Hatefulmurder - Foto: divulgação

Novo single, que chega acompanhado de videoclipe, apresenta uma sonoridade mais agressiva e marca uma nova fase da banda com Giulia Roiz nos vocais

O HATEFULMURDER está pronto para virar a página — e faz isso sem economizar no peso. No dia 18 de setembro, a banda lançou “I Give My Soul”, novo single que chega acompanhado de um videoclipe de grande produção e inaugura uma fase mais agressiva de sua trajetória.

A faixa integra o novo EP “Death Made Us Better”, formado por quatro músicas e previsto para chegar ao público no final de 2026. Mais do que apresentar uma nova composição, porém, “I Give My Soul” funciona como uma espécie de cartão de visitas para a atual formação e para as possibilidades que ela abre.

A chegada de Giulia Roiz aos vocais provocou mudanças perceptíveis na identidade sonora do HATEFULMURDER. Conhecida por transitar entre vocais limpos, drives e guturais, a cantora acrescenta novas camadas à sonoridade da banda, criando um contraste entre momentos melódicos e explosões de peso.

O resultado é uma banda que parece menos preocupada em permanecer dentro de uma fórmula e mais interessada em descobrir até onde pode levar suas próprias referências.

Em “I Give My Soul”, riffs mais encorpados dividem espaço com melodias marcantes e uma construção dinâmica, enquanto os vocais alternam intensidade e melodia. Há ecos daquela combinação entre agressividade e técnica que marcou momentos importantes do metal extremo melódico — mas o HATEFULMURDER utiliza esses elementos para construir sua própria linguagem.

A temática da faixa também conversa diretamente com essa ideia de transformação. Segundo Giulia, a letra parte do conceito de “Sehnsucht”, palavra alemã usada para descrever um anseio profundo, quase como uma saudade de algo que ainda não conhecemos.

“A música é sobre o Sehnsucht, uma palavra alemã que representa um anseio profundo, quase como uma saudade de algo que ainda não conhecemos. Para mim, é sobre sentir que existe um lugar, uma paixão ou um propósito ao qual pertencemos, e estar disposto a entregar tudo para alcançá-lo.”

A vocalista continua:

“Quando encontramos algo que dá sentido à nossa existência, cada passo passa a ter um objetivo. ‘I Give My Soul’ é sobre essa entrega, sobre seguir esse chamado mesmo quando ninguém ao redor consegue entender a intensidade desse desejo.”

A ideia de entrega absoluta acaba encontrando um paralelo interessante no próprio momento vivido pela banda. Se o HATEFULMURDER está entrando em uma nova fase, “I Give My Soul” parece funcionar justamente como uma declaração de intenção: não basta continuar — é preciso se transformar.

Composta pelo guitarrista e fundador Renan Campos, a música nasceu da vontade de construir algo que fosse além de simplesmente empilhar peso sobre peso.

“Queria trazer um verso em valsa, um refrão mais explosivo e uma melodia forte, que conduzisse a música por caminhos diferentes.”

A busca por novos caminhos também aparece na maneira como Renan enxerga o futuro da banda. Para ele, experimentar não significa abandonar aquilo que tornou o HATEFULMURDER reconhecível.

“Não quero fazer o mesmo disco a vida inteira. Acho importante que a banda evolua, experimente e se permita buscar coisas novas. Mas, ao mesmo tempo, não sinto que perdemos a nossa essência.”

E talvez esteja justamente aí uma das características mais interessantes dessa nova fase. Em vez de tentar encontrar uma definição confortável para o som da banda, o HATEFULMURDER parece disposto a deixar que ele continue em movimento.

“Se alguém me perguntar hoje qual é exatamente o subgênero dentro do Metal que o HATEFULMURDER faz, eu sinceramente não saberia responder”, admite Renan. “E, de certa forma, acho que isso é algo positivo. Talvez a nossa identidade esteja justamente em não precisar caber em uma única definição.”

Visualmente, o videoclipe de “I Give My Soul” acompanha essa mudança com uma estética sombria e uma performance intensa, reforçando a atmosfera da música e a presença de Giulia à frente da banda.

Mais do que apresentar uma nova formação, o lançamento sinaliza um momento de expansão para o HATEFULMURDER. A banda quer experimentar, ampliar sua sonoridade e descobrir novas possibilidades sem abrir mão da essência construída ao longo dos anos.

FORMAÇÃO TOTALMENTE ENTROSADA

Atualmente formado por Giulia Roiz (vocais), Renan Campos (guitarra), Victor Magalhães (baixo) e Thomás Martinoia (bateria), o HATEFULMURDER já mira os próximos passos: a banda se prepara para levar essa nova fase aos palcos europeus em 2027.

E se “I Give My Soul” é apenas o primeiro capítulo dessa nova história, o recado está dado: o HATEFULMURDER não pretende repetir o passado — quer descobrir o que existe depois dele.

(Pridia/30e/Divulgação)

Após 8 anos desde a última vinda, Jamiroquai faz show magistral no Nubank Parque,  em SP, embaixo de uma chuva incessante 

Texto: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

Jamiroquai protagonizou uma noite de muito groove e dança neste último domingo (13), no Nubank Park, em São Paulo. A banda liderada pelo carismático Jay Kay retornou ao país após oito anos, em um momento bastante especial: 30 anos de “Virtual Insanity”, música que ajudou a projetar o grupo mundialmente, e o anúncio de um novo álbum.

“(Don’t) Give Hate A Chance” deu o pontapé inicial, pontualmente às 21h, a energia pulsante de seu riff de baixo e imediatamente colocou o público em movimento. Na sequência, “Little L” manteve o ritmo acelerado e encontrou uma plateia completamente entregue à proposta da banda. Nem a chuva que começou a apertar naquele momento foi capaz de parar os fãs de dançar. 

O Jamiroquai possui uma assinatura sonora singular. Seu instrumental transita com naturalidade e elegância entre disco, funk, pop e rock, criando uma identidade que permanece reconhecível mesmo décadas depois. Não à toa, músicas como “Space Cowboy” e “Alright” ultrapassaram seu tempo e continuam funcionando como verdadeiros hinos. Ambas integraram o repertório da noite e receberam uma resposta efusiva dos fãs.

CARISMA SEM IGUAL!

A presença de palco de Jay Kay é um show à parte. Os movimentos do vocalista são praticamente notas musicais: tão contagiantes que, quando você menos espera, já está dançando. Há algo quase hipnótico em sua performance, como se o corpo acompanhasse naturalmente aquilo que a banda constrói musicalmente.

O vocalista também esbanjou simpatia ao assinar os discos de dois fãs que estavam na grade da pista. Além disso,  ele interagiu com a plateia através de sorrisos e indo de um lado ao outro do palco durante todo o show.  

SHOW MAIS LONGO EM COMPARAÇÃO AO ROCK IN RIO

CRUA s.a. | Foto por Alexsander Ferraz

Da amizade de duas décadas ao nascimento de uma nova identidade musical, Candy e José Mazzeo transformam experiências, liberdade criativa e rock visceral no EP “Intuição”

Alguns encontros parecem acontecer no momento exato em que precisam acontecer. No caso de CRUA s.a., o reencontro entre a cantora e compositora Candy e o multi-instrumentista José Mazzeo aconteceu depois de mais de duas décadas de história compartilhada e acabou reabrindo uma porta que Candy acreditava ter fechado.

O que começou com uma conversa entre dois velhos amigos e 13 bases instrumentais enviadas por Mazzeo se transformou em Intuição, EP que reúne sete faixas construídas a partir da combinação entre os arranjos do músico e as melodias e letras de Candy. O resultado é um trabalho que aposta no peso do rock, em riffs marcantes, vocais intensos e letras que procuram ultrapassar definições e rótulos.

A própria concepção da CRUA s.a. escapa das classificações convencionais. Para a dupla, não se trata simplesmente de uma banda, mas de um “DUAL FULL RANGE”: duas pessoas que funcionam de maneira complementar e simbiótica na criação.

O projeto também marca uma nova fase para dois artistas com décadas de trajetória musical. E, para Candy, assumir que está vivendo essa nova etapa aos 50 anos é parte fundamental da própria mensagem.

A história da CRUA s.a. começou antes mesmo de existir a ideia de um EP. José Mazzeo e Candy já haviam trabalhado juntos em uma banda cerca de 20 anos atrás, mas seguiram caminhos diferentes. Quando Mazzeo se preparava para retornar a Santos, o acaso — ou a intuição — tratou de aproximá-los novamente.

“Vi um Story da Candy, uma amiga das antigas, andando na praia, e perguntei sobre como andavam as coisas e tal, quando ela me conta que agora morava no Guarujá, cidade vizinha, na Baixada Santista”, lembra Mazzeo.

O músico enxergou naquele reencontro uma possibilidade de voltar ao cenário autoral. Ele conhecia o talento de Candy como cantora e compositora e decidiu apostar novamente na parceria. Em janeiro, enviou a ela 13 músicas completas, mas sem vocais.

Para Candy, no entanto, a ideia de voltar ao rock autoral não parecia fazer parte de seus planos.“Mazzeo fez contato comigo e me falou que voltaria pra Santos. Eu tinha mudado pra Guarujá havia seis meses. Ele me falou sobre o desejo de fazer um trampo de rock autoral, mas eu achava que isso era uma página virada na minha vida.”

Candy| Foto por Alexsander Ferraz

Até que as músicas chegaram. “Quando recebi, eu estava andando na mesma praia, na mesma vibe, que o vídeo que postei quando ele me chamou. Eu me sentei numa pedra, em frente à maré, e quando dei play fiquei extasiada. As músicas atravessaram minha corrente sanguínea e atingiram meu âmago.”

O impacto foi imediato. Em apenas 15 dias, Candy havia composto cinco melodias e letras que se encaixavam nas bases criadas por Mazzeo. “Pra mim, o momento que saquei o tamanho do nosso potencial foi quando Mazzeo me recebeu em casa e gravamos voz no estúdio dele. Foi um dia absolutamente mágico.”

Para Mazzeo, a percepção foi semelhante. “Era justamente aquilo que faltava, A Voz! Daí em diante Candy deu vida a estas músicas transformando em lindas canções.”

A forma como a CRUA s.a. se constrói também explica por que Candy e Mazzeo preferem não se definir simplesmente como uma banda.

“Acho que a gente é supercomplementar. Na real, considero nossa construção musical, simbiótica”, explica Candy. “Além disso, a forma como eu recebi as composições já era uma banda completa, Mazzeo tinha gravado tudo. Claro que quando a gente for para o palco, teremos outros músicos com a gente.”

Mazzeo amplia a definição e descreve a dupla como duas partes que dependem uma da outra para formar um todo.

“Somos duas partes interdependentes de um todo. Duas abrangências artísticas com suas singularidades e possibilidades na busca de uma identidade sonora e discursiva. Somos um conjunto binário de milhões de combinações sonoras.”

Mazzeo | Foto por Alexsander Ferraz

Para ele, a ausência de uma formação tradicional também interfere diretamente no processo criativo. “O fato de não haver uma gig formal de rock band reduz o movimento necessário de decisões até que se conclua o arranjo instrumental.”

É justamente nessa liberdade que a CRUA s.a. encontra parte de sua identidade: menos intermediários, menos convenções e mais espaço para que duas sensibilidades diferentes se encontrem.

Musicalmente, Intuição nasce de referências bastante amplas. Candy não se prende a um único universo sonoro e revela uma escuta que transita por diferentes gerações, estilos e linguagens. “Eu sou muito eclética para ouvir e absorver música, ouço muita coisa mesmo. De Luiz Gonzaga a QOTSA, Clube da Esquina a Nirvana, Luiz Melodia a Fiona Apple.”

Essa diversidade também aparece na maneira como a cantora escreve. Mais do que contar histórias específicas, ela procura transformar experiências e questionamentos pessoais em letras capazes de alcançar diferentes pessoas.“Estou pensando, vivendo e agindo como escrevo nas letras, estou na busca intensa pelo meu autoconhecimento e por achar significado na minha existência”, comenta Candy.

É dessa busca que surgiu também uma escolha importante para o EP: escrever, na maior parte das faixas, sem estabelecer gênero para os personagens das histórias. “Quis escrever letras sem gênero, onde a identificação pudesse ser ampliada”, diz Candy. 

A exceção é “Ela Quer +”, faixa inspirada na história de uma mulher trans com quem Candy teve uma conversa marcante em 2008.

Já Mazzeo parte de um repertório de referências que atravessa diferentes momentos do rock. Entre os nomes citados pelo músico estão Secos & Molhados, Tutti-Frutti, O Terço, Led Zeppelin, Jimi Hendrix, David Gilmour, Black Sabbath, Eddie Van Halen, A Perfect Circle e Limp Bizkit, além de influências da música erudita. O encontro dessas referências não resulta em uma tentativa de reproduzir o passado, mas em uma sonoridade que utiliza o rock como matéria-prima para uma nova fase.

Se Candy transforma experiências pessoais em letras, Mazzeo encontrou em Kryptus uma maneira de expandir sua própria identidade artística.

O personagem nasceu como um arquétipo e uma persona experimental. Mais do que um simples alter ego, Kryptus representa a possibilidade de explorar caminhos que não necessariamente passam pelas conexões habituais de José Mazzeo.

“Kryptus artisticamente já diz tudo por mim. Minha intenção ao criar um personagem é justamente desvincular meu Eu experimental das conexões mentais atuais, vivendo uma experiência Fora da Caixa, um gerador de riffs com a intenção de transformação, de superação.”

A criação reforça uma característica fundamental da CRUA s.a.: a disposição para experimentar sem necessariamente obedecer às expectativas sobre como um artista deve se apresentar ou se comportar.

A experiência audiovisual de Intuição também nasceu de maneira espontânea. Inicialmente, Candy e Mazzeo pretendiam realizar uma sessão de fotos e gravar um visualizer. O encontro, porém, acabou produzindo material suficiente para que cada uma das sete faixas ganhasse seu próprio vídeo. “Queríamos ter uma imagem que fosse real, que não fosse apenas uma cara gráfica em looping”, explica Candy.

A proposta era simples: um cenário, uma câmera fixa e a dupla interpretando as músicas na ordem do EP. Não havia um roteiro rígido.

“Então não tínhamos roteiro, apenas uma ideia espacial da cena, mas quando deu REC, a gente saiu interpretando, livres como somos, de forma CRUA.”

A espontaneidade acabou produzindo um resultado que surpreendeu a própria dupla. Depois de editar o vídeo de “1%”, Candy percebeu que o material havia ganhado a dimensão de um videoclipe.

“Então editei os outros seis vídeos e estão no ar, superdivertidos!”

Mais do que ilustrar as músicas, os vídeos acabam funcionando como uma extensão da proposta da CRUA s.a.: mostrar os artistas sem uma camada excessiva de elaboração, permitindo que a interpretação e a atmosfera das canções conduzam o resultado.

De volta para o futuro

Talvez a característica mais potente da CRUA s.a. esteja justamente na decisão de não tratar a maturidade como um ponto final.

A dupla faz questão de se apresentar como “duas almas de 50+”, mas Candy vai além: para ela, assumir sua idade e falar abertamente sobre a menopausa também é uma forma de confrontar o etarismo e questionar os estereótipos que ainda cercam mulheres maduras na sociedade e, especialmente, na arte.

“Faço questão de falar que sou uma mulher com 50 anos, em plena menopausa e que na verdade estou vivendo uma fase muito vibrante de transformações e recomeços.”

Para Candy, essa consciência não diminui sua potência artística. Pelo contrário.

“É muito importante trazer o etarismo à tona e quebrar o estereótipo limitante. Me sinto potente e muito capaz de realizar o que estamos fazendo. Isso se reflete na minha escrita, sem dúvida.”

A vontade de continuar criando, portanto, não nasce de uma tentativa de recuperar o passado, mas da necessidade de continuar se transformando.

“A arte pulsa nas veias e pede pra mente a expressão, a reinvenção em forma de Rock!”

E, se essa fase da vida precisasse ser resumida em um título, Candy já sabe qual seria:

“Se esse momento da minha vida fosse um título de filme, seria: ‘De Volta Para o Futuro’.”

Talvez seja justamente essa a essência da CRUA s.a. — olhar para tudo o que veio antes sem ficar presa ao passado. O reencontro entre dois amigos de longa data não resultou apenas em novas músicas, mas em uma oportunidade de descobrir o que ainda existe para ser dito, experimentado e vivido.

Em Intuição, Candy e Mazzeo transformam essa descoberta em rock: visceral, direto, livre e, acima de tudo, vivo.

Nova Twins em São Paulo - Foto: Ingrid Natalie

Duo britânico fechou a noite do evento, que também contou com apresentações de The Moniac e MC Taya, levando ao palco uma mistura poderosa de rock, punk, grime e eletrônica

O Cine Joia foi tomado por diferentes formas de expressão musical no domingo (6), durante o "É Tudo Delas", evento que reuniu The Moniac, MC Taya e Nova Twins em uma noite dedicada à potência e à diversidade de artistas mulheres. E coube à dupla britânica a missão de fechar a programação — uma responsabilidade que Amy Love e Georgia South assumiram com a intensidade que já se tornou uma de suas principais marcas.

Depois de passar pelo palco do Rock in Rio, a Nova Twins encontrou em São Paulo um cenário mais intimista. No Cine Joia, a proximidade com o público tornou a apresentação ainda mais visceral. O que se viu foi uma banda completamente entregue ao palco e uma plateia pronta para acompanhar cada grave, cada riff e cada movimento.

A escolha de “Antagonist” para abrir o setlist foi certeira. Não existe exatamente um período de adaptação em um show da Nova Twins. A banda já começa em alta voltagem e, a partir dali, constrói uma apresentação que mistura peso e groove sem se prender às fronteiras tradicionais do rock.

Nova Twins em São Paulo - Foto: Ingrid Natalie

“Cleopatra”, “Taxi” e “Soprano” mantiveram o ritmo acelerado, enquanto o baixo de Georgia South assumia um protagonismo impressionante. Seu instrumento não está ali apenas para sustentar as músicas: ele praticamente conduz boa parte da identidade sonora da Nova Twins, criando graves que fazem o público sentir a música fisicamente.

Do outro lado do palco, Amy Love é pura presença. Entre guitarra, vocais e movimentos constantes, ela domina o espaço sem precisar recorrer a excessos. Sua performance tem agressividade, sensualidade e liberdade, mas também revela uma artista que sabe exatamente como conduzir uma plateia.

Nova Twins em São Paulo - Foto: Ingrid Natalie

Da mesma Georgia South mostrou toda sua genialidade no baixo bem como o controle de distorções e outros elementos eletrônicos que engrandecem cada uma das músicas. 

Peso para ouvir. Groove para dançar

É justamente essa mistura que torna a Nova Twins tão interessante.

“Hide & Seek” e “Parallel Universe”  trouxeram momentos em que o público podia simplesmente se deixar levar pelo groove, enquanto “N.O.V.A” reforçou a personalidade da dupla.

O som passa pelo punk, rock, grime, hip-hop e elementos eletrônicos, mas não parece uma colagem de estilos. Tudo é absorvido pela identidade da banda.

E quando “K.M.B.” e “Drip” chegaram, ficou ainda mais evidente que a Nova Twins não faz música para ser apenas escutada. **É música para movimentar o corpo.

Escolha o seu lado

O título de “Choose Your Fighter” poderia facilmente ser entendido como uma provocação, mas ao vivo a faixa ganha uma dimensão quase coletiva.

A Nova Twins construiu sua carreira justamente rompendo expectativas sobre o que duas mulheres negras poderiam representar dentro do rock. No palco, essa postura aparece não como discurso distante, mas como atitude.

“Piranha” manteve a energia nas alturas, enquanto “Hummingbird” e “Monsters” mostraram outras nuances da banda antes de “Glory” encerrar a apresentação.

Foi um fechamento coerente para uma noite que colocou diferentes mulheres e diferentes sonoridades no mesmo espaço.

Um encerramento à altura de “É Tudo Delas”

Se The Moniac e MC Taya ajudaram a construir a diversidade musical do **É Tudo Delas**, a Nova Twins encerrou o evento lembrando que não existe uma única maneira de ser uma mulher no rock — muito menos uma única maneira de fazer rock.

E talvez essa seja a imagem mais marcante da noite: três projetos diferentes, três linguagens distintas e a mesma disposição para ocupar espaços que historicamente nem sempre foram oferecidos às mulheres.

No palco do Cine Joia, Amy Love e Georgia South fizeram isso da maneira que sabem melhor: com volume alto, graves pesados, atitude e uma liberdade que não pede licença.

Terceiro EP da dupla de Florianópolis aposta em uma sonoridade mais pesada, letras em português e transforma caos, ressaca e inquietação em combustível para o rock

Existe uma espécie de ressaca que não se resolve com água, café ou uma boa noite de sono. É aquela que chega depois da euforia, quando a adrenalina baixa e sobra a sensação de que talvez fosse melhor ter ficado em casa. É justamente desse lugar — entre a diversão, o caos e a inevitável queda depois da festa — que a Dirty Grills constrói Depressão Pós-Party, seu terceiro EP.

capa do EP

Entre o caos e a ressaca

Formada por Jéssica Gonçalves (voz e guitarra) e Mariel Maciel (bateria), a dupla de Florianópolis mantém aqui a urgência que já se tornou uma de suas principais características, mas dá mais um passo na direção de uma identidade própria.

Com quatro faixas, o EP aposta em uma sonoridade ainda mais pesada, explorando diferentes afinações e mostrando que, embora o punk e o garage rock continuem sendo pontos de partida, a Dirty Grills não parece interessada em permanecer presa a uma única fórmula. O resultado é um trabalho curto, direto e sem espaço para excessos — característica que, neste caso, funciona muito bem.

A faixa-título, já apresentada como single, é praticamente uma tradução musical daquela sensação de acordar depois de uma noite intensa e perceber que o cérebro decidiu cobrar a conta.

Com aproximadamente um minuto e meio, “Depressão Pós-Party” não perde tempo com introduções ou construções excessivamente elaboradas. É rápida, crua e direta ao ponto. A escolha combina perfeitamente com o tema e reforça uma característica importante da banda: a capacidade de transformar situações aparentemente banais em pequenas explosões de energia. 

A música parece passar tão rápido quanto a própria festa — só que, neste caso, deixando a ressaca como consequência.

Um dos avanços mais interessantes do EP está justamente na maneira como a Dirty Grills amplia seu campo de possibilidades.

Pela primeira vez, duas músicas do trabalho são cantadas em português. A mudança pode parecer simples, mas representa uma transformação importante para uma banda cujas principais referências vêm de fora.

Em vez de soar como uma tentativa de adequação, o português surge como uma ferramenta para aproximar ainda mais as letras da realidade que alimenta as composições. Há uma sensação maior de intimidade e, ao mesmo tempo, de identificação.

Essa aproximação fica especialmente evidente quando o EP deixa de lado a ressaca individual para olhar para o que acontece ao redor.

“Toque de recolher na Ilha”, por exemplo, aborda a repressão policial no Centro Leste, em Florianópolis, levando a Dirty Grills para um território mais explicitamente político.

O contraste com a faixa-título é interessante. Se em uma delas o caos acontece dentro da cabeça depois de uma festa, na outra ele está nas ruas e é resultado de uma realidade concreta.

A banda mostra, assim, que seu conceito de peso não está apenas nos riffs ou na bateria, mas também naquilo que escolhe colocar em suas letras.

Essa variedade temática impede que Depressão Pós-Party seja apenas uma extensão dos trabalhos anteriores.

Há espaço para falar de relacionamentos, inclusive de uma maneira mais romântica, enquanto outras músicas carregam o espírito de confronto que já faz parte da essência da dupla. Musicalmente, as diferentes afinações ajudam a criar essa sensação de movimento, fazendo com que cada faixa tenha sua própria personalidade sem comprometer a unidade do EP. 

É como se a Dirty Grills estivesse testando diferentes caminhos sem perder aquilo que faz a banda ser reconhecível.

Outro mérito está na produção. Gravado novamente no Estúdio Aurora, em São Paulo, com produção de Carlos Eduardo Freitas, o EP preserva a crueza necessária para que guitarra, bateria e vocais continuem soando orgânicos.

A produção não tenta esconder as imperfeições ou transformar o duo em algo maior do que ele precisa ser. A força está justamente no formato enxuto: duas pessoas, poucos elementos e muito barulho. E talvez seja essa a melhor definição para Depressão Pós-Party: um trabalho que entende que peso não depende de quantidade.

Crédito: @imperioteca_122

O terceiro EP deixa evidente que a dupla está em um momento de expansão. Depois de dois trabalhos anteriores, Depressão Pós-Party soa como um passo consciente em direção a uma sonoridade mais pesada e, principalmente, mais conectada à própria realidade. A decisão de incorporar o português às composições abre uma possibilidade especialmente interessante para os próximos lançamentos.

No fim, a Dirty Grills não tenta curar a ressaca. Pelo contrário: transforma o desconforto em combustível. "Depressão Pós-Party" é curto, pesado e suficientemente inquieto para deixar a sensação de que ainda há muito a ser explorado pela dupla. Se a festa inevitavelmente acaba, pelo menos a trilha sonora para o dia seguinte está garantida.