Nova Twins em São Paulo - Foto: Ingrid Natalie

Duo britânico fechou a noite do evento, que também contou com apresentações de The Moniac e MC Taya, levando ao palco uma mistura poderosa de rock, punk, grime e eletrônica

O Cine Joia foi tomado por diferentes formas de expressão musical no domingo (6), durante o "É Tudo Delas", evento que reuniu The Moniac, MC Taya e Nova Twins em uma noite dedicada à potência e à diversidade de artistas mulheres. E coube à dupla britânica a missão de fechar a programação — uma responsabilidade que Amy Love e Georgia South assumiram com a intensidade que já se tornou uma de suas principais marcas.

Depois de passar pelo palco do Rock in Rio, a Nova Twins encontrou em São Paulo um cenário mais intimista. No Cine Joia, a proximidade com o público tornou a apresentação ainda mais visceral. O que se viu foi uma banda completamente entregue ao palco e uma plateia pronta para acompanhar cada grave, cada riff e cada movimento.

A escolha de “Antagonist” para abrir o setlist foi certeira. Não existe exatamente um período de adaptação em um show da Nova Twins. A banda já começa em alta voltagem e, a partir dali, constrói uma apresentação que mistura peso e groove sem se prender às fronteiras tradicionais do rock.

Nova Twins em São Paulo - Foto: Ingrid Natalie

“Cleopatra”, “Taxi” e “Soprano” mantiveram o ritmo acelerado, enquanto o baixo de Georgia South assumia um protagonismo impressionante. Seu instrumento não está ali apenas para sustentar as músicas: ele praticamente conduz boa parte da identidade sonora da Nova Twins, criando graves que fazem o público sentir a música fisicamente.

Do outro lado do palco, Amy Love é pura presença. Entre guitarra, vocais e movimentos constantes, ela domina o espaço sem precisar recorrer a excessos. Sua performance tem agressividade, sensualidade e liberdade, mas também revela uma artista que sabe exatamente como conduzir uma plateia.

Nova Twins em São Paulo - Foto: Ingrid Natalie

Da mesma Georgia South mostrou toda sua genialidade no baixo bem como o controle de distorções e outros elementos eletrônicos que engrandecem cada uma das músicas. 

Peso para ouvir. Groove para dançar

É justamente essa mistura que torna a Nova Twins tão interessante.

“Hide & Seek” e “Parallel Universe”  trouxeram momentos em que o público podia simplesmente se deixar levar pelo groove, enquanto “N.O.V.A” reforçou a personalidade da dupla.

O som passa pelo punk, rock, grime, hip-hop e elementos eletrônicos, mas não parece uma colagem de estilos. Tudo é absorvido pela identidade da banda.

E quando “K.M.B.” e “Drip” chegaram, ficou ainda mais evidente que a Nova Twins não faz música para ser apenas escutada. **É música para movimentar o corpo.

Escolha o seu lado

O título de “Choose Your Fighter” poderia facilmente ser entendido como uma provocação, mas ao vivo a faixa ganha uma dimensão quase coletiva.

A Nova Twins construiu sua carreira justamente rompendo expectativas sobre o que duas mulheres negras poderiam representar dentro do rock. No palco, essa postura aparece não como discurso distante, mas como atitude.

“Piranha” manteve a energia nas alturas, enquanto “Hummingbird” e “Monsters” mostraram outras nuances da banda antes de “Glory” encerrar a apresentação.

Foi um fechamento coerente para uma noite que colocou diferentes mulheres e diferentes sonoridades no mesmo espaço.

Um encerramento à altura de “É Tudo Delas”

Se The Moniac e MC Taya ajudaram a construir a diversidade musical do **É Tudo Delas**, a Nova Twins encerrou o evento lembrando que não existe uma única maneira de ser uma mulher no rock — muito menos uma única maneira de fazer rock.

E talvez essa seja a imagem mais marcante da noite: três projetos diferentes, três linguagens distintas e a mesma disposição para ocupar espaços que historicamente nem sempre foram oferecidos às mulheres.

No palco do Cine Joia, Amy Love e Georgia South fizeram isso da maneira que sabem melhor: com volume alto, graves pesados, atitude e uma liberdade que não pede licença.

Terceiro EP da dupla de Florianópolis aposta em uma sonoridade mais pesada, letras em português e transforma caos, ressaca e inquietação em combustível para o rock

Existe uma espécie de ressaca que não se resolve com água, café ou uma boa noite de sono. É aquela que chega depois da euforia, quando a adrenalina baixa e sobra a sensação de que talvez fosse melhor ter ficado em casa. É justamente desse lugar — entre a diversão, o caos e a inevitável queda depois da festa — que a Dirty Grills constrói Depressão Pós-Party, seu terceiro EP.

capa do EP

Entre o caos e a ressaca

Formada por Jéssica Gonçalves (voz e guitarra) e Mariel Maciel (bateria), a dupla de Florianópolis mantém aqui a urgência que já se tornou uma de suas principais características, mas dá mais um passo na direção de uma identidade própria.

Com quatro faixas, o EP aposta em uma sonoridade ainda mais pesada, explorando diferentes afinações e mostrando que, embora o punk e o garage rock continuem sendo pontos de partida, a Dirty Grills não parece interessada em permanecer presa a uma única fórmula. O resultado é um trabalho curto, direto e sem espaço para excessos — característica que, neste caso, funciona muito bem.

A faixa-título, já apresentada como single, é praticamente uma tradução musical daquela sensação de acordar depois de uma noite intensa e perceber que o cérebro decidiu cobrar a conta.

Com aproximadamente um minuto e meio, “Depressão Pós-Party” não perde tempo com introduções ou construções excessivamente elaboradas. É rápida, crua e direta ao ponto. A escolha combina perfeitamente com o tema e reforça uma característica importante da banda: a capacidade de transformar situações aparentemente banais em pequenas explosões de energia. 

A música parece passar tão rápido quanto a própria festa — só que, neste caso, deixando a ressaca como consequência.

Um dos avanços mais interessantes do EP está justamente na maneira como a Dirty Grills amplia seu campo de possibilidades.

Pela primeira vez, duas músicas do trabalho são cantadas em português. A mudança pode parecer simples, mas representa uma transformação importante para uma banda cujas principais referências vêm de fora.

Em vez de soar como uma tentativa de adequação, o português surge como uma ferramenta para aproximar ainda mais as letras da realidade que alimenta as composições. Há uma sensação maior de intimidade e, ao mesmo tempo, de identificação.

Essa aproximação fica especialmente evidente quando o EP deixa de lado a ressaca individual para olhar para o que acontece ao redor.

“Toque de recolher na Ilha”, por exemplo, aborda a repressão policial no Centro Leste, em Florianópolis, levando a Dirty Grills para um território mais explicitamente político.

O contraste com a faixa-título é interessante. Se em uma delas o caos acontece dentro da cabeça depois de uma festa, na outra ele está nas ruas e é resultado de uma realidade concreta.

A banda mostra, assim, que seu conceito de peso não está apenas nos riffs ou na bateria, mas também naquilo que escolhe colocar em suas letras.

Essa variedade temática impede que Depressão Pós-Party seja apenas uma extensão dos trabalhos anteriores.

Há espaço para falar de relacionamentos, inclusive de uma maneira mais romântica, enquanto outras músicas carregam o espírito de confronto que já faz parte da essência da dupla. Musicalmente, as diferentes afinações ajudam a criar essa sensação de movimento, fazendo com que cada faixa tenha sua própria personalidade sem comprometer a unidade do EP. 

É como se a Dirty Grills estivesse testando diferentes caminhos sem perder aquilo que faz a banda ser reconhecível.

Outro mérito está na produção. Gravado novamente no Estúdio Aurora, em São Paulo, com produção de Carlos Eduardo Freitas, o EP preserva a crueza necessária para que guitarra, bateria e vocais continuem soando orgânicos.

A produção não tenta esconder as imperfeições ou transformar o duo em algo maior do que ele precisa ser. A força está justamente no formato enxuto: duas pessoas, poucos elementos e muito barulho. E talvez seja essa a melhor definição para Depressão Pós-Party: um trabalho que entende que peso não depende de quantidade.

Crédito: @imperioteca_122

O terceiro EP deixa evidente que a dupla está em um momento de expansão. Depois de dois trabalhos anteriores, Depressão Pós-Party soa como um passo consciente em direção a uma sonoridade mais pesada e, principalmente, mais conectada à própria realidade. A decisão de incorporar o português às composições abre uma possibilidade especialmente interessante para os próximos lançamentos.

No fim, a Dirty Grills não tenta curar a ressaca. Pelo contrário: transforma o desconforto em combustível. "Depressão Pós-Party" é curto, pesado e suficientemente inquieto para deixar a sensação de que ainda há muito a ser explorado pela dupla. Se a festa inevitavelmente acaba, pelo menos a trilha sonora para o dia seguinte está garantida.

Banda canadense de post-hardcore se apresenta em São Paulo e Curitiba em novembro, com a formação que gravou o clássico álbum de 2006

Alexisonfire, uma das bandas mais aclamadas da cena post-hardcore dos anos 2000, confirma dois shows no Brasil. A passagem pelo país faz parte da turnê que celebra os 20 anos de Crisis (2006), terceiro álbum de estúdio do grupo e responsável por ampliar seu alcance internacional. O disco inclui faixas de destaque como “This Could Be Anywhere in the World” e “Boiled Frogs”.

Com realização da Solid Music, as apresentações acontecem em São Paulo, no dia 20 de novembro, no Vibra SP, e em Curitiba, no dia 22 de novembro, no Tork n’ Roll. Os ingressos estão disponíveis pela plataforma 101 Tickets.

Lançado em 2006, Crisis marcou um importante momento na trajetória do Alexisonfire. Os dois primeiros trabalhos da banda, o homônimo Alexisonfire (2002) e Watch Out! (2004), já haviam conquistado boa repercussão no Canadá. Com o terceiro álbum, porém, o grupo ampliou sua presença internacional: além de alcançar o topo das paradas canadenses, entrou pela primeira vez na parada geral dos Estados Unidos e passou a ganhar maior reconhecimento em mercados como Reino Unido e Austrália.

Os shows no Brasil contarão com a formação que gravou Crisis: George Pettit (voz), Dallas Green (voz e guitarra), Wade MacNeil (guitarra), Chris Steele (baixo) e Jordan Hastings (bateria).

SERVIÇO: 

SÃO PAULO

Data: 20 de novembro de 2026, sexta-feira

Local: Vibra São Paulo

Endereço: Avenida das Nações Unidas, 17.955, Vila Almeida

Show: 21h30

Ingressos: 101tickets.com.br/events/details/Alexisonfire-S20-11-2026P

CURITIBA

Data: 22 de novembro de 2026, domingo

Local: Tork n’ Roll

Endereço: Avenida Marechal Floriano Peixoto, 1.695, Rebouças

Show: 20h

Ingressos: 101tickets.com.br/events/details/Alexisonfire-C22-W11-B2026

Veja o anúncio da produtora:

Ver essa foto no Instagram

Um post compartilhado por Solid Music Entertainment (@solidmusice)

The Band Feel

Com 13 faixas, álbum de estreia do quarteto norte-americano equilibra referências dos anos 1960 e 1970 com uma sonoridade contemporânea, transitando pelo rock, blues, soul e psicodelia

Existe algo particularmente interessante quando músicos jovens escolhem olhar para o passado sem necessariamente tentar reproduzi-lo. Em um momento em que o rock parece constantemente revisitar suas próprias referências, o THE BAND FEEL encontra em What Of Now uma maneira de dialogar com diferentes décadas sem transformar o álbum em uma simples homenagem ao que já foi feito.

Lançado em 21 de agosto pela Fuzzy Warbles e produzido por Paul Moak, produtor cinco vezes indicado ao Grammy, o primeiro álbum de estúdio da banda reúne 13 faixas distribuídas em pouco mais de 50 minutos. O resultado é um trabalho que passeia pelo rock clássico, blues, soul, R&B e psicodelia, alternando momentos mais diretos com outros que valorizam atmosfera, construção e experimentação.

Formado em St. Louis, Missouri, o quarteto atualmente conta com Garrett Barcus nos vocais, Tyler Armstrong na guitarra, Kadin Rea no baixo e T.J. Steinwart na bateria. A banda começou a chamar atenção antes mesmo do lançamento do álbum, acumulando milhões de visualizações nas redes sociais e dividindo palcos com nomes como ZZ Top, Cheap Trick, Dirty Honey e Rival Sons.

Logo em “Thousand Mornings”, o THE BAND FEEL estabelece a atmosfera que acompanhará boa parte do disco. A produção privilegia instrumentos orgânicos e uma sonoridade quente, enquanto os vocais de Garrett Barcus carregam a música com intensidade sem perder a naturalidade.

“Better Days” segue por uma direção mais acessível e apresenta uma das características mais interessantes do grupo: a capacidade de transformar referências vintage em algo que não soa completamente deslocado de 2026.

Essa sensação fica ainda mais evidente em “Summer Song”. A faixa tem uma leveza quase ensolarada e uma sonoridade que remete diretamente ao rock californiano dos anos 1970. Não por acaso, a Classic Rock descreveu a música como uma composição que canaliza a atmosfera de Laurel Canyon.

Mas o mérito do THE BAND FEEL está justamente em não depender apenas da nostalgia. As referências estão presentes, mas funcionam como ponto de partida para a construção de uma identidade própria.

“Twice Alive” é outro momento de destaque. A faixa apresenta uma dinâmica que permite que guitarra, baixo e bateria trabalhem juntos sem que nenhum elemento pareça excessivo. O resultado é uma música envolvente, com vocais que conduzem a composição e ajudam a criar uma atmosfera quase cinematográfica.

Em seguida, “The Way Out” e “Stay Around” ampliam essa sensação. Enquanto a primeira trabalha uma construção mais progressiva, “Stay Around” aposta em uma estrutura mais imediatamente envolvente.

É justamente nessa alternância que What Of Now encontra boa parte de sua força. O álbum não precisa manter a mesma intensidade durante os seus quase 51 minutos. Pelo contrário: ele entende que o contraste entre momentos mais enérgicos e passagens contemplativas é fundamental para criar uma experiência mais completa.

“Answers” mantém essa proposta, enquanto “Libel”, com apenas dois minutos, funciona quase como uma pequena vinheta dentro da narrativa do disco. A sequência ganha ainda mais significado com “What of Then”, de apenas 1min43s, preparando o terreno para a faixa que dá nome ao álbum.

“What of Now”: o centro do álbum

Com 10 minutos e 15 segundos, “What of Now” é a composição mais longa do disco e também uma das que melhor representam a ambição artística do THE BAND FEEL.

A música não tem pressa. Em vez de buscar imediatamente um refrão explosivo, a banda trabalha a tensão gradualmente, permitindo que os instrumentos construam o clima até que a composição encontre seu próprio ápice.

Essa característica já podia ser percebida nas apresentações ao vivo do grupo antes do lançamento do álbum. Em uma apresentação realizada em 2025, a música foi descrita como uma composição de construção lenta, capaz de criar tensão justamente por adiar a resolução.

E talvez seja esse o melhor exemplo de que What Of Now não pretende ser apenas um álbum de músicas fáceis de consumir. Há espaço para desenvolvimento, silêncio, repetição e atmosfera.

O título também ganha um peso maior nesse contexto. Se “What of Then”, imediatamente anterior, olha para aquilo que ficou para trás, “What of Now” parece deslocar a discussão para o presente. O passado está claramente presente na sonoridade do grupo, mas a pergunta central permanece: o que fazemos com tudo isso agora?

Depois da faixa-título, “Libby Hill” devolve o álbum a uma dimensão mais intimista. A presença do violão e a abordagem mais contemplativa mostram outro lado do grupo, que também já havia sido explorado nas apresentações ao vivo da banda. “A Forever with You” segue por um caminho igualmente delicado antes de “Heavy Echo” encerrar o álbum.

O encerramento é significativo porque não tenta necessariamente terminar a experiência com uma explosão. Em vez disso, a faixa funciona como uma espécie de eco — pesado, mas também melancólico — de tudo aquilo que foi construído ao longo do disco. E é justamente essa sensação que permanece depois que What Of Now chega ao fim.

The Band Feel

O passado como ponto de partida

O THE BAND FEEL certamente não esconde suas referências. É possível encontrar ecos de diferentes vertentes do rock dos anos 1960 e 1970, além de elementos de soul, blues e psicodelia. Comparações com nomes como Led Zeppelin e The Black Crowes, inclusive, já apareceram em avaliações das apresentações da banda. Mas reduzir What Of Now a um álbum de revival seria injusto.

O grupo parece compreender que nostalgia, sozinha, não sustenta uma carreira. É preciso transformar essas influências em algo que faça sentido para quem está ouvindo agora. E essa talvez seja a principal qualidade do disco.

A própria banda resume essa intenção ao falar sobre sua relação com diferentes gerações: “Para a geração mais velha, estamos despertando nostalgia, e para a geração mais jovem, estamos criando nostalgia”, como definiu o guitarrista Tyler Armstrong.

What Of Now é, portanto, um álbum que olha para trás sem permanecer preso ao passado. O THE BAND FEEL recupera a textura, a liberdade e a organicidade do rock clássico, mas apresenta tudo isso através da perspectiva de uma banda jovem que está construindo sua própria história.

Mais do que tentar reinventar o rock, o quarteto parece interessado em lembrar por que esse gênero continua sendo tão fascinante: pela guitarra que chama atenção, pelo vocal que transmite emoção, pela bateria que conduz a música e, principalmente, pela capacidade de criar uma conexão que não depende de época.

Em 'What Of Now', o THE BAND FEEL mostra que algumas sonoridades podem até pertencer ao passado, mas continuam tendo muito a dizer sobre o presente.

Ouça 'What Of Now' na íntegra:

Com os novos anúncios, o line-up chega a 11 atrações confirmadas. Além dos três nomes revelados agora, o festival já havia anunciado Floor Jansen, Lacuna Coil, Quiet Riot, Metal Church, Soen, KK's Priest, W.E.T. e Blaze Bayley. E, como de costume, novas confirmações ainda devem ser divulgadas.

Uma das grandes novidades é a presença do suíço Eluveitie, banda formada em 2002 pelo multi-instrumentista Chrigel Glanzmann e reconhecida por combinar o peso do death metal melódico com elementos da música tradicional celta.

Instrumentos como gaita de foles, flautas, violino e hurdy-gurdy fazem parte da identidade do grupo, que ganhou projeção internacional especialmente a partir de “Slania” (2008) e da faixa “Inis Mona”.

Ao longo de mais de duas décadas de carreira, o Eluveitie explorou diferentes facetas de sua sonoridade em trabalhos como Everything Remains (As It Never Was), Helvetios, Origins, Ategnatos e nos projetos acústicos Evocation I – The Arcane Dominion e Evocation II – Pantheon.

O álbum mais recente, “ÀNV”, lançado em 2025, marcou duas décadas de trajetória e reforçou a conexão da banda com a mitologia e as tradições celtas. No Bangers Open Air, o grupo promete transportar essa mistura de metal extremo e elementos folclóricos para o palco do festival.

Soilwork retorna ao Brasil com mais de três décadas de história

O grupo lançou seu primeiro álbum, Steelbath Suicide, em 1998, mas foi no início dos anos 2000 que ganhou maior projeção internacional, especialmente com “A Predator's Portrait” (2001) e “Natural Born Chaos” (2002). Já o álbum Stabbing the Drama, de 2005, consolidou definitivamente a banda na cena internacional.

Durante sua carreira, o Soilwork passou por diferentes fases sem abrir mão da combinação entre agressividade, técnica e melodias marcantes. Entre seus trabalhos mais recentes estão The Living Infinite, The Ride Majestic, Verkligheten, A Whisp of the Atlantic e “Övergivenheten”, de 2022.

Atualmente formado por Björn “Speed” Strid, Sylvain Coudret, Simon Johansson, Rasmus Ehrnborn, Bastian Thusgaard e Sven Karlsson, o grupo trabalha no sucessor de Övergivenheten e terá no Bangers Open Air uma nova oportunidade de reencontrar os fãs brasileiros.

Fechando o novo anúncio está o alemão Kanonenfieber, projeto criado em 2020, em Bamberg, que apresenta uma das propostas mais particulares do metal extremo contemporâneo.

Liderado pelo músico conhecido como Noise, o grupo combina elementos de black metal e death metal melódico com uma atmosfera cinematográfica e uma forte identidade visual inspirada na Primeira Guerra Mundial.

A proposta vai além da música. O Kanonenfieber utiliza cartas, documentos e relatos reais para construir narrativas sobre soldados e os horrores dos campos de batalha. A banda mantém a identidade de seus integrantes em segredo e aposta em uniformes históricos, máscaras e uma apresentação teatral para criar uma experiência imersiva.

A discografia conta com trabalhos como Menschenmühle (2021), Die Urkatastrophe (2024) e “Soldatenschicksale” (2026). No Bangers Open Air 2027, a expectativa é de um show que combine peso, dramaticidade e elementos visuais para apresentar ao público histórias de soldados anônimos e o lado humano por trás dos conflitos históricos.

Uma quantidade limitada de ingressos na modalidade Early Bird está disponível excepcionalmente nesta quarta-feira (26). Já a venda geral acontece em 4 de setembro, às 10h, incluindo pela primeira vez a opção Single Day, para quem deseja acompanhar apenas um dos dias do festival.

Os ingressos serão vendidos pela plataforma Clube do Ingresso, com informações sobre valores, setores e condições disponíveis no site oficial de vendas.

Com Eluveitie, Soilwork e Kanonenfieber, o Bangers Open Air amplia seu repertório de estilos e reforça a proposta de reunir diferentes vertentes do metal em dois dias de programação. E, com apenas 11 nomes anunciados até agora, ainda há espaço para que o line-up de 2027 fique ainda mais robusto.