum "Estilhaços" carrega um título muito simbólico. Qual é o significado desse nome e como ele se conecta com as histórias contadas ao longo do disco?

Michelle Marques: Estilhaços é uma das faixas do álbum e eu nunca contei isso em nenhuma entrevista. Mas essa pergunta foi muito certeira, então vou falar sobre isso pela primeira vez. Meu avô paterno cometeu suicídio há alguns anos, e eu percebi que não tinha elaborado bem essa perda. Quando escrevi a letra, entendi que precisava falar sobre isso. Ele era uma pessoa muito querida, e acho que ninguém percebeu que estava no limite, carregando um peso enorme e se sentindo um fardo para as pessoas ao redor. Foi uma morte muito triste. Cheguei a ouvir de algumas pessoas religiosas da família que a alma dele estaria perdida. Eu quis trazer esses sentimentos para a música e refletir sobre eles. Por isso, Estilhaços é uma canção muito especial para mim.

FRS: As composições abordam temas bastante íntimos, como frustrações, afetos e saúde mental. Houve alguma faixa que foi especialmente difícil de escrever ou gravar?

Michelle Marques: "Estilhaços" é sempre a música que mais me pega emocionalmente, justamente por tudo o que contei antes. Para mim, é a faixa mais íntima do disco. Sempre fico mais introspectiva quando a canto ao vivo. Acho que ela é um ponto muito sensível tanto do álbum quanto do show.

FRS: Como funciona o processo criativo dentro da Lado Blue? As músicas surgem a partir de uma ideia individual ou são construídas coletivamente?

Michelle Marques: Geralmente eu trago a música mais ou menos pronta, com letra, melodia e harmonia. Depois levo para o ensaio com os meninos e a gente trabalha os arranjos juntos. Eles sugerem mudanças, a gente testa várias ideias até chegar à versão final. No geral, as composições partem de mim, mas agora, com mais tempo de banda, eles também têm trazido ideias e contribuído cada vez mais para o processo.

FRS: "Fracasso" fala sobre as pressões e o esgotamento da vida contemporânea. O que motivou vocês a abordar esse tema e por que acreditam que ele dialoga tanto com o público atualmente?

Michelle Marques: "Fracasso" fala muito sobre a autocobrança que a nossa geração tem vivido. Somos a geração que acreditou que chegaria aos 30 anos com carro, casa própria e um salário de dez mil reais. Mas, na realidade, muita gente não consegue nem pagar o aluguel sozinha. A música é quase uma sátira disso tudo. Eu me sinto assim às vezes, e conheço muitas pessoas da minha idade que também se sentem. Parece uma grande angústia coletiva.

FRS: Quais artistas e bandas tiveram maior influência na sonoridade apresentada em Estilhaços? Existe alguma referência que talvez surpreenda os ouvintes?

Michelle Marques: Tem muita influência de The Pretty Reckless e Pitty, porque me inspiro bastante em mulheres do rock. Mas uma influência que talvez surpreenda as pessoas é Arctic Monkeys. Tem um riff de guitarra em Fracasso que eu “roubei” deles um pouquinho.

FRS: Na opinião de vocês, o que a cena independente brasileira precisa para que mais bandas autorais consigam alcançar novos públicos e consolidar suas carreiras?

Michelle Marques: Acho que precisamos de mais casas de show que apoiem artistas independentes e de pequeno porte, como é o caso do Estúdio Central, que vai receber a gente em BH. Também precisamos que os projetos de fomento à cultura sejam mais acessíveis para financiar trabalhos artísticos. É importante continuar fazendo a roda girar e criar mais espaços para quem está começando.

FRS: Se "Estilhaços" pudesse deixar apenas uma mensagem para quem ouvir o álbum do início ao fim, qual vocês gostariam que fosse?

Michelle Marques: Acho que a mensagem seria: não se sinta sozinho. Tem muita gente se sentindo dentro de um barco furado, mas isso não significa que seja o fim da linha. Dá para continuar lutando, criando e fazendo as coisas que você ama. E, principalmente para as mulheres da cena do rock: a gente está aqui para ser vista. Vamos ocupar o nosso espaço.

SHOW EM BELO HORIZONTE EM 20 DE JUNHO

A Lado Blue desembarca em Belo Horizonte no próximo dia 20 de junho para apresentar ao vivo as músicas de Estilhaços (2025), álbum de estreia do trio mineiro. Mais do que divulgar o trabalho para além das plataformas digitais, a apresentação representa a oportunidade de estreitar os laços com o público que acompanha a banda pelas redes sociais e vivenciar, de perto, a intensidade emocional que marca suas composições. "Nossa cidade natal é um ponto muito isolado dos grandes centros e a gente quer rodar por aí com o trabalho que produzimos no estúdio", destaca o grupo. Para quem busca conhecer novos nomes do rock nacional independente, o show promete ser uma experiência imperdível.

Serviço | Lado Blue - Turnê “Estilhaços”

Data: 20 de junho de 2026

Horário: A partir das 19h

Local:  Estúdio Central

Ingressos: R$ 25 antecipado | R$ 35 na portaria

Ingressos: https://shotgun.live/pt-br/events/lado-blue-no-estudio-central

Classificação indicativa: 18 anos

Aléxia - Crédito: Vitor Duik

Cantora entrega um álbum consistente que transita entre intensidade sonora e mergulho pessoal

Por: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

Aléxia chega sem pedir licença: com Garra, seu disco de estreia lançado na última sexta-feira, 30 de abril, a artista se projeta como um nome em ascensão no rock nacional. Em 14 faixas, ela transforma vivências pessoais em matéria-prima sonora e conduz o ouvinte por um percurso íntimo, denso e pulsante — onde o peso do heavy metal encontra a energia do pop e a carga emocional do rock alternativo.

Natural de Tatuí, no interior paulista, Aléxia expõe sem filtros as próprias fragilidades ao longo do disco, mergulhando em temas como luto e amor. “Sempre tive dificuldade de expor meus sentimentos e fragilidades — odiei por muito tempo me sentir vulnerável. Essas faixas falam de luto e de amor, temas que me expõem completamente. Mas eu sou essa pessoa. Eu sinto as coisas demais, é minha força e minha fraqueza”, revela.

O CONCEITO A PARTIR DA CAPA DO ÁLBUM

A capa do álbum evidencia a temática das músicas. Ela parte da ideia de uma cicatriz deixada pela ferida da garra de um “monstro”, mas que se transforma em força no final. A imagem apresenta a garra de um “monstro” que fere a artista, símbolo que, para Aléxia, não retrata apenas uma pessoa ou um trauma específico. “Esse ‘monstro’ representa todas as pessoas e situações que já me fizeram mal, inclusive eu mesma. Eu já fui esse ‘monstro’ na minha própria história. Agora eu sigo com minhas cicatrizes e aceitando que tudo que me aconteceu me trouxe aqui”, afirma Aléxia.

Foto da capa: André Cruz

RECONHECER SENTIMENTOS É PARTE DA CURA

A abertura com “Ansiedade” chega cortante, guiada por riffs de guitarra que ecoam a urgência de recomeçar. Em seguida, “Seja Você” amplia esse discurso ao transformar autenticidade em mantra, sustentada por um refrão que gruda e encontra fácil espelho no ouvinte e chegou acompanhada de videoclipe oficial. Assista:

O SENSO DE PERTENCIMENTO E A CURA INTERNA

“Nós contra o mundo” apresenta uma abordagem mais suave, com arranjos que começam minimalistas e se expandem gradualmente, incorporando camadas instrumentais que ampliam a intensidade emocional da faixa. O crescimento é acompanhado por uma interpretação vocal mais aberta de Alexia, que transforma a música em um ponto de respiro dentro do disco, especialmente para quem se reconhece em narrativas de solidão e pertencimento. 

Na sequência, “Fevereiro” mantém a atmosfera mais introspectiva da faixa anterior, mas desloca o foco para um plano ainda mais pessoal. A canção se destaca pelo caráter confessional da letra, em que Alexia abandona metáforas mais amplas e se aproxima de um relato direto sobre o luto, reforçado por uma interpretação vocal mais melódica e vulnerável.

PARTICIPAÇÃO ESPECIAL DE MI VIEIRA (GLÓRIA)

A faixa "I Don't Wanna Die" é um grito de quem está se reconstruindo e entendendo o valor da vida e ambientado em uma sonoridade pesada e visceral. É uma canção interessante e que conta com a participação de Mi Vieira, vocalista do Glória que enriquece a narrativa da letra com seu vocal gutural e agressivo. 

OS CLONFITOS DAS RELAÇÕES RETRATADOS DE FORMA GENUÍNA

“Monstro” surge como um dos momentos mais intensos do disco, tanto na construção sonora quanto na carga emocional. Com riffs densos e uma interpretação vocal impecável, Alexia dá forma a conflitos das relações humanas, transformando o “monstro” em metáfora para ações que não podem mais ser contidas. A mesma linha segue na faixa “1x1” que praticamente complementa a sua faixa antecessora.

AMOR, EMPODERAMENTO E PERSISTÊNCIA 

Se aproximando do desfecho, “Letra e Música” revela um lado mais afetivo de Alexia, estruturada como uma declaração de amor que equilibra sensibilidade e intensidade, sustentada por arranjos que crescem sem perder clareza emocional. Na sequência, “Cereja” muda o eixo temático ao apostar em uma abordagem mais assertiva, com uma mensagem de empoderamento feminino conduzida por uma entrega direta e segura. O encerramento com “Game Over” retoma o peso com uma explosão de energia, flertando com o heavy metal em sua dinâmica acelerada e encerrando o disco com uma afirmação de resistência e persistência.

UM ÁLBUM COESO, MADURO E COM IDENTIDADE

Em um cenário onde estreias muitas vezes ainda tateiam identidade, Garra se destaca pela segurança com que Alexia constrói seu discurso artístico. Sem abrir mão da intensidade, a cantora equilibra peso e sensibilidade em um trabalho que não apenas apresenta suas influências, mas aponta caminhos possíveis dentro do rock nacional contemporâneo. O saldo final é de um álbum consistente, expressivo e promissor — que estabelece bases sólidas para os próximos passos da artista.

O Rock Pirata de Jimmy & Rats acaba de ganhar reforço: a acordeonista Pedrita Rocha. A estreia da nova integrante acontece no dia 14 de novembro, no Experience Music, na Lapa, Rio de Janeiro.

Natural da Baixada Santista e atualmente radicada no RJ, Pedrita é discípula do antigo acordeonista Gajo e amiga de longa data da banda. Com uma bagagem artística que mistura influências circenses, punk, ciganas e folclóricas regionais, ela promete trazer ainda mais intensidade e personalidade ao som do grupo.

Repertório de raízes e revolução sonora

O espetáculo contará com faixas do álbum “Só Há um Caminho a Seguir”, além de canções emblemáticas como “Polca Paciência” e “Sol Menor” — músicas que sintetizam a fusão de rock, folk, country e elementos da música celta que marcam a identidade da banda.

“Nunca tive tantos instrumentos, tantas armas à disposição para poder fazer a revolução. O resultado é essa bagunça violenta de várias vozes cantando nossas jornadas”, destaca o vocalista Jimmy London.

No palco, Jimmy London (voz), Fernando Oliveira (banjo e bandolim), Eric Rosa (guitarra e voz), Bruno Pavio (baixo), Pedro Faucom (bateria) e agora Pedrita Rocha (acordeão) convidam o público carioca a embarcar em uma viagem musical por terra e mar, rumo a territórios do Velho Oeste.

Uma “Anne Bonny” do rock nacional

Com a chegada de Pedrita, o navio pirata segue seu curso com uma energia renovada e uma simbólica “Anne Bonny” em cena — referência à lendária pirata irlandesa que desafiou o Caribe no século XVIII. Assim como ela, Pedrita promete deixar sua marca na história da banda, unindo força, ousadia e paixão pela música.

Serviço Jimmy & Rats:

Data: 14 de novembro (sexta)

Local: Experience Music - Rua do Riachuelo, 20, Lapa, Rio de Janeiro

Ingressos: https://articket.com.br/e/4844/jimmy-rats 

Abertura da casa: 20h 

Show: 21h

Foto: Pedro Ommã

Com sonoridade plural e criação intuitiva, banda baiana revisita sua trajetória cinco anos após o primeiro álbum e mergulha em nova fase com o lançamento de 3R [pt. II], turnê, documentário e mais experimentações sonoras

Texto: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

Com uma sonoridade que transita entre o rock, o jazz e a música afro-baiana, a Colibri tem se destacado na cena independente por sua abordagem experimental e sensível à criação musical. Formada na Bahia, a banda aposta em um processo criativo colaborativo e intuitivo, o que resulta em composições marcadas pela diversidade de influências e pelo cuidado com os detalhes.

Cinco anos após o lançamento do álbum "Canto de Colibri", o grupo vive um novo momento com a chegada de "3R [pt. II]", segundo capítulo de uma trilogia iniciada durante o isolamento social em Cachoeira do Itanhy. A nova fase marca mudanças na formação, experimentações sonoras e uma agenda promissora que inclui turnê, live session e um documentário em produção.

Nesta entrevista, José Neto, vocalista e principal compositor da Colibri, fala sobre identidade musical, bastidores da nova fase, desafios da cena independente e os caminhos que que a banda vem construindo com originalidade e consistência ao longo dos últimos anos.

FRS: A Colibri tem uma sonoridade muito particular, mesclando rock, jazz e música afro-baiana. Como vocês definiriam a identidade musical da banda?

José Neto: Eu diria que somos um grupo muito intuitivo. O rumo que a música toma tem muito a ver com o que cada um tem se afeiçoado musicalmente naquele período. Não debatemos conscientemente para onde a música da Colibri vai na maioria das vezes. Nós nutrimos uma relação de intimidade e amizade que permite uma conexão pessoal, uma familiaridade com o gosto musical de cada um. Eu acabo trazendo a maior parte das composições, e por isso procuro munir a banda de referências que eu mesmo tenho ouvido bastante, para que a minha ideia faça mais sentido quando for passada. Além disso, tem a afinidade que ganhamos com os anos, o que certamente facilita a nossa comunicação não verbal nas horas de criar. Quando falamos em timbre, acho que pelo fato de todos da banda produzirem de casa e compartilharem demos, plugins, pedais de efeito e microfones, o resultado tem se tornado mais refinado e autêntico. Essa identidade que temos hoje foi resultado de muitas muito mais de uma carga afetiva que de uma escolha estética. 

FRS: O álbum 'Canto de Colibri' completou cinco anos recentemente. Como vocês veem a evolução da banda desde esse lançamento?

José Neto: O 'Canto de Colibri' segue sendo uma coleção de músicas muito querida por todos na banda. Essa época traz à memória uma fase de descobrimento, onde estávamos acertando o lugar das coisas na banda. Foi curioso que essa fase acabou sendo curta, em virtude da pandemia e toda a loucura que ela trouxe 6 meses depois que o disco foi lançado. Uma pena que não fizemos mais shows no período, temos até umas gravações ao vivo desse disco pra soltar. Em virtude disso, fazemos questão de colocar as músicas desse álbum em repertórios atuais para seguir essa narrativa que vem lá de quando tudo começou e valorizar essa história. Rolou um show comemorativo no ano passado bem intimista, que certamente tocou o coração de todos com muita nostalgia. Foi como um retorno para a canção doce e sútil do 'Canto de Colibri', depois de um mergulho no som mais elétrico e denso do '3R'. 

FRS: Quais foram os maiores desafios e aprendizados ao longo da trajetória da Colibri?

José Neto: A música independente é uma eterna aposta, a gente coloca tudo que temos na cesta e corre pro abraço. Nem sempre isso recebe uma resposta da forma que a gente imagina, então existem alguns percalços nesse sentido. O maior aprendizado é o de manter-se fiel a si mesmo nas criações, equacionar os desejos e visões criativas de todos os membros do grupo e também se organizar financeiramente para investir no projeto. Há um hábito de não se pagar pra ouvir a música, ir aos shows, ou adquirir o merchandising de artistas menos conhecidos. E isso torna mais desafiador manter uma banda ativa, pois a música é um negócio meio caro atualmente (quando pensamos em sonorização, horas de estúdio, manutenção de equipamentos). Está mais acessível produzir, mas rodar com um projeto e ter uma frequência de shows mais persistente tornou-se complexo após a pandemia, com o impacto do fechamento de estúdios, casas de show e etc. Isso deixou um desfalque que tem sido sentido, e apenas alguns grupos têm tido sucesso em rodar pelo país de maneira independente. Exige uma rede de apoio e conexões que toma bastante tempo.

FRS: Como funciona o processo de criação das músicas? Vocês costumam partir de uma ideia individual ou tudo acontece de forma coletiva?

José Neto: A música é um estado de sonho para nós. No Brasil, a arte tem raízes profundas em manifestações espirituais. E certamente poderíamos dizer que abordar a música como uma forma de nos conectarmos com nossos “eus superiores” é muito central em nossa música. Nós nos reunimos para tocar, cantar e nos apresentar para conectarmos uns com os outros e explorar nossas ideias de forma muito democrática e experimental. Trabalhar em equipe para criar uma obra de arte é um processo muito íntimo, e compartilhamos isso com muito espaço para individualidade. Muitas vezes, as ideias surgem em ocasiões comuns e se desenvolvem em um mantra que eventualmente se torna uma música. Outras vezes, a ideia ocupa tanto espaço e dimensão que nenhuma atividade poderia impedi-la de ganhar vida, e nós simplesmente traduzimos isso. Também temos músicas que surgem durante os ensaios como jam sessions, como "The Roadhouse, pt. I e II". Após as experimentações, visualizamos a composição, a gravação e o arranjo de uma forma mais objetiva. A maioria das músicas e letras são escritas por Zé Neto (vocalista/guitarrista), então o arranjo é construído coletivamente ao lado da banda: Oliveira dos Santos (sintetizador/guitarra), Paulo Pitta (saxofone) e Tiago Andrade (baixo/mixagem e masterização).

Na arena do gênero, ouvimos e tocamos muito Rock Psicodélico, Alternativo, Dream Pop/Shoegaze, Post Punk e Jazz. Mas é tudo sobre criar o clima e o cenário para a história que nossas letras estão contando... gostamos de manter nossos ouvidos abertos para qualquer coisa que os agrade sem apegos a rótulos ou a origem das referências. Pra nós música é uma manifestação global.

FRS: O novo álbum '3R [pt. II]' marca um momento de transição intensa para a banda, tanto musicalmente quanto na formação. Como foi esse processo de adaptação e o impacto disso na sonoridade do álbum?

José Neto: Esse disco foi marcado por um momento muito experimental, onde a banda foi mudando, e com isso novos detalhes foram surgindo em camadas. Algumas canções estavam prontas há muito tempo e tiveram várias versões, o que favoreceu enxergarmos elas de maneira mais profissional e crítica. Além disso, não tínhamos medo de tentar, sabe? O que ficou nas músicas foi resultado de olhares satisfeitos e sorrisos fraternais que solidificaram essas escolhas. Já as mudanças que ocorreram na formação, foram todas pacíficas e dentro da noção de que caminhos criativos podem se cruzar e descruzar com o tempo, e que despedidas também fazem parte da jornada. 

No quesito lírico, buscamos sacudir um pouco. Trouxemos amigos pra mudar o tom da história com suas narrativas lindas e isso fez o álbum saltar mais aos olhos. Os desafios maiores eram o tempo e os deslocamentos: alguns membros estavam finalizando seus cursos de graduação, outros moravam em outras cidades e levavam 1h ou mais para chegar ao estúdio. Mas nada que atrapalhasse de fluir. A maioria foi gravada no ano passado, entre o Estúdio Mangus (na Ribeira) e o Cremenow (em Brotas). Além disso, a parte 2 tem 2 músicas criadas e gravadas em Cachoeira: “the Roadhouse pt. II” e “Out of Grrrasp” (apesar das respectivas participações terem gravado suas vozes após nosso retorno do isolamento). 

FRS: O projeto começou como um refúgio criativo durante o isolamento em Cachoeira do Itanhy. Como esse período influenciou a identidade da trilogia?

José Neto: O período de isolamento colaborou para que temas intensos e catárticos refletissem os desafios do momento. Sonoramente, toques de progressivo, pós-punk e dream-pop abriram espaço para movimentos que vão desde a nostálgica psicodelia dos anos 70 até o romantismo gótico e irreverência fantasiosa de bandas como Joy Division e Cocteau Twins. Nas letras, os conflitos internos e as transformações pessoais dos integrantes, durante os últimos quatro anos, são colocadas em evidência. Em meio a desafios como luto, distanciamento e dissolução do ego, o registro se posiciona como um rito de passagem. 

Estávamos rodeados de más notícias o tempo todo e sem tocar há tempos, em virtude da pandemia. Não poder sair de casa ou sequer vislumbrar quando poderíamos retornar aos ensaios e palcos foi um baque. Quando decidimos ir pra Cachoeira, foi uma espécie de retiro. Definitivamente um ato em prol de não deixar aquilo engolir a gente. 

Uma vez lá, tudo isso era contrastado por um entorno muito harmônico e positivo -  já que a casa onde estávamos era afastada da área residencial, onde podíamos tocar a qualquer hora do dia sem incomodar ninguém e ainda respirar um ar fresco.

FRS: O que diferencia 3R [pt. II] de 3R [pt. I] em termos de conceito e atmosfera sonora?

José Neto: Esse segundo capítulo tem uma atmosfera de rebeldia e inconformismo, com novos elementos e participações especiais que deram um tempero especial. Tem mais libido, ainda que numa alma melancólica. Houve um intenso esforço de exacerbar as nuances dos sentimentos com uma produção afiada, de extrapolar a ideia prévia que tínhamos da nossa musicalidade. O primeiro é um pouco mais romântico, nostálgico e reflexivo. Ate pela natureza das composições. Usando o tarot como referência: a parte I seria como a carta “o Louco” e o 2 como “a Lua”. 

FRS: O novo álbum amplia as experimentações da banda, trazendo elementos do pós-punk, dream-pop e música eletrônica. Como essas influências entraram no som da Colibri?

José Neto: Essas relações acontecem de forma muito rápida, e raramente calculada. Durante os ensaios e encontros da banda, vamos testando o que funciona e colhendo do repertório que cada um tem as ideias possíveis. Na gênese das músicas, há sempre um sentimento que predomina e ele se associa com um instrumento ou gênero musical quase que por tradução. Tem um valor inefável aí, onde não dá pra apontar bem porquê cada coisa se relaciona (pra nós há uma beleza nisso). Dessa forma, pela variedade de vivências e referências de cada membro da banda, essas misturas brotam de forma natural. Compartilhamos muita música entre nós, e já temos uma afinidade com o caminho criativo um do outro que nutre um calor familiar no modo de tocar que compartilhamos. Não conversamos tanto sobre o que esperamos das partes um do outro, só deixamos fluir até chegar num ponto onde todos conseguem se enxergar nas músicas. 

FRS: O saxofone de Paulo Pitta trouxe novas possibilidades à banda. Como foi integrar esse instrumento à identidade sonora da Colibri?

José Neto: Foi prazeroso este encontro. Para além do saxofone ser um dos principais instrumentos do jazz, a forma como Pitta o aborda, conseguindo colocar muito da sua trajetória musical nas composições e interpretações, inspirou e acendeu novas chamas criativas em todos nós. Sonoridades concebidas a partir de materiais melódicos, rítmicos, técnicas não tão usuais no saxofone e a mistura disso tudo com os pedais de efeito que ele vem utilizando ao longo da sua carreira, incendiaram Cuban Coffee e transformando a faixa num jazz-rock-progressivo-experimental, por assim dizer! 

FRS: Na música “The Roadhouse, pt. II”, vocês exploram o diálogo entre rap e rock com as participações de Galf AC, Dubzoro e Alfão. Como surgiu essa ideia e como foi o processo de colaboração?

José Neto: Ficou incrível e certamente mais coisas virão dessa parceria. Galf A.C. é um rapper de ouvido muito apurado e refinado… um veterano do Cremenow (estúdio do nosso produtor e baixista Tiago Simões). Nos aproximamos aos poucos entre uma gravação e outra, íamos trocando figurinhas e sempre tínhamos referências em comum. Foi de Galf a ideia de trazer rimas pra “the Roadhouse, Pt. II”. Logo depois, por conhecer e admirar bastante o trabalho deles na Underismo, conectei com Dubzoro e Alfão - uma dupla de artistas incríveis e de uma versatilidade única - pra completar a track. Isso aconteceu através de Gabriela Bonfim, uma amiga minha que frequentava os shows e conhecia membros do grupo. 

Essa música surgiu de uma jam session gravada lá em setembro de 2021, quando estávamos em Cachoeira. Ela é a segunda parte de uma jam de 36 minutos, que surgiu numa das últimas noites de nossa estadia na cidade. Sua sonoridade resulta dessa inquietação criativa em meio a um tempo tão incerto. Misturamos ruídos noturnos e melodias trazendo uma atmosfera misteriosa, cheia de pequenos detalhes e deleites. Como assistimos Twin Peaks de David Lynch quase toda noite durante esse tempo, demos a ela o nome de The Roadhouse em referência à uma das locações que mais tem destaque na série. Toda a sonoridade da música bebeu dessa estética sombria e errante. Em relação às participações, suas rimas somaram de forma particularmente precisa ao clima da música, dando forma e contexto para a camada sonora. Ovnis, ciclos, vícios e as incertezas que nos cercam ficaram à mostra

FRS: Com o lançamento de 3R [pt. II], vocês já estão organizando uma turnê e até um documentário. O que os fãs podem esperar dessa nova fase da Colibri nos palcos e nas telas?

José Neto: O documentário vem sendo produzido desde 2022, e contém imagens de shows, backstages e algumas entrevistas. A ideia é fazer um apanhado de todo o período do 3R, e apresentar um pouco da banda de forma mais pessoal. Estamos agora na fase da edição, e não deve demorar em sair. É resultado da parceria com Francisco Lima, nosso amigo e videomaker que acompanha tudo que fazemos na Colibri. 

Já a live pretendemos fazer algo que transpareça a experiência ao vivo da banda, mas que seja diferente de um show gravado. Uma coisa mais imersiva e visual, mas que entregue essa performance dinâmica e acalorada de uma banda. Esse projeto vem em parceria com uma dupla que admiramos muito e já trabalhou conosco antes no clipe de Quintal: Alan dos Anjos e Bel Abreu.

Sobre a turnê: ainda estamos acertando umas datas e organizando com os produtores locais e a agenda dos membros da banda. De cara posso falar que ela vai começar em Maio de 2025 com um show na Sala do Coro do TCA. Após isso, gostaríamos de rodar pelo nordeste, quem sabe outras regiões do país, e estamos de portas abertas para convites. Deixo aqui para eventuais contratantes o nosso e-mail, contatodecolibri@gmail.com que será um prazer ter a chance de tocar em cidades pelo Brasil. 

FRS: A última parte da trilogia está prevista para 2025. Já podem adiantar algo sobre o que vem por aí?

José Neto: Esse capítulo final vai trazer mais instrumentos (como piano e bandolim), uma abordagem que resultou dessas duas edições anteriores foi trazermos instrumentos novos pro hall da banda como uma forma de destacar cada etapa do 3R entre si. Além disso, teremos o fechamento da trilogia Roadhouse. O capítulo final dessa era do 3R não será um fim, mas uma janela para o continuum. Esse vai ser mais como o presságio do que vem aí do que apenas um repeat do que já vimos anteriormente em tom de despedida.

Ouça "3R" na íntegra:

Crédito: Ravy Marmor

Com um som potente e identidade renovada, Overfuzz celebra 15 anos de carreira explorando novas influências em Três, seu mais recente álbum

Texto: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

Overfuzz comemora uma década e meia de estrada com o lançamento de Três, seu novo trabalho de estúdio. A banda goiana disponibilizou o disco nas plataformas de streaming em 28 de março de 2025, reforçando ainda mais sua identidade sonora. O power trio entrega um álbum com baixo marcante e cheio de atitude, e vale destacar que todos os três integrantes atuam como compositores, instrumentistas e vocalistas.

A banda conta em sua formação com os músicos Victor César Rocha (baterista e vocalista), Mário Nacife (baixista e vocalista) e Brunno Veiga (guitarrista e vocalista).

Novidades e identidade sonora

Três traz oito faixas totalmente em português, sendo essa a principal novidade do álbum. Na sonoridade, a banda mantém sua essência visceral no rock, mas também incorpora influências de outros gêneros, explorando novas possibilidades sem perder a energia característica.

Processo criativo renovado

A produção do álbum também marcou uma nova fase de pluralidade e colaboração interna. Todos os integrantes participaram ativamente das composições, trazendo suas bagagens, formações e vivências para cada canção. Além disso, a divisão dos vocais e instrumentos ajudou a fortalecer ainda mais o entrosamento do grupo.

Faixa a faixa: um mergulho em "Três"

A jornada do álbum começa com "Montanha-Russa", uma faixa intensa que acerta em cheio como uma forte pancada. O heavy metal se faz presente com riffs poderosos e um vocal marcante, destacando-se pela sua energia.

Na sequência, "Telas" traz uma pegada de hardcore contemporâneo, chamando atenção para os perigos de viver desconectado da realidade. A bateria se sobressai como um dos elementos mais cativantes da música.

"Sonho Americano" aposta no hard rock empolgante, com uma letra carregada de humor ácido e maturidade. Já "O Olho Que Tudo Vê" apresenta uma levada funk rock envolvente, trazendo groove e um refrão memorável.

No meio do álbum, "Overdose" assume uma sonoridade mais próxima do pop rock, com uma abordagem reflexiva. O peso das guitarras retorna em "Ilusão", uma faixa hipnotizante que prende o ouvinte do início ao fim.

A reta final traz "Hei de Correr", uma canção que remete ao rock dos anos 60 e evoca a sensação de estar na estrada, viajando. O encerramento chega com força total em "O Rock Morreu", um fechamento explosivo que reafirma a identidade enérgica da banda.

Conclusão: um disco intenso e coeso

A audição de "Três" é envolvente do começo ao fim. Overfuzz conseguiu experimentar novas influências sem perder a potência e a agressividade que fazem parte do seu DNA. O álbum reafirma a solidez do trio e marca um capítulo importante na trajetória da banda.

Ouça "Três" na íntegra:

Staut - Foto: divulgação

Por: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

Com mais de duas décadas de estrada, a Staut construiu uma trajetória sólida no underground brasileiro, misturando influências que vão do hard rock ao metal, passando pelo stoner, grunge, punk e até elementos de folk e doom. A banda acaba de lançar seu novo álbum, "Limbo das Ideias", e o documentário Do Limbo ao Mundo, que revisita essa jornada desde os primeiros ensaios até os dias atuais.

Nesta entrevista, conversamos com a banda sobre suas influências, o processo criativo, os desafios da cena independente e, claro, os bastidores do novo disco e documentário. Confira!

FRS: O som de vocês mistura hard rock e metal de forma única. Quais foram as principais influências da banda ao longo dos anos?

Staut: Nós somos jovens dos anos 90! Hahaha... Neste período surgiram muitas bandas que misturavam hard rock, metal, hardcore, rock clássico, punk, rap, enfim... Houve um momento em que a atitude do artista tinha uma relevância muito grande e isso acabava abrindo um pouco mais o leque de influências musicais. 

Nossa base, partindo dos anos 70, é o Black Sabbath. Até porque eles influenciaram muitas bandas que também são nossas influências nas próximas décadas. Na década de 80, veio o Iron Maiden e Metallica entre outras grandes bandas de metal, junto com Ratos de Porão, Replicantes e obviamente Sepultura aqui do Brasil. A década de 90 é a mais complicada para citarmos nomes, porque houve muita coisa para a nossa geração. No nosso primeiro álbum de demos, "Demos & Damas: 2004 - 2008", além das bandas já citadas, vemos influências de bandas como Kyuss, White Zombie, Soundgarden, Alice in Chains, Nirvana, Marilyn Manson, Deftones, Tool e por aí vai... Muitas dessas influências são percebidas também no nosso novo álbum "Limbo das Idéias" e no anterior "Viajando ao Quadrado". No "Limbo", trouxemos um pouco mais de stoner, folk e doom. Algum experimentalismo com rock clássico também.

Talvez isso possa ser um "erro", mas sempre tentamos não deixar o nosso som em uma caixinha. Seria mais coerente estarmos em um "estilo" bem definido, mas isso seria contrário ao nosso princípio inicial de fazer um trabalho honesto e de atitude. Forçar a arte a ser algo específico é quase como transformar arte em produto de série.

FRS: Como funciona o processo de composição das músicas? Existe uma dinâmica colaborativa entre os membros ou alguém lidera mais essa parte?

Staut: Já houve diferentes formatos de processos durante toda a história da banda. Preferimos dizer que as composições seguem um caminho natural em cada caso. Mas em geral, o mais comum é partir de um riff ou uma linha melódica de guitarra e logo após as partes de vocais e em seguida os outros elementos da banda. Isso mudou bastante no nosso último disco. 

O "Limbo" foi concebido durante a pandemia da covid 19. Renato(guitarra) e Chico(baixo), se reuniam um tarde por semana para juntar ideias e compor os instrumentais. Boa parte das músicas já estavam com uma estrutura e ideia básica criada, mas outras saíram totalmente do zero. Logo após a Beta(voz), vinha e colocava a letra e os vocais. Estávamos sem baterista, então usamos simuladores de bateria na pré-produção. 

FRS: A banda lançou o álbum "Limbo das Ideias". Quais foram as principais influências para o álbum e o que vocês acham que os fãs vão pensar sobre a sonoridade? 

Staut: Sim, o nosso novo álbum "Limbo das Ideias" foi lançado dia 28 de fevereiro! Ele recebe esse título por trazer um trip pela história da banda e as nossas influências por mais de 20 anos de resistência no underground. O disco abre com os dois pés na porta com a música "Livre Arbítrio", que é uma música que temos um esqueleto desde as primeiras formações da Staut. Em seguida, passamos por uma cadência mais lenta e progressiva, com influências de blues, stoner e hard rock. Assim o álbum segue! Do stoner ao rock clássico, do grunge/punk, ao folk/doom e do prog ao metal alternativo. Se você ouvir hoje o álbum "Limbo das Ideias" e logo após nosso álbum anterior "Viajando ao Quadrado", acredito que essa salada de influências começa a fazer sentido e não soar tão estranho quanto parece. Tudo acaba soando bem Staut mesmo!

FRS: Falando em lançamento, o recente documentário "Do Limbo ao Mundo" condensa duas décadas de história da Staut em apenas 15 minutos, desde os primeiros ensaios até o novo registro de estúdio. Como foi para vocês reviver essa trajetória e ver essa evolução registrada em um filme?

Staut: Foi muito legal! Revivemos muitas coisas que nem lembrávamos mais. Juntar esses materiais antigos foi como rever um filme da vida. Revisitar amigos, lugares e sentimentos é algo que todo mundo deve fazer de vez em quando. Isso resume quem somos. Os 15 minutos realmente não fazem justiça com tudo que gostaríamos que estivesse alí. Quando estávamos gravando a parte de depoimentos, o diretor Fred Demin, teve que solicitar para o Renato(guitarra), que chegasse em algum lugar, porque só ele já estava falando a mais de 45 minutos. Então imagine colocar tudo isso em 15 minutos. Mas o Fred fez um ótimo trabalho e entregou um filme excelente de se assistir.

Staut: Sempre buscamos músicos que admiramos para fazer parte da Staut. A banda já passou por umas cinco formações e todos sempre somaram de forma muito positiva e continuam sendo grandes amigos. Essencialmente, Beta e Renato são o embrião e o alicerce do que a Staut representa. Sempre zelamos pela verdade artística do que estamos vivendo no momento, mas mantivemos a banda como uma formação clássica de rock, com guitarra, baixo, bateria e voz. Mesmo sempre abrindo a mente para as influências dos músicos que nos acompanham, acreditamos que o fato de sermos um casal e dividirmos nossa vida por tantos anos, faz com que a nossa arte seja uma extensão das experiências que vivemos em forma de rock sem preconceitos e limitações.

Staut - Foto: divulgação

Staut: Como toda banda underground, nossas maiores dificuldades sempre foram financeiras. Vender show autoral sem ser mainstream é algo praticamente inviável no Brasil. Você consegue entrar em festivais, tocar em algumas casas da sua região ou fazer shows casados com bandas cover. Mas isso não é sustentável. Você é obrigado a ter atividades extra a sua banda. Seria demais sair para outros estados do Brasil e ver a galera que curte o som da banda em São Paulo, Rio e na Bahia por exemplo. Mas para bandas underground essas contas não fecham. No mínimo, teríamos que abrir mão do que paga a conta e ainda custear essa trip. Realmente complicado, ainda mais na idade que estamos. Espero que isso mude e oportunidades viáveis ainda cheguem a tempo para nós. 

FRS: Como vocês veem o futuro da cena do rock e metal no Brasil? Quais outros artistas ou bandas que vocês recomendariam para quem gosta de Staut?

Staut: O rock e o metal estão onde sempre estiveram. Quando ocorreram "ondas de rock" no Brasil, muitas bandas realmente legais não foram atingidas. Pelo menos aqui no Rio Grande do Sul. As coisas acontecem mais no eixo Rio e SP. Esses estados são exemplos de movimentação e oportunidades. Por isso pensamos que o rock e o metal permanecem vivendo no underground em pequenos e perseverantes movimentos. Ondas vão e vêm e o público rockeiro continua existindo. Há muito preconceito entre os segmentos dentro do próprio rock também, assim como em todos os lugares. Mas por ser um público de nicho e bem restrito, isso prejudica também o crescimento das bandas. Vemos alguns segmentos músicas altamente comerciais onde um artista puxa o outro. Talvez isso falte um pouco no rock. Entre as bandas que achamos muito legais do nosso underground estão Elton Jones, Sterna Peyote, Yesomar, El Negro, entre outras...   

Agradecemos demais o espaço e oportunidade e convidamos a todos a curtir nosso novo álbum "Limbo das Ideias" em todas as redes de streaming, adicionar os sons em suas playlists e seguir a banda no Instagram, Youtube e tudo mais!

Acesse https://stautrock.com.br/ e encontre os links para sua rede favorita.

Ouça o álbum "Limbo das Ideias" na íntegra:

Com atitude e melodia, La Gang reafirma sua força no novo EP

Texto: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

O quinteto paulista de punk rock La Gang lançou o novo EP "Podem Até Julgar que Foi Sorte" nesta última quarta-feira (05). O registro de estúdio traz cinco músicas fortemente influenciadas pelo hardcore e pop-punk com letras que abordam desde críticas sociais até reflexões pessoais, proporcionando uma experiência musical intensa e envolvente.

"Ódio" abre o EP como uma "chute na porta", o poderoso riff de guitarra é penetrante e dita o ritmo até o final da canção. "Pai De 2" oferece ao ouvinte uma visão bastante pessoal e íntima de um pai dedicado aliado a uma melodia alegre com ótimo riff de guitarra, sem dúvida uma das músicas mais encantadoras do EP. Na sequência, "Inveja Mata" apresenta uma sonoridade enérgica e cativante, fortemente influenciada pelo pop-punk clássico, trazendo referências de bandas como Green Day, Sum 41 e Blink-182. A faixa destaca-se por suas melodias marcantes e uma letra sarcástica e bem-humorada.

Já caminhando para o final do EP, "Vira O Jogo"  traz o peso necessário para criticar aqueles que julgam a vida alheia sem olhar para si mesmos. O riff de guitarra e bateria certamente brilham na música. "Let's Go (Can You Hear Me?)" conclui lindamente o EP, o coro no final "come on, let's go" é convidativo para o ouvinte gritar junto já na primeira audição.

Com um equilíbrio certeiro entre energia, melodia e letras envolventes, "Podem Até Julgar que Foi Sorte" reafirma a identidade da La Gang e prova que o pop-punk nacional segue mais vivo do que nunca.

Ouça "Podem Até Julgar Que Foi Sorte" na íntegra:

Supercombo durante show no Circo Voador - Foto: Isis Oliveira

Banda encantou o público carioca no último sábado (19) através de seus hits e simpatia

Texto: Isis Oliveira 

Na noite do último sábado, 19 de outubro, os cariocas puderam testemunhar mais um show energético da Supercombo no Circo Voador, renomado local de eventos no Rio de Janeiro. 

A banda de rock alternativo está rodando o país com a sua turnê comemorativa de 10 anos de lançamento de Amianto, terceiro álbum de estúdio do grupo e um dos mais aclamados pelos fãs.

Amianto na íntegra

Supercombo durante show no Circo Voador - foto: Isis Oliveira

Por volta de 22h17 a Supercombo entrou em palco, após um leve atraso devido à chuva que caía na capital fluminense, mas nada que desanimasse o público. Seguiram prontamente tocando as primeiras músicas do álbum em sequência: ‘Matagal’ e ‘Campo de Força’, alternando com outras faixas do Amianto como ‘Menino’; ‘O Peso da Cruz’ e ‘Fundo do Mar’. 

Um dos maiores coros da noite foi ouvido em ‘Sol da Manhã’, o público extasiado entre os vocais melódicos e o instrumental coeso e perfeito. 

O grupo, liderado por Léo Ramos (guitarra e voz); Carol Navarro (baixo e voz); Paulo Vaz (teclados, guitarra) e André Dea (bateria), fazia brincadeiras sobre não acreditar no tempo que passou desde o lançamento do disco (janeiro/2014) - esse  clima descontraído entre uma música e outra é algo característico dos shows da Supercombo. 

Outro momento emocionante foi quando um mar de luzes dos celulares inundou o Circo Voador durante a execução da faixa-título ‘Amianto’, criando uma vibe intimista certeira para a música de versos mais introspectivos. O primeiro ato do show finalizou com hit astronômico ‘Piloto Automático’, onde absolutamente todo mundo cantava junto até durante os riffs da guitarra.

A carreira de sucesso demonstrada no Bis

Supercombo durante show no Circo Voador - Foto: Isis Oliveira

A Supercombo dá continuidade ao show com ‘Tempo de Tela’, single de junho deste ano, num arranjo levemente diferente do original e assim dando mais dinâmica.

Para representar o sexto disco de estúdio ‘Remédios’ (2023), as escolhidas são ‘Aos Poucos’ e ‘Fim do Mundo’. De sonoridade mais pesada e guitarras extras com Paulo Vaz, o público logo abriu as famosas rodinhas que o bom e velho rock’n’roll pede. 

Com ‘Não Dá Certo’, eles relembram os tempos de ‘Sal Grosso’ (lançado em 2011), dando oportunidade para fãs mais novos celebrarem todas as fases da banda. 

Num breve intervalo, Carol e Léo deram spoilers do novo álbum (prometido para o segundo semestre de 2025) e afirmaram que estão experimentando diversos estilos musicais. 

Na sequência, Carol Navarro demonstra belos vocais e toda sua destreza no baixo na música ‘Maremotos’, de ‘Adeus, Aurora’ (2019) - quinto álbum do grupo. Aqui, André Dea também aproveita para fazer um rápido solo de bateria, exaltando toda sua potência no instrumento.

O final do show é pura festa, ‘Rogério’ (faixa-título do álbum de 2016) e ‘Todo Dia é Dia de Comemorar’ (single lançado em 2014) arrematam a noite em solo carioca com rimas bem-humoradas de Léo enquanto os fãs pulam e dançam até o último segundo.

O evento foi realizado pela Tomarock Produções, cujo mote é impulsionar bandas de rock independentes na cena carioca e Grande Rio, a abertura ficou com as bandas Lunoz e Molduras - ambas com estilo rock alternativo e letras reflexivas. A qualidade da estrutura no Circo Voador estava excelente, som perfeito para todos os shows e a produção distribuindo água para a galera da ‘grade’ não passar aperto. Viva a cena do rock no Rio de Janeiro!

A turnê da Supercombo ‘Amianto 10 Anos’ está acabando e São Paulo receberá a penúltima data, com ingressos esgotados, em dezembro deste ano.

Confira abaixo o setlist da turnê:

• Matagal
• Campo de Força
• Menino
• O Peso da Cruz
• Fundo do Mar
• Sol da Manhã 
• Memorial
• Soldadinho
• Autonomia 
• Amianto
• Ela
• Piloto Automático 

Bis

• Tempo de Tela
• Aos Poucos
• Fim do Mundo
• Não Dá Certo
• Faz Parte
• Maremotos
• Menina Lagarta 
• Rogério 
• Todo Dia é Dia de Comemorar

Electric Mob - Foto: Divulgação

Quarteto curitibano é uma das grandes potencias do rock nacional na atualidade e já vêm conquistando os EUA também. A banda é uma das atrações da próxima edição do Summer Breeze Open Air Brasil

Texto: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

Electric Mob é uma daquelas bandas que todo mundo deveria conhecer. A qualidade e precisão técnica deste quarteto curitibano (PR) de heavy rock é impressionante. O guitarrista Ben Hur Auwarter entrega riffs de guitarra alucinantes e demonstra um perfeito entrosamento com Yuri Elero (baixo) e André Leister (bateria), como podemos evidenciar nas músicas "It's Gonna Hurt" e "Sun Is Falling", dois exemplos do mais recente álbum "2 Make You Cry & Dance" (2023). Além disso, o vocalista Renan Zonta poderia facilmente na lista das vozes mais incríveis do Brasil; a forma como ele atinge notas altas é de cair o queixo.

A carreira da Electric Mob começou em 2016 e inspirada no rock dos anos 70 /80 com um toque potente do rock pesado dos anos 2000. "Leave A Scar", o EP de estreia chegou logo em 2017 e chamou muita atenção pela impecável execução musical. Não por acaso, a Frontiers Music, uma das mais importantes gravadoras de hard rock, assinou com a banda em 2020 e assim lançaram o primeiro álbum "Discharge" recebido com elogios pela crítica especializada.

"Discharge" abriu alguns caminhos para a Electric Mob especialmente nos EUA e Europa onde o single "Devil You Know" se manteve presente nas paradas da Billboard, Rock Indicator Chart e Foundation Rock Chart aparecendo respectivamente nas posições 22º e 5º. 

Já em 2023, a banda anunciou o álbum "2 Make You Cry & Dance" que mostra um lado ainda mais intenso e visceral da Electric Mob. O novo registro de estúdio foi produzido por Amadeus De Marchi, com mixagem e masterização nas mãos de Nico Braganholo. 

Confira a entrevista com os simpáticos músicos Renan Zonta e Ben Hur que detalharam sobre o processo de produção do novo álbum, como eles enxergam o momento atual da banda e a expectativa para o show no importante festival Summer Breeze Open Air 2024. 

FRS: Antes de qualquer coisa, quero agradecer pela disponibilidade e simpatia! Bom, vamos partir do início, lá em 2016, quando o Electric Mob começou. A proposta da banda é celebrar o rock dos anos 70 e 80, mas com toque contemporâneo. Como surgiu a ideia do nome "Electric Mob" e quais as principais referências da banda? 

RENAN ZONTA (vocal): A gente que agradece. Então a ideia nunca foi realmente celebrar os anos 70 ou 80 e sim fazer um tipo de rock que a gente gostaria de ouvir. Nisso, automaticamente aparecem essas influências dos 70 os 80 mas também tem muitos 90 dos 2000. Só que nosso objetivo também nunca foi replicar nada, então a gente sempre focou no futuro sem negar nossas influências.

Quanto ao nome, veio do desespero de ter que achar um nome antes do primeiro show que tínhamos marcado. E simplesmente as ideias para outros nomes eram muito piores do que essa (risos).

FRS: Como funciona o processo de composição da Eletric Mob? É um processo colaborativo? 

BEN HUR (guitarra): É tudo muito colaborativo é poucas músicas foram feitas individualmente. O processo dos arranjos esse é 100% colaborativo, com input de todas as partes. Mas uma coisa que não é uma regra mas acontece com frequência é que alguém traz um embrião de uma música e a partir daí a gente começa a desenvolver as ideias.

FRS: Electric Mob está fazendo uma caminhada de sucesso obtendo boa repercussão nos EUA com o álbum de estreia, participação do Renan no reality The Voice Brasil e claro muitos shows. Como vocês enxergam o amadurecimento da banda desde 2016 até agora?

RENAN ZONTA: O amadurecimento da própria carreira mudou completamente. Em 2016 a banda foi fundada com o objetivo de ser uma banda com som próprio mas fazíamos shows cover. Dali a gente foi construindo uma marca, construindo a empresa Electric Mob até ter o lançamento do primeiro álbum em 2020. A partir daí as coisas foram acontecendo para o Electric Mob e a gente teve que se adaptar.  Aprendemos muito e continuamos aprendendo a cada dia.

FRS: Este ano vocês lançaram "2 Make You Cry & Dance"  quão diferente foi a composição deste álbum em relação ao "Discharge" (2020)?

BEN HUR: No geral foi a mesma coisa: a gente se juntou por vários dias e deu vazão a criatividade individual de cada um com a interpretação coletiva da banda. O que mudou completamente foi o cenário. Estávamos num período de pandemia e muitas coisas aconteceram nas vidas pessoais de cada um, então tudo isso acabou se refletindo na forma de compor.

FRS: "2 Make You Cry & Dance" foi produzido por Amadeus De Marchi. Como vocês descreveriam o estilo de produção dele?

RENAN ZONTA: Primeiro que o Amadeus é uma das melhores pessoas que a gente conhece e é muito fácil trabalhar com ele. Também trabalhamos juntos no primeiro álbum então foi um processo natural fazer o segundo álbum com ele. 

Quanto à forma de produzir, ele tem uma visão mais pop, o que auxilia muito a preencher espaços ou achar soluções menos óbvias para as músicas. E toda a parte de arranjos de teclas ou efeitos, partem dele.

FRS: Qual faixa de "2 Make You Cry & Dance" mais representa o momento atual da Eletric Mob e por que?

BEN HUR: Pode suar um pouco clichê, mas acredito que seja o álbum inteiro. A gente fez 20 músicas no total e acabaram entrando 11, sendo que qualquer música que acabou ficando de fora, pra gente, poderiam entrar facilmente no álbum. Mas se tivesse que escolher uma só acho que seria IT'S GONNA HURT. Ela reflete um geral desse álbum que foi cortar excessos, simplificar produções e mirar em melodias e hooks um pouco mais pop.

Electric Mob - Foto: divulgação

FRS: Electric Mob está escalada para tocar na próxima edição do Summer Breeze Open Air Brasil. Qual foi a reação da banda ao receber o convite para tocar no festival?

RENAN ZONTA: A gente ficou besta de alegria. Costumo falar que a gente não tem ideia do que estamos fazendo mas está dando certo então a gente não para. O convite para tocar no Summer Breeze foi uma confirmação de que a gente ainda tá no caminho certo.

FRS: Qual a expectativa da banda para o show no Summer Breeze?

BEN HUR: A expectativa básica de que esse vai ser o maior show do Electric Mob até então. Mas vamos nos preparar muito e esperamos entregar o melhor show possível para todo mundo.

FRS: Por fim, além do aguardado show no Summer Breeze, o que podemos esperar do Electric Mob em 2024?

RENAN ZONTA: Eu não consigo dizer ao certo fatos que vão acontecer ou eventos, mas uma certeza é que vamos trabalhar ao máximo e não vamos poupar esforços para conseguir sempre entregar algo incrível para os fãs. Isso é o que nos move.

Ouça "2 Make You Cry & Dance" na íntegra: