Flow retorna ao Anime Friends, Sangatsu no Phantasia estreia no Brasil e WOLF HOWL HARMONY integra a programação do AF Festival 2026, núcleo musical do maior evento de cultura pop asiática da América do Sul

O Anime Friends 2026 já começa a desenhar aquela que promete ser a edição mais ambiciosa de sua trajetória. Entre os dias 2 e 5 de julho, o Distrito Anhembi, em São Paulo, volta a se transformar em um grande ponto de encontro da cultura pop asiática na América do Sul. Como parte da programação, a Maru Division revelou recentemente alguns dos nomes que irão integrar o AF Festival 2026, núcleo musical do evento.

Já confirmados anteriormente, Burnout Syndromes, Asian Kung-Fu Generation, Hanabie, MUCC e Galileo Galilei agora dividem espaço com novos nomes anunciados para o line-up: Flow, Sangatsu no Phantasia e Wolf Howl Harmony.

"WE'RE FIGHTING DREAMERS": O RETORNO DO FLOW AO ANIME FRIENDS

Flow - Foto: divulgação

Após conquistar o público em passagens anteriores pelo Brasil, o Flow retorna ao Anime Friends para fechar o sábado, 4 de julho, do AF Festival 2026. O repertório deve revisitar músicas que se tornaram verdadeiros hinos entre fãs de anime, com temas de Naruto, Code Geass e Eureka Seven.

ESTREIA DE SANGATSU NO PHANTASIA EM SOLO BRASILEIRO ABRINDO O SÁBADO NO ANIME FRIENDS 2026

Sangatsu no Phantasia - Foto: divulgação

Centrado na vocalista Mia, o projeto Sangatsu no Phantasia surgiu em 2015 com a proposta de transformar sentimentos em música, explorando narrativas sobre começos e finais. Desde então, o grupo passou a se destacar pela abordagem sensível e autoral, conectando diferentes linguagens artísticas por meio de um conceito que une música, romance e ilustração. O resultado é uma experiência imersiva que combina storytelling, identidade visual marcante e uma sonoridade delicada e emocional.

Com músicas que acumulam milhões de visualizações e participações em trilhas de animes como Kiznaiver, Re:Creators e The Honor Student at Magic High School, o Sangatsu no Phantasia se consolidou como um dos projetos mais expressivos dessa vertente musical.

WOLF HOWL HARMONY LEVA SUA MISTURA DE DANÇA E VOCAIS AO ANIME FRIENDS 2026 NO DOMINGO

Wolf Howl Harmony - Foto: divulgação

Formado por Ryoji, Suzuki, Ghee e Hiroto, o Wolf  Howl Harmony surgiu a partir do projeto iCON Z, da LDH JAPAN, chamando atenção pela mistura de R&B, hip-hop e pop contemporâneo. Desde o debut com “Sweet Rain”, em 2023, o quarteto vem conquistando espaço com faixas como “Sugar Honey”, “Frozen Butterfly” e “Love Triangle”, além do álbum WOLF (2025).

Em 2026, o grupo segue ampliando seu alcance internacional com o EP tera e o lançamento de “Gachi Funk”. A conexão com o Brasil também torna a estreia no Anime Friends ainda mais especial: o integrante GHEE possui ascendência brasileira, referência que aparece inclusive no videoclipe da faixa.

Anime Friends 2026

Quando: 2 a 5 de julho de 2026

Onde: Distrito Anhembi - R. Prof. Milton Rodrigues, s/n - Santana - São Paulo

Ingressos: https://www.ticket360.com.br/ 

Pontos de venda:

• Sugoi City: Galeria Sogo Plaza - Rua Galvão Bueno, 40 – Mezanino – Liberdade
• Akiba Station: Rua Thomaz Gonzaga, 18 - Liberdade

Mais informações: https://animefriends.com.br/

Erudica - Foto: divulgação

Em entrevista ao Female Rock Squad, Patrik e Caroline comentam o processo criativo da Erudica, a construção da identidade sonora da banda, o impacto do EP Master Of Chaos e os planos para "Burnt Imperium" primeiro álbum completo em 2026

Em um cenário onde o metal contemporâneo muitas vezes oscila entre a repetição de fórmulas e a busca por identidade, a Erudica surge como um ponto de tensão interessante — e necessário. Nascida fora do eixo tradicional da cena brasileira, a banda constrói sua sonoridade a partir do encontro entre peso técnico, ambição estética e um discurso que não se contenta com o superficial.

Mais do que apostar apenas no impacto sonoro, o grupo articula uma proposta que transita entre o agressivo e o atmosférico, sustentada por composições que carregam inquietações sociais e existenciais. Nesse contexto, o contraste vocal de Caroline — que percorre com naturalidade o gutural, o melódico e o lírico — não soa como recurso ornamental, mas como extensão direta da identidade da banda.

Com o single “Gaia” funcionando como um primeiro manifesto e o EP "Master Of Chaos" consolidando um direcionamento conceitual mais claro, a Erudica começa a desenhar um caminho que equilibra narrativa, técnica e intenção. Agora, com uma formação de caráter global e planos concretos de expansão internacional, o grupo entra em uma fase decisiva — não apenas de crescimento, mas de afirmação artística.

Foi sobre esse processo de construção, identidade e próximos passos que conversamos com Patrik e Caroline.

FRS: Para quem está conhecendo a banda pela primeira vez: como surgiu a ideia do projeto? 

Patrik:  A Erudica nasceu de uma vontade que eu e a Carol tínhamos em comum de criar algo que unisse peso, técnica e conteúdo. Desde o início, a gente queria ir além do som agressivo e trazer também reflexão nas letras. Quando começamos a desenvolver as primeiras ideias juntos, a identidade da banda foi surgindo de forma bem natural.

FRS: Como funciona o processo de composição para Erudica? É algo colaborativo ou cada um chega responsável por um elemento específico da música?

Patrik: Hoje é bem colaborativo. Muitas vezes eu levo riffs ou estruturas iniciais, mas todo mundo contribui bastante. A Carol trabalha muito as linhas vocais e as melodias, e os outros integrantes também trazem suas influências. No final, tudo passa por todo mundo.

FRS: O alcance vocal da Caroline transita entre o gutural, o operístico e o melódico com muita naturalidade. Isso foi algo que vocês construíram pensando na identidade da banda ou surgiu de forma mais intuitiva durante o processo criativo?

Caroline: Foi totalmente natural. Eu sempre tive essa mistura de influências, tanto do gutural quanto do lírico e do melódico. Quando começamos a compor, vimos que dava pra explorar tudo isso dentro da banda, e acabou virando uma identidade muito forte da Erudica.

FRS: O single “Gaia” (2023) foi o primeiro grande cartão de visitas da banda. Em que medida esse lançamento moldou o rumo que a Erudica decidiu seguir depois?

Patrik: “Gaia” foi um ponto de virada pra gente. Ali ficou muito claro qual era o caminho que queríamos seguir — unir peso com atmosfera e trazer uma mensagem forte. A resposta do público também ajudou a consolidar isso.

Patrik: Essa música nasceu de uma inquietação minha com temas como manipulação e poder. Eu queria algo direto e intenso, tanto na parte musical quanto na mensagem. Foi uma das composições mais viscerais que fizemos.

FRS: Não por acaso, "Master Of Chaos" também intitula o primeiro EP da Erudica que também traz as músicas “Echoes Of Desolation” e “From The Blood We Arise. As faixas tem abordagens diferentes dentro do metal. Vocês pensaram esse trabalho como um conceito fechado ou como um retrato do momento da banda?

Caroline: Foi sim pensado como um trabalho conceitual. Desde o início, a gente quis explorar temas como a ganância humana, a sede por poder, manipulação e as consequências disso tudo na sociedade. Cada faixa aborda uma perspectiva diferente dentro dessa ideia, mas todas estão conectadas por esse fio condutor. Mesmo com identidades próprias, elas se complementam e constroem uma narrativa maior ao longo do EP.

FRS: A formação atual da banda conta com o baterista Micael Souza, de Portugal, e do baixista Dragos Iulian, da Romênia. Quão impactante foi para a sonoridade do Erudica a chegada desses dois músicos e qual a importância dessa identidade global?

Patrik: Muito significativo. Cada um trouxe influências diferentes, tanto culturais quanto musicais. Isso acabou enriquecendo bastante o nosso som. Essa mistura também reforça a ideia de que a banda não tem fronteiras.

FRS: "Burnt Imperium", o primeiro álbum completo, chega em 2026. Em comparação com o EP, vocês pretendem aprofundar a sonoridade atual ou explorar novos caminhos?

Caroline: Os dois. A gente quer manter a essência da Erudica, mas também explorar novas possibilidades — tanto vocais quanto musicais. É um passo natural de evolução.

FRS: Por fim, com a agenda de shows já se expandindo pela Europa, como vocês enxergam o equilíbrio entre carreira internacional e presença no Brasil?

Patrik: É um desafio, mas também uma prioridade. O Brasil é a nossa base, então a gente quer continuar presente. Ao mesmo tempo, expandir pra fora é essencial. A ideia é conseguir equilibrar bem esses dois lados.

A artista brasileira N4T! segue expandindo sua presença na cena alternativa internacional com o lançamento de “BRAINDEAD!”, novo single gravado em Los Angeles em colaboração com Jayden Seeley, vocalista da banda australiana With Confidence. A faixa chega como mais um passo importante na construção da identidade sonora da cantora, que vem apostando em uma combinação entre estética moderna e referências clássicas do pop-punk dos anos 2000.

Exaustão emocional transformada em energia pop-punk

“BRAINDEAD!” mergulha nas consequências emocionais de relações tóxicas, abordando o desgaste psicológico de tentar lidar com pessoas que constantemente transferem culpa e tensão para o outro. A proposta confessional da música aparece de forma direta na declaração da artista: “Essa música é pra quando você já cansou de tentar entender alguém.”

A sonoridade acompanha essa intensidade emocional através de guitarras marcantes, batidas aceleradas e um refrão imediato, criando uma faixa de forte apelo emocional sem abrir mão da energia característica do gênero.

Influências dos anos 2000 com abordagem contemporânea

Embora dialogue claramente com o pop-punk da década de 2000, “BRAINDEAD!” evita soar apenas nostálgica. A produção aposta em uma estética atual, alinhada ao movimento de revitalização do gênero no cenário internacional. A participação de Jayden Seeley reforça ainda mais essa conexão com a cena global ligada à Hopeless Records, selo reconhecido por lançar nomes importantes do rock alternativo contemporâneo.

Destaque internacional antes mesmo do lançamento

Antes mesmo de chegar oficialmente às plataformas digitais, a música já começava a ganhar visibilidade fora do Brasil. “BRAINDEAD!” foi selecionada para o Fresh Picks da Idobi Radio, uma das principais rádios voltadas à cena alternativa mundial.

O destaque reforça o crescimento internacional de N4T!, que já realizou apresentações fora do país e prepara o lançamento de um novo EP ainda este ano. Com “BRAINDEAD!”, a artista consolida uma proposta que une vulnerabilidade emocional, identidade visual forte e uma sonoridade capaz de dialogar diretamente com o público da nova geração do rock alternativo.

Ouça “BRAINDEAD!”:

Dave Mustaine - Foto: Ingrid Natalie

No Espaço Unimed, banda liderada por Dave Mustaine entrega show técnico, intenso e carregado de significado emocional

Despedidas carregam um peso inevitável — e, quando atravessam décadas de história, tornam-se mais do que um fim: viram um ritual coletivo. Foi exatamente essa atmosfera que tomou conta do Espaço Unimed, em São Paulo, no último sábado (02), durante a apresentação do Megadeth. Em meio à turnê “This Was Our Life”, o que se viu não foi um adeus declarado, mas uma recusa quase unânime em encerrar esse capítulo.

No centro dessa resistência está Dave Mustaine, figura que carrega no corpo e na trajetória as marcas de uma carreira construída entre excessos, superação e reinvenção. Sua presença em palco, ainda que mais contida em comparação a décadas anteriores, segue imponente — menos explosiva, talvez, mas carregada de intenção e controle.

Megadeth durante show em São Paulo - Foto: Ingrid Natalie

ABERTURA AVALASSADORA

A abertura, às 21h35, apostou em "Tipping Point", faixa do álbum "Megadeth" lanaçado em janeiro de 2026, prontamente reconhecida pelo público, que respondeu em coro com uma precisão quase ensaiada. Era o primeiro sinal de que, naquela noite, a conexão não dependeria apenas da nostalgia. Em seguida, “The Conjuring” trouxe um peso mais sombrio e técnico, evidenciando a afinação cirúrgica da banda e arrancando uma das primeiras grandes reações da plateia.

Clássicos como “Hangar 18” reafirmaram o virtuosismo que consolidou o nome do grupo dentro do thrash metal, com solos executados com precisão milimétrica e dinâmica impecável. Já “She-Wolf” e "Sweating Bullets" encerraram o primeiro bloco com riffs cortantes e um público completamente entregue, transformando a pista em um organismo coletivo pulsante.

REPERTÓRIO EQUIBILIBRADO ENTRE CLÁSSICOS E NOVIDADES

O set seguiu com escolhas inteligentes, equilibrando o previsível e o surpreendente. De um lado, momentos quase obrigatórios para quem acompanha o Megadeth ao vivo — como a dobradinha “Wake Up Dead” e “In My Darkest Hour”, recebidas com entusiasmo imediato —; de outro, faixas menos recorrentes, mas longe de serem descartáveis, como “Dread and the Fugitive Mind” e “Hook in Mouth”, que reforçaram o peso e a complexidade do repertório. Do álbum mais recente, ainda tiveram "I Don't Care" e "Let There Be Shred".

Megadeth durante show em São Paulo - Foto: Ingrid Natalie

BANDA EM TOTAL SINTONIA 

À frente do Megadeth, Dave Mustaine segue como figura central, mas sem monopolizar o palco. Há uma dinâmica mais generosa em cena: ao abrir espaço para Teemu Mäntysaari nos solos, especialmente no centro do palco, Mustaine contribui diretamente para que o guitarrista finlandês se mostre cada vez mais seguro — algo que se soma à sua já evidente precisão técnica.

No baixo, James LoMenzo adiciona peso e presença com um timbre encorpado e uma postura energética que sustenta a base do show com consistência. Já Dirk Verbeuren transforma a complexidade rítmica característica da banda em algo quase fluido: sua execução faz com que estruturas intrincadas soem naturais, como se fossem, de fato, simples.

RIDE THE LIGHTNING: O MOMENTO QUE TODOS ESPERARAM

Um dos momentos mais simbólicos da noite veio com a execução de “Ride the Lightning”. Originalmente lançada pela Metallica em 1984, a faixa ganhou uma nova leitura ao integrar o álbum Megadeth (2026) como regravação. Ao vivo, sua presença transcende o aspecto musical: funciona como um gesto de reconciliação histórica, ressignificando uma composição ligada diretamente às origens turbulentas de Mustaine. É um instante em que passado e presente colidem — e se reorganizam diante do público.

ENCERRAMENTO PREVISÍVEL, MAS TOTALMENTE EFICAZ

O encerramento seguiu um roteiro previsível — mas ainda assim eficaz. “Peace Sells” e “Holy Wars… The Punishment Due” funcionaram como hinos incontestáveis, conduzindo a plateia a um estado de catarse coletiva difícil de rivalizar. Antes da despedida, Dave Mustaine se dirigiu ao público com um agradecimento direto, afirmando a conexão com São Paulo ao declarar que a noite havia sido especial — e que, ali, eles “foram o Megadeth”.

Em “Peace Sells”, o elemento visual ganhou protagonismo com a entrada de duas versões de Vic Rattlehead no palco — uma vestida de preto, outra de branco — em referência estética à nova fase da banda. A interação com o público e os músicos adicionou um caráter quase teatral ao momento, ampliando o impacto de um desfecho que, embora esperado, soube explorar bem seus próprios símbolos.

Dave Mustaine - Foto: Ingrid Natalie

SERÁ MESMO UMA DESPEDIDA?

Seria injusto cravar que este tenha sido o último show do Megadeth no Brasil. A apresentação única teve ingressos esgotados rapidamente — impulsionada não apenas pelo discurso de despedida, mas também pela sólida e duradoura popularidade da banda no país. No fim das contas, o que se viu na noite de 2 de maio, em São Paulo, esteve longe de soar como um adeus definitivo. Para um público que respondeu com intensidade do início ao fim, ficou a sensação de um “até logo” — daqueles que ainda carregam a promessa de retorno.

SETLIST:

• Tipping Point
• The Conjuring
• Hangar 18
• She-Wolf
• Sweating Bullets
• I Don’t Care
• Dread and the Fugitive Mind
• Wake Up Dead
• In My Darkest Hour
• Hook in Mouth
• Let There Be Shred
• Symphony of Destruction
• Tornado of Souls
• Mechanix
• Ride the Lightning (Metallica)

• Peace Sells
• Holy Wars… The Punishment Due

Aléxia - Crédito: Vitor Duik

Cantora entrega um álbum consistente que transita entre intensidade sonora e mergulho pessoal

Por: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

Aléxia chega sem pedir licença: com Garra, seu disco de estreia lançado na última sexta-feira, 30 de abril, a artista se projeta como um nome em ascensão no rock nacional. Em 14 faixas, ela transforma vivências pessoais em matéria-prima sonora e conduz o ouvinte por um percurso íntimo, denso e pulsante — onde o peso do heavy metal encontra a energia do pop e a carga emocional do rock alternativo.

Natural de Tatuí, no interior paulista, Aléxia expõe sem filtros as próprias fragilidades ao longo do disco, mergulhando em temas como luto e amor. “Sempre tive dificuldade de expor meus sentimentos e fragilidades — odiei por muito tempo me sentir vulnerável. Essas faixas falam de luto e de amor, temas que me expõem completamente. Mas eu sou essa pessoa. Eu sinto as coisas demais, é minha força e minha fraqueza”, revela.

O CONCEITO A PARTIR DA CAPA DO ÁLBUM

A capa do álbum evidencia a temática das músicas. Ela parte da ideia de uma cicatriz deixada pela ferida da garra de um “monstro”, mas que se transforma em força no final. A imagem apresenta a garra de um “monstro” que fere a artista, símbolo que, para Aléxia, não retrata apenas uma pessoa ou um trauma específico. “Esse ‘monstro’ representa todas as pessoas e situações que já me fizeram mal, inclusive eu mesma. Eu já fui esse ‘monstro’ na minha própria história. Agora eu sigo com minhas cicatrizes e aceitando que tudo que me aconteceu me trouxe aqui”, afirma Aléxia.

Foto da capa: André Cruz

RECONHECER SENTIMENTOS É PARTE DA CURA

A abertura com “Ansiedade” chega cortante, guiada por riffs de guitarra que ecoam a urgência de recomeçar. Em seguida, “Seja Você” amplia esse discurso ao transformar autenticidade em mantra, sustentada por um refrão que gruda e encontra fácil espelho no ouvinte e chegou acompanhada de videoclipe oficial. Assista:

O SENSO DE PERTENCIMENTO E A CURA INTERNA

“Nós contra o mundo” apresenta uma abordagem mais suave, com arranjos que começam minimalistas e se expandem gradualmente, incorporando camadas instrumentais que ampliam a intensidade emocional da faixa. O crescimento é acompanhado por uma interpretação vocal mais aberta de Alexia, que transforma a música em um ponto de respiro dentro do disco, especialmente para quem se reconhece em narrativas de solidão e pertencimento. 

Na sequência, “Fevereiro” mantém a atmosfera mais introspectiva da faixa anterior, mas desloca o foco para um plano ainda mais pessoal. A canção se destaca pelo caráter confessional da letra, em que Alexia abandona metáforas mais amplas e se aproxima de um relato direto sobre o luto, reforçado por uma interpretação vocal mais melódica e vulnerável.

PARTICIPAÇÃO ESPECIAL DE MI VIEIRA (GLÓRIA)

A faixa "I Don't Wanna Die" é um grito de quem está se reconstruindo e entendendo o valor da vida e ambientado em uma sonoridade pesada e visceral. É uma canção interessante e que conta com a participação de Mi Vieira, vocalista do Glória que enriquece a narrativa da letra com seu vocal gutural e agressivo. 

OS CLONFITOS DAS RELAÇÕES RETRATADOS DE FORMA GENUÍNA

“Monstro” surge como um dos momentos mais intensos do disco, tanto na construção sonora quanto na carga emocional. Com riffs densos e uma interpretação vocal impecável, Alexia dá forma a conflitos das relações humanas, transformando o “monstro” em metáfora para ações que não podem mais ser contidas. A mesma linha segue na faixa “1x1” que praticamente complementa a sua faixa antecessora.

AMOR, EMPODERAMENTO E PERSISTÊNCIA 

Se aproximando do desfecho, “Letra e Música” revela um lado mais afetivo de Alexia, estruturada como uma declaração de amor que equilibra sensibilidade e intensidade, sustentada por arranjos que crescem sem perder clareza emocional. Na sequência, “Cereja” muda o eixo temático ao apostar em uma abordagem mais assertiva, com uma mensagem de empoderamento feminino conduzida por uma entrega direta e segura. O encerramento com “Game Over” retoma o peso com uma explosão de energia, flertando com o heavy metal em sua dinâmica acelerada e encerrando o disco com uma afirmação de resistência e persistência.

UM ÁLBUM COESO, MADURO E COM IDENTIDADE

Em um cenário onde estreias muitas vezes ainda tateiam identidade, Garra se destaca pela segurança com que Alexia constrói seu discurso artístico. Sem abrir mão da intensidade, a cantora equilibra peso e sensibilidade em um trabalho que não apenas apresenta suas influências, mas aponta caminhos possíveis dentro do rock nacional contemporâneo. O saldo final é de um álbum consistente, expressivo e promissor — que estabelece bases sólidas para os próximos passos da artista.