Cantor sul-coreano conhecido por interpretar trilhas sonoras de k-dramas como Itaewon Class desembarca no país em agosto de 2026 com a turnê "TO MARS"

Fãs brasileiros de k-dramas têm um motivo para comemorar. O cantor sul-coreano GAHO, conhecido por interpretar trilhas sonoras de séries de grande sucesso, fará sua primeira turnê pelo Brasil em agosto e início de setembro de 2026. A "TO MARS" passará por oito cidades — São Paulo (dia 22/08 no Studio Stage), São Luís (dia 23 no Humberto Maracanã), Belém (dia 28/08 no Teatro It Center), Fortaleza (dia 30/08 no Teatro Brasil Tropical), Salvador (dia 01/09 no Teatro da Cidade), Florianópolis (dia 03/09 no John Bull), Porto Alegre (04/09 no Centro de Eventos CIEE) e Curitiba (dia 05/09 no Igloo Super Hall) — com produção da K-Beat Entertainment.

Os ingressos já podem ser adquiridos pelo site https://meaple.com.br/gaho e custam entre R$ 130 e R$ 880. Os setores incluem pista e pacotes VIP e VVIP, que oferecem benefícios como entrada antecipada, soundcheck, hi-touch e sessão de autógrafos. Também estarão disponíveis upgrades para selfie e foto Polaroid com o artista, exclusivos para quem já possui ingresso para o show.

GAHO: VOZ MARCANTE DOS K-DRAMAS

Lançado como solista em 2018 pela Planetarium Records, GAHO consolidou sua carreira ao unir influências de pop, rock, R&B e soul. O artista conquistou reconhecimento internacional por interpretar trilhas sonoras de k-dramas de grande sucesso, como "Start Over", de Itaewon Class, e “Yellow Light”, presente em Sorriso Real. Paralelamente ao trabalho com OSTs, também desenvolve uma carreira autoral e ligação com o projeto PLT, com lançamentos que evidenciam sua versatilidade vocal e musical.

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ENHYPEN durante show em São Paulo - Foto: Alice Medeiros

Após seis anos de carreira, o grupo de K-pop realizou sua aguardada estreia em São Paulo, comemorou o centésimo show da trajetória e encerrou a noite com uma surpresa inédita para os fãs

Texto: Alice Medeiros

Neste sábado, dia 04 de julho, o ENHYPEN realizou sua primeira apresentação no país após seis anos de carreira, e, tornando tudo mais especial, o show em São Paulo marcou o centésimo show do grupo, número este que significa muito para a cultura sul-coreana.

O grupo foi conquistado pelo público brasileiro antes mesmo de embarcar para o país. Há muito tempo os fãs brasileiros vêm demonstrando carinho em suas redes sociais, e o grupo não notou apenas esse público forte, como também se apaixonou pelo funk brasileiro, realizando diversas trends utilizando áudios desse ritmo.

SHOW COM ESTRUTURA GRANDIOSA

O show trouxe uma produção impecável, com palco estendido e telão que tornavam a experiência mais imersiva, principalmente ao exibirem os vídeos entre as pausas e trocas de figurino, deixando todos boquiabertos com o nível de detalhe em manter a narrativa do início ao fim do show, com momentos que se assemelhavam a estar assistindo a um filme.

Mas o que realmente tornou a noite inesquecível foram as apresentações, os sorrisos e o brilho nos olhos ao ver o carinho do público. O grupo mostrou a habilidade em entregar performances deslumbrantes, com vocais encantadores e coreografia realizadas com destreza mais do que impecável.

Enhypen durante show em São Paulo - Foto: Alice Medeiros

REPERTÓRIO PREPARADO PARA O PÚBLICO LATINO 

A setlist foi pensada especialmente para o público latino que nunca havia visto nenhuma apresentação deles e, com isso, realizaram um espetáculo com suas músicas mais famosas, do início da carreira até os lançamentos mais recentes.

O público, como esperado, cantou todas as partes, gritou, comemorou e celebrou cada momento, o que foi recebido com calorosas risadas e sorrisos sinceros dos membros do grupo. Era possível ver a alegria estampada em seus rostos ao contemplar um público tão animado e tão cativante.

ENCORE ARREBATADOR

Já no encore, durante os últimos momentos do show, o ENHYPEN apresentou o remix da música title "Knife", que conta com sample de um funk brasileiro e, de acordo com o próprio Sunghoon, autor do remix, "é uma música que a gente só consegue fazer no Brasil", e assim, o ENHYPEN fez o público, já animado, mostrar suas cores mais originais.

O grupo, que já estava encantado com o público, parecia então fascinado em fazer parte daquele momento. Sunghoon ainda completou que aquele era um sonho dele: tocar sua versão do remix em solo brasileiro.

No fim, aquele show não foi a realização de um sonho apenas para os fãs, mas também para o grupo, tendo agora a certeza de que, mesmo do outro lado do mundo, eles poderão sempre encontrar apoio e gritos calorosos. E talvez tenha sido isso que fez os membros prometerem, mais de uma vez, o retorno para o país, mas na esperança de realizar mais do que uma única apresentação.

Quando os membros se despediram uma última vez, e as luzes se apagaram, o telão se acendeu mais uma vez, agora para entregar o presente que o ENHYPEN havia prometido para os fãs brasileiros: uma prévia da nova música title do próximo álbum *The Sin: Bliss*, música essa inspirada no funk brasileiro.

CONEXÃO COM O PÚBLICO BRASILEIRO

Este show ficará para sempre guardado nas memórias de todos, incluindo o próprio grupo, que pôde viver aquele momento, aquela energia, aquele amor, aquela dedicação.

Ficamos no aguardo do retorno do grupo ao solo brasileiro para, juntos, podermos curtir a nova música e mostrar mais uma vez a energia que o público brasileiro entrega sempre.

Foto: Tomás Gomes

Em conversa com o Female Rock Squad, a vocalista Michelle Marques aborda saúde mental, luto, os desafios da cena independente e o desejo de inspirar outras mulheres no rock

Por: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

Formada em Montes Claros, Minas Gerais, a Lado Blue vem conquistando espaço na cena independente com uma sonoridade que transita entre o blues rock, o grunge e o rock alternativo. O trio, composto por Michelle Marques (vocal e guitarra), Pedro Emanuel (baixo e backing vocals) e Matheus Leche (bateria e backing vocals), encontrou na música autoral uma forma de traduzir inquietações, afetos e experiências profundamente humanas.

Após os primeiros passos interpretando covers, a banda decidiu investir na própria identidade artística, culminando no lançamento de Estilhaços, álbum de estreia que reúne nove faixas marcadas pela honestidade emocional e por letras que abordam temas como saúde mental, luto, autocobrança e os desafios da vida adulta.

A entrevista com Michelle Marques revela muito mais do que os bastidores desse primeiro trabalho. Entre os desafios de manter uma banda autoral no interior de Minas Gerais, as dificuldades enfrentadas pela cena independente e a necessidade quase visceral de transformar vivências em música, a vocalista e guitarrista mostra que Estilhaços é um disco construído a partir da vulnerabilidade e da coragem.

Em conversa com o Female Rock Squad, Michelle falou sobre o processo criativo da Lado Blue, as influências que moldaram a sonoridade do grupo e a história profundamente pessoal por trás da faixa-título — uma das mais emocionantes do álbum. O resultado é um retrato sensível de artistas que seguem abrindo caminho no rock nacional sem abrir mão da própria essência.

FRS: A Lado Blue nasceu em Montes Claros, longe dos principais polos da indústria musical. Como foi construir uma banda autoral nesse contexto e quais desafios vocês enfrentaram no início?

Michelle Marques: Apesar de termos uma cultura muito rica aqui na nossa cidade, é muito difícil se deslocar para fazer shows. Tudo fica mais caro: desde a oferta de estúdios de gravação até as casas de show, tudo é muito limitado. Quando pensamos em fazer apresentações independentes em outras cidades, precisamos reservar uma grana para não depender apenas do cachê ou da bilheteria para custear a viagem. Ao mesmo tempo, manter a banda tocando apenas na cidade também não é viável, porque o público acaba chegando a um limite. É preciso sair, circular e fazer as músicas rodarem. Então é uma luta constante para manter a banda respirando.

FRS: Vocês começaram tocando covers antes de apostar totalmente nas músicas próprias. Em que momento perceberam que era hora de mostrar ao público a verdadeira identidade da banda?

Michelle Marques: Por mais divertido que seja tocar músicas dos artistas que admiramos, nós três somos pessoas criativas. A gente gosta de criar, então foi um impulso natural. Eu, como letrista, gosto muito de escrever e sinto isso quase como uma necessidade. Acho importante colocar mais de si em um projeto artístico; criar é uma forma de trazer coisas novas para o mundo.

FRS: O álbum "Estilhaços" carrega um título muito simbólico. Qual é o significado desse nome e como ele se conecta com as histórias contadas ao longo do disco?

Michelle Marques: Estilhaços é uma das faixas do álbum e eu nunca contei isso em nenhuma entrevista. Mas essa pergunta foi muito certeira, então vou falar sobre isso pela primeira vez. Meu avô paterno cometeu suicídio há alguns anos, e eu percebi que não tinha elaborado bem essa perda. Quando escrevi a letra, entendi que precisava falar sobre isso. Ele era uma pessoa muito querida, e acho que ninguém percebeu que estava no limite, carregando um peso enorme e se sentindo um fardo para as pessoas ao redor. Foi uma morte muito triste. Cheguei a ouvir de algumas pessoas religiosas da família que a alma dele estaria perdida. Eu quis trazer esses sentimentos para a música e refletir sobre eles. Por isso, Estilhaços é uma canção muito especial para mim.

FRS: As composições abordam temas bastante íntimos, como frustrações, afetos e saúde mental. Houve alguma faixa que foi especialmente difícil de escrever ou gravar?

Michelle Marques: "Estilhaços" é sempre a música que mais me pega emocionalmente, justamente por tudo o que contei antes. Para mim, é a faixa mais íntima do disco. Sempre fico mais introspectiva quando a canto ao vivo. Acho que ela é um ponto muito sensível tanto do álbum quanto do show.

FRS: Como funciona o processo criativo dentro da Lado Blue? As músicas surgem a partir de uma ideia individual ou são construídas coletivamente?

Michelle Marques: Geralmente eu trago a música mais ou menos pronta, com letra, melodia e harmonia. Depois levo para o ensaio com os meninos e a gente trabalha os arranjos juntos. Eles sugerem mudanças, a gente testa várias ideias até chegar à versão final. No geral, as composições partem de mim, mas agora, com mais tempo de banda, eles também têm trazido ideias e contribuído cada vez mais para o processo.

FRS: "Fracasso" fala sobre as pressões e o esgotamento da vida contemporânea. O que motivou vocês a abordar esse tema e por que acreditam que ele dialoga tanto com o público atualmente?

Michelle Marques: "Fracasso" fala muito sobre a autocobrança que a nossa geração tem vivido. Somos a geração que acreditou que chegaria aos 30 anos com carro, casa própria e um salário de dez mil reais. Mas, na realidade, muita gente não consegue nem pagar o aluguel sozinha. A música é quase uma sátira disso tudo. Eu me sinto assim às vezes, e conheço muitas pessoas da minha idade que também se sentem. Parece uma grande angústia coletiva.

FRS: Quais artistas e bandas tiveram maior influência na sonoridade apresentada em Estilhaços? Existe alguma referência que talvez surpreenda os ouvintes?

Michelle Marques: Tem muita influência de The Pretty Reckless e Pitty, porque me inspiro bastante em mulheres do rock. Mas uma influência que talvez surpreenda as pessoas é Arctic Monkeys. Tem um riff de guitarra em Fracasso que eu “roubei” deles um pouquinho.

FRS: Na opinião de vocês, o que a cena independente brasileira precisa para que mais bandas autorais consigam alcançar novos públicos e consolidar suas carreiras?

Michelle Marques: Acho que precisamos de mais casas de show que apoiem artistas independentes e de pequeno porte, como é o caso do Estúdio Central, que vai receber a gente em BH. Também precisamos que os projetos de fomento à cultura sejam mais acessíveis para financiar trabalhos artísticos. É importante continuar fazendo a roda girar e criar mais espaços para quem está começando.

FRS: Se "Estilhaços" pudesse deixar apenas uma mensagem para quem ouvir o álbum do início ao fim, qual vocês gostariam que fosse?

Michelle Marques: Acho que a mensagem seria: não se sinta sozinho. Tem muita gente se sentindo dentro de um barco furado, mas isso não significa que seja o fim da linha. Dá para continuar lutando, criando e fazendo as coisas que você ama. E, principalmente para as mulheres da cena do rock: a gente está aqui para ser vista. Vamos ocupar o nosso espaço.

SHOW EM BELO HORIZONTE EM 20 DE JUNHO

A Lado Blue desembarca em Belo Horizonte no próximo dia 20 de junho para apresentar ao vivo as músicas de Estilhaços (2025), álbum de estreia do trio mineiro. Mais do que divulgar o trabalho para além das plataformas digitais, a apresentação representa a oportunidade de estreitar os laços com o público que acompanha a banda pelas redes sociais e vivenciar, de perto, a intensidade emocional que marca suas composições. "Nossa cidade natal é um ponto muito isolado dos grandes centros e a gente quer rodar por aí com o trabalho que produzimos no estúdio", destaca o grupo. Para quem busca conhecer novos nomes do rock nacional independente, o show promete ser uma experiência imperdível.

Serviço | Lado Blue - Turnê “Estilhaços”

Data: 20 de junho de 2026

Horário: A partir das 19h

Local:  Estúdio Central

Ingressos: R$ 25 antecipado | R$ 35 na portaria

Ingressos: https://shotgun.live/pt-br/events/lado-blue-no-estudio-central

Classificação indicativa: 18 anos

Crédito: @DiegoRuahn

Em uma indústria cada vez mais dominada pela velocidade dos algoritmos e pela pressão dos lançamentos instantâneos, o Capsula surge na contramão. O projeto reúne nomes importantes do mainstream e da cena indie brasileira em torno de uma proposta simples — mas rara nos dias de hoje: fazer música com tempo, profundidade e troca criativa verdadeira.

A banda nasceu de encontros improváveis e conexões típicas de Belo Horizonte, cidade onde diferentes trajetórias acabam se cruzando naturalmente. Um almoço de família, amizades em comum e décadas de convivência indireta entre músicos deram origem ao convite despretensioso que mudaria tudo: “vamos fazer um som”.

Integrantes unem experiências do indie e do mainstream

Foi desse encontro que surgiu o quarteto formado por Érika Martins, Fernando Americano, Haroldo Ferretti e Lelo Zaneti.

Durante cerca de um ano, o grupo trabalhou silenciosamente no repertório, longe da lógica imediatista que domina grande parte do mercado musical atual. Os encontros aconteciam no Estúdio Bamboo, espaço montado na casa de Haroldo Ferretti, em Nova Lima, onde as músicas foram sendo construídas entre experimentações, trocas de referências e reconstruções constantes de arranjos.

Mais do que buscar perfeição técnica, o Capsula apostou na espontaneidade e na força emocional das canções. Há humanidade no processo — e isso transparece no resultado final.

Entre o pós-punk, o indie e as angústias da hiperconexão

Musicalmente, o grupo transita entre o pop, pós-punk, dub, indie rock e elementos do chamado “rock adulto”, criando uma sonoridade que mistura peso emocional, texturas atmosféricas e grooves marcantes.

Nas letras, o Capsula mergulha em temas extremamente contemporâneos: ansiedade digital, relações líquidas, desgaste emocional e a sensação constante de hiperconexão. As músicas funcionam quase como retratos urbanos de uma geração exausta pela necessidade permanente de produtividade, presença online e validação instantânea.

“Dopamina” é o primeiro retrato dessa identidade sonora

Com lançamento marcado para 29 de maio, via ONErpm, o single “Dopamina” apresenta ao público a essência criativa do Capsula.

A faixa combina os grooves característicos de Haroldo e Lelo, as guitarras densas e sensoriais de Fernando Americano e a interpretação intensa de Érika Martins. Entre o pop, o rock e nuances de reggae, “Dopamina” transforma a exaustão digital em música, abordando a ansiedade provocada pelo excesso de estímulos e notificações.

Capsula transforma imperfeição em identidade

Em tempos em que grande parte da música parece pensada para alimentar métricas, trends e consumo rápido, o Capsula aposta justamente no contrário: canções feitas para permanecer.

Não se trata de nostalgia ou revivalismo. O projeto nasce como uma reafirmação da música enquanto experiência humana — imperfeita, intensa e viva.

Ouça a música:

Liderado por Jay Kay, o Jamiroquai retorna ao Brasil celebrando os 30 anos de “Virtual Insanity” e prometendo uma viagem pelos maiores sucessos da carreira.

This is the return of the space cowboy! Sim, o Jamiroquai, uma das bandas mais influentes dos anos 90, voltará ao Brasil para se apresentar no dia 11 de setembro, no palco Sunset do Rock in Rio, e também em um show solo no dia 13 de setembro, no Allianz Parque, em São Paulo. O repertório promete reunir clássicos como “Seven Days in Sunny June”, “Space Cowboy” e “Alright”, além de celebrar os 30 anos de “Virtual Insanity”, maior sucesso da banda.

Como adquirir os ingressos

Os ingressos estarão disponíveis em pré-venda para clientes Private Bank e Itaú Personnalité a partir das 10h do dia 29 de maio. Já os demais clientes Itaú Unibanco poderão adquirir as entradas no dia 30 de maio, enquanto a venda geral terá início às 10h do dia 1º de junho, através do site Eventim Brasil.

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