Foto: Tomás Gomes

Em conversa com o Female Rock Squad, a vocalista Michelle Marques aborda saúde mental, luto, os desafios da cena independente e o desejo de inspirar outras mulheres no rock

Por: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

Formada em Montes Claros, Minas Gerais, a Lado Blue vem conquistando espaço na cena independente com uma sonoridade que transita entre o blues rock, o grunge e o rock alternativo. O trio, composto por Michelle Marques (vocal e guitarra), Pedro Emanuel (baixo e backing vocals) e Matheus Leche (bateria e backing vocals), encontrou na música autoral uma forma de traduzir inquietações, afetos e experiências profundamente humanas.

Após os primeiros passos interpretando covers, a banda decidiu investir na própria identidade artística, culminando no lançamento de Estilhaços, álbum de estreia que reúne nove faixas marcadas pela honestidade emocional e por letras que abordam temas como saúde mental, luto, autocobrança e os desafios da vida adulta.

A entrevista com Michelle Marques revela muito mais do que os bastidores desse primeiro trabalho. Entre os desafios de manter uma banda autoral no interior de Minas Gerais, as dificuldades enfrentadas pela cena independente e a necessidade quase visceral de transformar vivências em música, a vocalista e guitarrista mostra que Estilhaços é um disco construído a partir da vulnerabilidade e da coragem.

Em conversa com o Female Rock Squad, Michelle falou sobre o processo criativo da Lado Blue, as influências que moldaram a sonoridade do grupo e a história profundamente pessoal por trás da faixa-título — uma das mais emocionantes do álbum. O resultado é um retrato sensível de artistas que seguem abrindo caminho no rock nacional sem abrir mão da própria essência.

FRS: A Lado Blue nasceu em Montes Claros, longe dos principais polos da indústria musical. Como foi construir uma banda autoral nesse contexto e quais desafios vocês enfrentaram no início?

Michelle Marques: Apesar de termos uma cultura muito rica aqui na nossa cidade, é muito difícil se deslocar para fazer shows. Tudo fica mais caro: desde a oferta de estúdios de gravação até as casas de show, tudo é muito limitado. Quando pensamos em fazer apresentações independentes em outras cidades, precisamos reservar uma grana para não depender apenas do cachê ou da bilheteria para custear a viagem. Ao mesmo tempo, manter a banda tocando apenas na cidade também não é viável, porque o público acaba chegando a um limite. É preciso sair, circular e fazer as músicas rodarem. Então é uma luta constante para manter a banda respirando.

FRS: Vocês começaram tocando covers antes de apostar totalmente nas músicas próprias. Em que momento perceberam que era hora de mostrar ao público a verdadeira identidade da banda?

Michelle Marques: Por mais divertido que seja tocar músicas dos artistas que admiramos, nós três somos pessoas criativas. A gente gosta de criar, então foi um impulso natural. Eu, como letrista, gosto muito de escrever e sinto isso quase como uma necessidade. Acho importante colocar mais de si em um projeto artístico; criar é uma forma de trazer coisas novas para o mundo.

FRS: O álbum "Estilhaços" carrega um título muito simbólico. Qual é o significado desse nome e como ele se conecta com as histórias contadas ao longo do disco?

Michelle Marques: Estilhaços é uma das faixas do álbum e eu nunca contei isso em nenhuma entrevista. Mas essa pergunta foi muito certeira, então vou falar sobre isso pela primeira vez. Meu avô paterno cometeu suicídio há alguns anos, e eu percebi que não tinha elaborado bem essa perda. Quando escrevi a letra, entendi que precisava falar sobre isso. Ele era uma pessoa muito querida, e acho que ninguém percebeu que estava no limite, carregando um peso enorme e se sentindo um fardo para as pessoas ao redor. Foi uma morte muito triste. Cheguei a ouvir de algumas pessoas religiosas da família que a alma dele estaria perdida. Eu quis trazer esses sentimentos para a música e refletir sobre eles. Por isso, Estilhaços é uma canção muito especial para mim.

FRS: As composições abordam temas bastante íntimos, como frustrações, afetos e saúde mental. Houve alguma faixa que foi especialmente difícil de escrever ou gravar?

Michelle Marques: "Estilhaços" é sempre a música que mais me pega emocionalmente, justamente por tudo o que contei antes. Para mim, é a faixa mais íntima do disco. Sempre fico mais introspectiva quando a canto ao vivo. Acho que ela é um ponto muito sensível tanto do álbum quanto do show.

FRS: Como funciona o processo criativo dentro da Lado Blue? As músicas surgem a partir de uma ideia individual ou são construídas coletivamente?

Michelle Marques: Geralmente eu trago a música mais ou menos pronta, com letra, melodia e harmonia. Depois levo para o ensaio com os meninos e a gente trabalha os arranjos juntos. Eles sugerem mudanças, a gente testa várias ideias até chegar à versão final. No geral, as composições partem de mim, mas agora, com mais tempo de banda, eles também têm trazido ideias e contribuído cada vez mais para o processo.

FRS: "Fracasso" fala sobre as pressões e o esgotamento da vida contemporânea. O que motivou vocês a abordar esse tema e por que acreditam que ele dialoga tanto com o público atualmente?

Michelle Marques: "Fracasso" fala muito sobre a autocobrança que a nossa geração tem vivido. Somos a geração que acreditou que chegaria aos 30 anos com carro, casa própria e um salário de dez mil reais. Mas, na realidade, muita gente não consegue nem pagar o aluguel sozinha. A música é quase uma sátira disso tudo. Eu me sinto assim às vezes, e conheço muitas pessoas da minha idade que também se sentem. Parece uma grande angústia coletiva.

FRS: Quais artistas e bandas tiveram maior influência na sonoridade apresentada em Estilhaços? Existe alguma referência que talvez surpreenda os ouvintes?

Michelle Marques: Tem muita influência de The Pretty Reckless e Pitty, porque me inspiro bastante em mulheres do rock. Mas uma influência que talvez surpreenda as pessoas é Arctic Monkeys. Tem um riff de guitarra em Fracasso que eu “roubei” deles um pouquinho.

FRS: Na opinião de vocês, o que a cena independente brasileira precisa para que mais bandas autorais consigam alcançar novos públicos e consolidar suas carreiras?

Michelle Marques: Acho que precisamos de mais casas de show que apoiem artistas independentes e de pequeno porte, como é o caso do Estúdio Central, que vai receber a gente em BH. Também precisamos que os projetos de fomento à cultura sejam mais acessíveis para financiar trabalhos artísticos. É importante continuar fazendo a roda girar e criar mais espaços para quem está começando.

FRS: Se "Estilhaços" pudesse deixar apenas uma mensagem para quem ouvir o álbum do início ao fim, qual vocês gostariam que fosse?

Michelle Marques: Acho que a mensagem seria: não se sinta sozinho. Tem muita gente se sentindo dentro de um barco furado, mas isso não significa que seja o fim da linha. Dá para continuar lutando, criando e fazendo as coisas que você ama. E, principalmente para as mulheres da cena do rock: a gente está aqui para ser vista. Vamos ocupar o nosso espaço.

SHOW EM BELO HORIZONTE EM 20 DE JUNHO

A Lado Blue desembarca em Belo Horizonte no próximo dia 20 de junho para apresentar ao vivo as músicas de Estilhaços (2025), álbum de estreia do trio mineiro. Mais do que divulgar o trabalho para além das plataformas digitais, a apresentação representa a oportunidade de estreitar os laços com o público que acompanha a banda pelas redes sociais e vivenciar, de perto, a intensidade emocional que marca suas composições. "Nossa cidade natal é um ponto muito isolado dos grandes centros e a gente quer rodar por aí com o trabalho que produzimos no estúdio", destaca o grupo. Para quem busca conhecer novos nomes do rock nacional independente, o show promete ser uma experiência imperdível.

Serviço | Lado Blue - Turnê “Estilhaços”

Data: 20 de junho de 2026

Horário: A partir das 19h

Local:  Estúdio Central

Ingressos: R$ 25 antecipado | R$ 35 na portaria

Ingressos: https://shotgun.live/pt-br/events/lado-blue-no-estudio-central

Classificação indicativa: 18 anos

Crédito: @DiegoRuahn

Em uma indústria cada vez mais dominada pela velocidade dos algoritmos e pela pressão dos lançamentos instantâneos, o Capsula surge na contramão. O projeto reúne nomes importantes do mainstream e da cena indie brasileira em torno de uma proposta simples — mas rara nos dias de hoje: fazer música com tempo, profundidade e troca criativa verdadeira.

A banda nasceu de encontros improváveis e conexões típicas de Belo Horizonte, cidade onde diferentes trajetórias acabam se cruzando naturalmente. Um almoço de família, amizades em comum e décadas de convivência indireta entre músicos deram origem ao convite despretensioso que mudaria tudo: “vamos fazer um som”.

Integrantes unem experiências do indie e do mainstream

Foi desse encontro que surgiu o quarteto formado por Érika Martins, Fernando Americano, Haroldo Ferretti e Lelo Zaneti.

Durante cerca de um ano, o grupo trabalhou silenciosamente no repertório, longe da lógica imediatista que domina grande parte do mercado musical atual. Os encontros aconteciam no Estúdio Bamboo, espaço montado na casa de Haroldo Ferretti, em Nova Lima, onde as músicas foram sendo construídas entre experimentações, trocas de referências e reconstruções constantes de arranjos.

Mais do que buscar perfeição técnica, o Capsula apostou na espontaneidade e na força emocional das canções. Há humanidade no processo — e isso transparece no resultado final.

Entre o pós-punk, o indie e as angústias da hiperconexão

Musicalmente, o grupo transita entre o pop, pós-punk, dub, indie rock e elementos do chamado “rock adulto”, criando uma sonoridade que mistura peso emocional, texturas atmosféricas e grooves marcantes.

Nas letras, o Capsula mergulha em temas extremamente contemporâneos: ansiedade digital, relações líquidas, desgaste emocional e a sensação constante de hiperconexão. As músicas funcionam quase como retratos urbanos de uma geração exausta pela necessidade permanente de produtividade, presença online e validação instantânea.

“Dopamina” é o primeiro retrato dessa identidade sonora

Com lançamento marcado para 29 de maio, via ONErpm, o single “Dopamina” apresenta ao público a essência criativa do Capsula.

A faixa combina os grooves característicos de Haroldo e Lelo, as guitarras densas e sensoriais de Fernando Americano e a interpretação intensa de Érika Martins. Entre o pop, o rock e nuances de reggae, “Dopamina” transforma a exaustão digital em música, abordando a ansiedade provocada pelo excesso de estímulos e notificações.

Capsula transforma imperfeição em identidade

Em tempos em que grande parte da música parece pensada para alimentar métricas, trends e consumo rápido, o Capsula aposta justamente no contrário: canções feitas para permanecer.

Não se trata de nostalgia ou revivalismo. O projeto nasce como uma reafirmação da música enquanto experiência humana — imperfeita, intensa e viva.

Ouça a música:

Liderado por Jay Kay, o Jamiroquai retorna ao Brasil celebrando os 30 anos de “Virtual Insanity” e prometendo uma viagem pelos maiores sucessos da carreira.

This is the return of the space cowboy! Sim, o Jamiroquai, uma das bandas mais influentes dos anos 90, voltará ao Brasil para se apresentar no dia 11 de setembro, no palco Sunset do Rock in Rio, e também em um show solo no dia 13 de setembro, no Allianz Parque, em São Paulo. O repertório promete reunir clássicos como “Seven Days in Sunny June”, “Space Cowboy” e “Alright”, além de celebrar os 30 anos de “Virtual Insanity”, maior sucesso da banda.

Como adquirir os ingressos

Os ingressos estarão disponíveis em pré-venda para clientes Private Bank e Itaú Personnalité a partir das 10h do dia 29 de maio. Já os demais clientes Itaú Unibanco poderão adquirir as entradas no dia 30 de maio, enquanto a venda geral terá início às 10h do dia 1º de junho, através do site Eventim Brasil.

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Grupo sul-coreano se apresenta no Espaço Unimed, em São Paulo, com repertório repleto de hits, produção grandiosa e experiências VIP para os fãs

Os fãs brasileiros de K-pop já podem comemorar: o Monsta X confirmou uma apresentação única no Brasil como parte da turnê The X: Nexus. O show acontece no dia 9 de junho, no Espaço Unimed, em São Paulo, e promete reunir alguns dos maiores sucessos da carreira do grupo em uma performance marcada por energia, efeitos visuais e uma superprodução de encher os olhos.

Os ingressos já estão disponíveis, com preços a partir de R$295, através da plataforma oficial da Ticketmaster Brasil. O público poderá escolher entre diferentes setores, incluindo pista, cadeiras premium e pacotes VIP exclusivos.

Entre os benefícios especiais oferecidos nos pacotes estão acesso antecipado ao local, participação no soundcheck, sessão Hi Bye, itens colecionáveis oficiais e experiências premium voltadas especialmente para os fãs mais dedicados.

Formado em 2015 pela Starship Entertainment, o Monsta X rapidamente se consolidou como um dos principais nomes da terceira geração do K-pop. Conhecido pela combinação de pop, hip-hop, EDM e R&B, o grupo conquistou destaque internacional graças às performances intensas, presença de palco marcante e conceito poderoso.

Apelidados de “beast idols”, os integrantes construíram uma sólida base de fãs ao redor do mundo — conhecida como MONBEBE — e emplacaram sucessos como “Hero”, “Dramarama”, “Shoot Out”, “Love Killa”, “Beautiful Liar” e “Alligator”.

Atualmente, o grupo é formado por Shownu, Minhyuk, Kihyun, Hyungwon, Joohoney e I.M. Originalmente, o Monsta X debutou com sete integrantes, mas Wonho deixou oficialmente o grupo em 2019.

Além do sucesso na Coreia do Sul, o Monsta X também expandiu sua presença no mercado internacional com lançamentos em inglês e turnês mundiais, consolidando-se como um dos grupos mais populares do K-pop contemporâneo.

A passagem da turnê The X: Nexus pelo Brasil reforça a forte conexão do grupo com o público brasileiro, conhecido pelo entusiasmo e apoio constante aos artistas sul-coreanos. A expectativa é de uma noite intensa, emocionante e repleta de momentos especiais para os MONBEBEs brasileiros.

O terceiro mini-álbum é o capítulo mais sincero da carreira de Yoon San-ha, rompendo com os estereótipos que o limitavam

Texto: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

Yoon San-ha, solista e integrante do grupo de k-pop ASTRO, lançou “NO REASON”, seu terceiro mini-álbum, nesta quarta-feira, 20 de maio. Sucessor de “CHAMELEON(카멜레온)” (2025), o trabalho apresenta um artista mais focado em aceitar e expressar sua essência do que em provar algo ao público. Além disso, San-ha participou ativamente de todo o processo criativo, desde a fase de planejamento do álbum, imprimindo sua identidade artística em cada etapa da produção.

Intensidade e libertação em “NO REASON”

A faixa de abertura, “NO REASON”, chega intensa e potente. Com sonoridade inspirada no hardcore, a música simboliza a quebra das barreiras que antes limitavam o artista.

“IDK ME” e o amadurecimento emocional

Já “IDK ME”, principal faixa de trabalho do álbum, aposta em uma batida envolvente e cativante com toques de R&B. O título faz referência à frase em inglês “I don’t know me” (“Eu não me conheço”), evocando sentimentos de incerteza e questionamentos internos até culminar em um momento de autoconfiança e maturidade ao final da canção. A narrativa revela uma versão mais honesta e definida do próprio San-ha.

Assista ao vídeo oficial de "IDK ME":

A delicadeza das faixas finais

“If We (이프 위)” traz elementos clássicos do k-pop melódico e emocional, equilibrando refrões marcantes com uma sonoridade delicada e envolvente. Aproximando do final,  “+1” e “demo”, o cantor convida o ouvinte para uma atmosfera acolhedora e contemplativa. As batidas suaves e o violão delicado conquistam logo na primeira audição. Vale destacar que a letra de “+1” foi composta diretamente pelo maknae do ASTRO, reforçando sua evolução como compositor e evidenciando uma maturidade musical cada vez mais sólida.

Um álbum coeso e emocionalmente honesto

Ao longo de “NO REASON”, Yoon San-ha demonstra segurança ao explorar diferentes atmosferas sonoras sem perder a coesão do álbum. O mini-álbum funciona não apenas como uma evolução natural de sua carreira solo, mas também como um retrato mais sincero de sua identidade artística. Entre momentos intensos e faixas mais acolhedoras, San-ha entrega um trabalho maduro, emocionalmente honesto e que reforça seu potencial como um dos artistas mais versáteis de sua geração.

Ouça "NO REASON" na íntegra: