Em “Palace For The People”, o quarteto norte-americano aposta na grandiosidade do rock clássico, explora novas texturas e reafirma sua identidade — mas nem sempre transforma ambição em evolução

Existe uma diferença entre manter viva a chama do rock e encontrar novas maneiras de fazê-la incendiar o presente. Desde que surgiu em Frankenmuth, Michigan, o Greta Van Fleet assumiu a missão de devolver ao rock uma dimensão épica, apoiada em guitarras expansivas, vocais exuberantes e uma reverência evidente aos grandes nomes do passado. Com "Palace For The People", seu quarto álbum de estúdio, a banda continua construindo esse universo. A questão é se, depois de tantas paredes erguidas, ainda há espaço para ampliar os horizontes.

Lançado em 9 de outubro, o disco sucede Starcatcher (2023) e apresenta 13 faixas distribuídas em quase uma hora de música. Sob a produção de Mike Elizondo, o quarteto formado por Josh Kiszka, Jake Kiszka, Sam Kiszka e Danny Wagner investe em arranjos elaborados, passagens atmosféricas e momentos que parecem concebidos para ocupar arenas. A proposta é ambiciosa, mas o resultado revela uma contradição: enquanto a banda demonstra maior segurança na execução de sua linguagem, nem sempre parece disposta a desafiar os próprios limites.

A introdução instrumental de “Into The Beginning” abre as portas desse palácio com uma atmosfera cinematográfica. Mais do que uma música independente, a faixa funciona como um convite para o universo que o Greta Van Fleet pretende construir. É uma abertura coerente com a proposta, embora a familiaridade de sua abordagem não demore a aparecer.

Em “Tear It Down”, a banda trabalha a tensão gradualmente, permitindo que o instrumental cresça até desembocar em um solo de guitarra de Jake Kiszka. A escolha por uma construção menos apressada valoriza a dinâmica da composição e mostra que o grupo não precisa recorrer a explosões constantes para sustentar a atenção. O refrão direto contrasta com a expansão instrumental, criando um equilíbrio que funciona.

Já “Heart and the Beat” evidencia a força do quarteto como unidade. As mudanças de andamento, as pausas estratégicas e a entrada contundente da bateria de Danny Wagner conferem à música uma dinâmica especialmente envolvente. Aqui, a técnica não aparece como mero exercício de virtuosismo: cada instrumento contribui para a construção de uma faixa que cresce organicamente e tem potencial para ganhar ainda mais força ao vivo.

É justamente nesses momentos que o Greta Van Fleet demonstra o quanto evoluiu como banda. O problema não está na ausência de competência, mas na sensação de que essa competência poderia ser utilizada para chegar a lugares menos previsíveis.

Quando menos também pode ser grandioso

Se o disco encontra conforto na exuberância, “Boughten Bliss” oferece uma mudança de perspectiva. Conduzida por violões e acompanhada por arranjos de cordas, a faixa desloca o foco para a interpretação de Josh Kiszka e para a dimensão emocional da composição. Em vez de disputar espaço com uma instrumentação monumental, a voz encontra terreno para respirar.

O contraste é importante porque evidencia uma das qualidades mais interessantes do álbum: a capacidade de alternar intensidades sem abandonar completamente sua identidade. Josh continua sendo uma presença vocal incontornável, mas a contenção permite que sua interpretação revele nuances que poderiam se perder em meio a tantos excessos.

“Field of Stars” e “Dreams You Hold” mantêm a atmosfera expansiva do repertório, transitando entre melodias amplas e arranjos que reforçam o caráter grandioso do projeto. Em alguns momentos, porém, a impressão é de que a banda conhece tão bem a fórmula que acaba antecipando os próprios movimentos. O impacto permanece, mas a surpresa diminui.

Essa questão se torna mais evidente em “Play Your Games”. A faixa aposta na intensidade vocal característica de Josh, cuja interpretação ocupa o centro da composição. Sua entrega é inegavelmente marcante, mas a insistência em registros extremos pode soar excessiva, especialmente quando a performance parece buscar o impacto pelo impacto. Nem toda música precisa alcançar o limite para demonstrar força.

Um dos caminhos mais interessantes de "Palace For The People" aparece em “Lost in the Golden”. A utilização de escalas que evocam sonoridades do Oriente Médio cria uma atmosfera distinta, afastando momentaneamente o repertório das referências mais imediatamente associadas ao blues e ao rock clássico. A guitarra de Jake ganha destaque nesse cenário, demonstrando que a identidade do grupo comporta outras possibilidades sem precisar ser descartada.

“Touch Again” retoma a intensidade, enquanto “Saw You Stand” investe em uma construção melódica que cresce até assumir proporções de uma balada de rock. A faixa incorpora elementos de “Anyone Who Had a Heart”, clássico de Burt Bacharach e Hal David, e os conduz para uma interpretação mais dramática. O resultado reforça a habilidade do grupo para trabalhar contrastes e construir momentos de forte apelo emocional.

Assista ao clipe da música "Saw You Stand":

Essas escolhas sugerem que o Greta Van Fleet não está interessado em abandonar a tradição que o formou. A questão é como dialogar com ela sem permanecer preso às mesmas referências. Afinal, inspiração é ponto de partida; identidade artística também depende da capacidade de transformar influências em algo que só aquela banda poderia produzir.

Na reta final, “Heya” e “Call My Own” ajudam a conduzir o álbum até “Born Into This”. Com mais de seis minutos, a faixa de encerramento assume proporções de uma pequena ópera rock, alternando intervenções orquestrais e solos elaborados de Jake. É um desfecho que sintetiza a vocação do quarteto para o espetáculo, reunindo boa parte dos elementos que atravessam o disco: teatralidade, dramaticidade e a busca por uma sonoridade que ultrapasse os limites convencionais do hard rock.

O título Palace For The People sugere um espaço coletivo, aberto à experiência humana e às diferentes formas de conexão. A própria banda associa o projeto a temas como humanidade, resiliência e transcendência. Musicalmente, essa intenção se manifesta na alternância entre passagens intimistas e composições monumentais, como se o grupo tentasse acomodar diferentes dimensões da experiência em uma mesma estrutura.

O resultado, entretanto, não é inteiramente uniforme. Há momentos em que a combinação de guitarra, voz e arranjos orquestrais encontra uma dimensão verdadeiramente envolvente. Em outros, a grandiosidade parece funcionar como um objetivo em si, e não como consequência natural das composições.

É importante reconhecer que amadurecer artisticamente não significa necessariamente romper com tudo o que veio antes. O Greta Van Fleet construiu uma assinatura reconhecível, e "Palace For The People" demonstra que o quarteto domina os recursos que sustentam essa identidade. Ainda assim, quando uma banda chega ao quarto álbum de estúdio com tamanha capacidade técnica e ambição, é natural esperar que o próximo passo não seja apenas reproduzir a fórmula com mais sofisticação.

O disco não representa uma reinvenção, tampouco precisa ser tratado como uma tentativa frustrada de fazê-la. Trata-se de um trabalho que encontra seus melhores momentos quando permite que as composições respirem, experimentem e estabeleçam relações menos óbvias entre seus elementos. É nessas brechas que aparece o Greta Van Fleet mais interessante: não apenas aquele que reverencia a história do rock, mas o que demonstra potencial para acrescentar algo a ela.

No fim, "Palace For The People" é um palácio de portas abertas, sustentado por músicos talentosos e por uma compreensão sólida do poder do rock em sua forma mais teatral. Mas suas paredes ainda carregam ecos conhecidos. O próximo desafio do Greta Van Fleet não é construir algo maior — é descobrir o que existe além dos próprios alicerces.

Ouça o álbum na íntegra:

jonabug por Giulia Geyer

Em entrevista ao Female Rock Squad, a banda do interior de São Paulo fala sobre o processo de criação de Torpor, composição em português, a experiência no Lollapalooza e os caminhos que a levaram até esta nova fase

Depois de apresentar ao público o álbum três tigres tristes, lançado em 2025, a Jonabug abre um novo capítulo de sua trajetória com o EP Torpor. O trabalho marca não apenas uma nova coleção de músicas, mas também uma mudança na dinâmica criativa da banda, que passou a contar com Thales Leite na segunda guitarra.

Produzido, mixado e masterizado por Roberto Kramer, Torpor mergulha em sentimentos íntimos e transformações, ao mesmo tempo em que amplia as possibilidades sonoras exploradas pelo grupo. A nova fase chega depois de um momento importante para a banda: a participação no Lollapalooza Brasil 2026, experiência que colocou a Jonabug ainda mais em evidência e levou o som da banda de Marília para um público maior.

Em conversa com o Female Rock Squad, Marilia, Dennis e Samuel falam sobre liberdade criativa, composição em português e inglês, o caráter catártico das músicas, a experiência no Lollapalooza, a parceria com Roberto Kramer e os próximos passos da banda.

FRS: O EP Torpor apresenta uma dinâmica diferente em relação ao álbum três tigres tristes, inclusive pela entrada do Thales na segunda guitarra. Como essa mudança interferiu no processo de composição e gravação?

Marilia: Torpor foi muito colaborativo. Ele é diferente do álbum porque, na época do três tigres tristes, éramos um trio. Agora temos o Thales, então a dinâmica de composição mudou bastante com a entrada de mais uma pessoa. O Roberto Kramer também teve uma participação muito importante na produção, mixagem e masterização. Ele trouxe muitas ideias e direcionamentos.

A gente ainda tem pouca experiência de estúdio e os trabalhos anteriores também foram gravados no mesmo estúdio, então foi um processo de muito aprendizado. Estamos muito felizes com o resultado e, ao mesmo tempo, bastante ansiosos para ver como as pessoas vão receber.

FRS: A Jonabug surgiu depois de uma mudança de direção musical em relação à Yellow Guava. O que vocês sentiam que estava faltando e encontraram na nova banda?

Marilia: Liberdade criativa. Na Yellow Guava, a gente sentia que estava muito preso a fazer uma coisa só. Com a Jonabug, conseguimos experimentar coisas diferentes. Temos músicas mais leves, outras mais pesadas. Também foi uma mudança pessoal. Estávamos saindo da adolescência e entrando na vida adulta. As coisas começaram a ficar mais sérias, e isso também apareceu na música.

FRS: O álbum três tigres tristes, lançado em 2025, reuniu músicas compostas em momentos diferentes. Que retrato vocês queriam deixar registrado naquele trabalho?

Marilia: A gente queria mostrar nossa música e nossa capacidade musical. As músicas foram sendo acumuladas ao longo do tempo. Algumas já tocávamos havia dois anos quando gravamos.

Dennis: Algumas foram reestruturadas, mudaram bastante, outras foram cortadas ou substituídas. Também teve música que foi feita pouco antes da gravação.

Marilia: Era uma espécie de compilação das músicas que tínhamos composto e aprimorado ao longo do tempo. Queríamos mostrar tudo o que conseguíamos fazer: músicas pesadas, músicas leves, em inglês, em português. Queríamos mostrar a nossa verdadeira vibe.

FRS: Vocês transitam entre português e inglês. O português traz uma liberdade diferente para falar sobre sentimentos ou existe também uma responsabilidade maior por estar falando diretamente com o público brasileiro?

Marilia: As palavras em português têm mais peso. Quando canto em português, sinto que estou realmente encarando aquilo. Em inglês, às vezes parece que estou “dublando o sentimento”. Nos shows, também percebo isso. O público canta mais as músicas em português e muitas pessoas pedem que a gente faça mais músicas assim.

Mas não vamos parar de fazer músicas em inglês. Eu cresci estudando inglês e aprendi muito da pronúncia através das músicas. Só que, em português, sinto uma responsabilidade maior de conseguir me conectar com as pessoas daqui e com quem fala português.

FRS: As músicas de Torpor lidam com transformações e questões bastante íntimas. Até que ponto compor e tocar essas músicas ajuda vocês a lidar com a própria vida? A música funciona como uma espécie de cura?

Marilia: Para mim, cada música é como tirar um peso dos ombros. Quando tocamos ao vivo, é muito catártico. É como se eu conseguisse tirar um pouco daquele sentimento de dentro de mim.

Dennis: Acho que a gente continua tirando esse estresse e esse peso nos shows. É uma forma de ressignificar as coisas.

Samuel: Na composição, a Marilia e o Dennis geralmente chegam com a guitarra, o baixo ou a letra, e eu tento entender o que aquela música conversa comigo. Não necessariamente o significado da letra, mas o sentimento que os acordes e a melodia passam. Para mim, compor também é uma forma de expressar sentimentos. Like and Be Free, por exemplo, é uma música triste, mas termina em uma explosão. É aquela sensação de “já estou muito triste, não aguento mais isso e vou simplesmente explodir”. Colocar isso na música, na composição, na bateria e na melodia vocal é uma maneira de expressar o que estou sentindo.

FRS: Entre as músicas de Torpor, qual vocês estão mais ansiosos para tocar ao vivo?

Samuel: Eu já toquei 'I Can't Be With You', inclusive no Lollapalooza, e talvez seja a minha favorita do EP. Gosto muito do resultado, da composição e da bateria. A estrutura é parecida com a original, mas fizemos algumas mudanças na guitarra e nos vocais, e a letra também mudou. Depois de tanto tempo tocando as músicas de três tigres tristes — por dois anos, dois anos e meio — é muito legal ter músicas novas. Agora o público vai conhecer essas músicas, vai poder formar uma roda, se divertir. Estou muito ansioso para tocar essa ao vivo.

Dennis: Eu estou bastante ansioso para 'Is This the End'. A gente já tocou, então quero muito ver a reação do público. Também tem 'Entre o Certo e o Errado', com participação da Cidade Dormitório, que nunca tocamos ao vivo. Para nós mesmos ela ainda é muito nova.

Marilia: Acho que estou mais ansiosa por 'Entre o Certo e o Errado'. Todas as outras já tocamos. Nessa, vou cantar a parte que era do Yvis, então vamos precisar usar alguns efeitos para preencher algumas coisas que existem na gravação e que nem sempre conseguimos reproduzir ao vivo.

FRS: A participação no Lollapalooza Brasil 2026 foi um momento importante para a banda. Como vocês receberam o convite e como foi viver aquela experiência?

Dennis: O convite chegou por uma mensagem no Instagram. Um curador do Lollapalooza, o Marcelo, mandou perguntando como poderia fazer para colocar a Jonabug no Lolla 2026. A gente pensou: “Isso aí é golpe!”. Não conhecíamos o Marcelo e simplesmente chegou uma mensagem aleatória no Instagram.

Samuel: Foi muito difícil acreditar.

Dennis: A gente passou o contato, a Marilia conversou com ele e depois tudo foi formalizado por e-mail. E aconteceu. Depois do anúncio, foi uma loucura. A publicação teve uma repercussão enorme e saímos em vários portais, inclusive portais da cidade. Foi a primeira vez que tivemos esse tipo de alcance.

Marilia: Foi muito bonito porque a cidade inteira comemorou o fato de uma banda daqui estar no Lollapalooza. Foi uma vitória coletiva.

Dennis: No dia do show, encontramos amigos, bandas parceiras e fãs. Também teve muita gente que conheceu a banda ali. Foi uma experiência muito positiva.

FRS: Vocês vêm de Marília e construíram boa parte desse caminho de forma independente. Quais pessoas, bandas, produtores, espaços ou iniciativas foram fundamentais para que a Jonabug chegasse até aqui?

Samuel: É difícil citar todo mundo. Desde a nossa primeira viagem do interior para São Paulo até aproximadamente dois anos depois, quando começamos a nos virar sozinhos, muita gente ajudou.

Amigos ofereciam casa para a gente dormir e ajudavam a economizar dinheiro. Fotógrafos faziam fotos e vídeos como amigos mesmo. Produtores colocavam a gente em eventos e davam oportunidades. Os espaços também foram fundamentais.

No começo das nossas viagens para São Paulo, tínhamos um EP e dois singles, mas já tínhamos mais músicas. Levar nosso show para a capital foi muito importante.

Samuel: Sim. A imprensa, os portais, os blogs, pessoas como você fazendo entrevistas. Tivemos a sorte de encontrar um ecossistema muito bom. Somos muito gratos a todas as pessoas que ajudaram, que gostaram da banda ou simplesmente simpatizaram com o nosso trabalho. Cada uma teve um papel essencial.

FRS: Roberto Kramer já trabalhou com nomes como Rancore e Terno Rei e teve uma participação importante em Torpor. O que ele acrescentou ao processo de vocês?

Dennis: O Roberto acrescentou muita coisa. Entre o Certo e o Errado era a música mais incompleta. A gente pediu ajuda para ele na construção, e ele trouxe referências que gostávamos, mas que ainda não tínhamos conseguido conectar à música. Ele mostrou caminhos. Ajudou nas guitarras, nos timbres, nos equipamentos, nos pedais, na bateria. Foi muito foda.

Marilia: Ele também foi muito paciente e dava conselhos de uma forma muito construtiva. A gravação trouxe muito conhecimento para a gente e contribuiu para nosso crescimento como músicos. Foi muito importante poder falar “não sei o que estou fazendo” e ele conseguir nos orientar. Quando acontecia algum erro, ele também sabia lidar muito bem com a situação.

capa do EP pela artista  Nicole Wünsch

FRS: A identidade visual de Torpor também chama atenção, especialmente pelo contraste entre o azul e o vermelho. Como nasceu esse conceito?

Marilia: Depois que terminamos a gravação, sentimos que o EP seria azul. Queríamos uma identidade visual mais séria e abstrata. O vermelho dentro do azul veio de uma inspiração na capa de Kid A, do Radiohead. Para nós, o vermelho fazia sentido com o conceito de “torpor”. A ideia era sermos um ponto vermelho dentro do azul, “numa geração fria”, enquanto as músicas trazem sentimento. A Nicole entendeu exatamente o que queríamos e criou dentro dessa proposta. Ela também fez o flyer da turnê e o encarte do CD. A Nic é top. Trabalharia com ela novamente com certeza.

FRS: Depois de Torpor, quais são os próximos passos da Jonabug? Já podemos esperar uma turnê?

Marilia: A turnê do EP será anunciada na próxima semana. Teremos muitas datas até janeiro do ano que vem, passando por lugares novos e também por lugares onde já tocamos. Também teremos shows com bandas que admiramos. Para o ano que vem, queremos muito chegar ao Nordeste e já estamos estruturando isso. Vai ter bastante coisa acontecendo.

FRS: Se vocês pudessem voltar ao início da Jonabug e conversar com aqueles três músicos que estavam começando, o que diriam para eles?

Samuel: Talvez nada. Todos os erros que cometemos fizeram parte do caminho. Como banda do interior, cada proposta para tocar na capital brilha muito aos nossos olhos, mas nem toda proposta é boa. A gente aprendeu também com as experiências ruins. Se mudássemos alguma coisa do passado, talvez nossas composições fossem diferentes. Então estamos satisfeitos com o caminho que percorremos.

Marilia: Eu também não diria nada. Acho que tudo aconteceu por uma razão. E tudo o que ainda não aconteceu não aconteceu por uma razão também. Vai acontecer no tempo certo.

Dennis: É isso. Viver um dia de cada vez.

jonabug por Giulia Geyer

Crédito: Ashtronot

Após 22 anos sem lançar um álbum de estúdio, banda liderada por Alex Band aposta em melodias grandiosas, letras confessionais e no rock sentimental que marcou os anos 2000

Há bandas que se tornam parte da memória afetiva de uma geração. Basta ouvir os primeiros acordes de uma de suas canções para que o tempo recue, trazendo de volta amores, despedidas e aquela sensação de que algumas músicas parecem compreender sentimentos que nem sempre conseguimos explicar. O The Calling é uma dessas bandas. Em 2001, “Wherever You Will Go” ultrapassou as fronteiras do rock alternativo e transformou o grupo em um dos nomes mais reconhecidos do início do milênio.

Mais de duas décadas depois de Two (2004), Alex Band retorna com Before The World Turns To Dust, terceiro álbum de estúdio da banda, lançado em 25 de setembro de 2026. Com 15 faixas, o disco marca a retomada de uma trajetória interrompida por anos de dificuldades pessoais, profissionais e criativas. Ao lado do guitarrista Daniel Damico e do baixista Dom Liberati, o vocalista revisita os elementos que construíram a identidade do The Calling, sem tentar se adaptar às tendências atuais. 

Mas existe uma questão inevitável diante de um retorno tão aguardado: reencontrar a própria essência é suficiente para construir um novo capítulo?

Desde os primeiros momentos de Before The World Turns To Dust, fica evidente que Alex Band não pretende reinventar a banda. O disco se apoia na combinação entre guitarras melódicas, refrões expansivos, arranjos que crescem progressivamente e uma interpretação vocal carregada de emoção. É a fórmula que aproximou o grupo de milhões de ouvintes e que continua sendo seu principal trunfo.

“Stand Up Now” abre o trabalho com energia e uma mensagem de superação, estabelecendo o tom de um álbum que parece interessado em transformar dificuldades em combustível para seguir adiante. Já “Finally” carrega um significado especial dentro desse contexto: o próprio título sugere a sensação de finalmente conseguir concluir algo que permaneceu suspenso durante anos. 

Existe algo genuinamente interessante nessa retomada. Em vez de perseguir uma sonoridade contemporânea a qualquer custo, o The Calling assume sua identidade e trabalha a partir dela. O problema é que, em alguns momentos, a familiaridade também limita as possibilidades do disco. A mesma estrutura que favorece a identificação imediata pode tornar a experiência previsível quando as composições não encontram caminhos suficientemente distintos entre si.

“Dust”: entre a conexão emocional e a sombra de um clássico

Se existe uma faixa que sintetiza a proposta do álbum, é “Dust”. A canção aborda a importância da conexão humana em um mundo que parece desmoronar, contrapondo a instabilidade da existência à permanência dos sentimentos. A escolha é coerente com a trajetória do grupo: poucas bandas associadas ao rock dos anos 2000 construíram uma identidade tão ligada à vulnerabilidade emocional e às grandes declarações de amor.

Entretanto, “Dust” também carrega o peso de uma comparação inevitável. Sua construção melódica e a maneira como o refrão se expande evocam “Wherever You Will Go”, o maior sucesso da banda. A semelhança pode funcionar como uma ponte para os ouvintes que acompanharam o grupo desde o início, mas também levanta dúvidas sobre o quanto o The Calling consegue avançar para além de sua própria história.

A questão não é exigir que Alex Band abandone aquilo que o tornou reconhecível. É compreender que a nostalgia, embora poderosa, não substitui a necessidade de novas perspectivas. “Dust” encontra força justamente naquilo que a banda sempre fez bem, mas deixa no ar a impressão de que o passado ainda exerce uma influência considerável sobre o presente.

O álbum ganha diferentes nuances quando se afasta dos momentos mais expansivos. “Don't You Cry” começa sustentada pelo violão antes de incorporar elementos elétricos e desembocar em um refrão emotivo. A dinâmica reforça uma das características mais eficientes do The Calling: a capacidade de transformar arranjos relativamente simples em canções de forte apelo sentimental.

“Hold On Me” retoma a combinação entre guitarras marcantes e os vocais expressivos de Band, enquanto “Strange” mantém a intensidade que atravessa boa parte do repertório. Em “Stay”, o andamento mais moderado favorece uma abordagem intimista, centrada na vulnerabilidade e no desejo de ser alguém melhor para quem se ama.

Esses momentos demonstram que o grupo ainda compreende a arquitetura de uma boa canção pop rock. Há cuidado com os refrões, atenção à progressão dos arranjos e uma busca constante por melodias que permaneçam na memória depois que a música termina.

Por outro lado, a repetição de estruturas semelhantes compromete a variedade do conjunto. Quando tantas faixas percorrem caminhos próximos — introduções contidas, crescimento gradual, guitarras em destaque e explosões emocionais nos refrões —, o álbum corre o risco de perder impacto ao longo de seus 50 minutos.

A familiaridade, nesse caso, tem dois lados: aproxima o ouvinte, mas também diminui o fator surpresa.

Entre os momentos mais breves do repertório, “Runyon Skies”, “11th Hour” e “Saudade” funcionam como interlúdios instrumentais que interrompem a sequência de canções completas. O destaque simbólico fica com “Saudade”, título em português que carrega um significado particularmente expressivo para o público brasileiro.

A palavra não encontra uma tradução perfeita em outros idiomas porque envolve mais do que a ausência: há nela memória, afeto, distância e a consciência de que determinadas experiências não podem ser reproduzidas exatamente como aconteceram.

Nesse sentido, o título conversa com a própria natureza do álbum. Before The World Turns To Dust é um disco sobre continuar, mas também sobre reconhecer aquilo que o tempo transforma. O retorno do The Calling não apaga os anos de silêncio nem recupera a banda exatamente como ela existia em 2004. O que existe agora é uma nova formação ao redor de Alex Band, carregando uma identidade musical construída muito antes deste reencontro.

É uma perspectiva interessante, ainda que o álbum nem sempre explore toda a profundidade que essa ideia poderia oferecer.

Um retorno que olha para trás para continuar em frente

O encerramento com “The Fool That You Are” e “How Long” reforça a vocação emocional do The Calling. A primeira aprofunda o lado confessional do repertório, enquanto a última recupera características associadas à sonoridade mais tradicional da banda, encerrando o disco dentro de um território familiar.

O resultado é um trabalho que privilegia a continuidade em vez da ruptura. Alex Band não tenta transformar o The Calling em algo que nunca foi. Há mérito nessa decisão, sobretudo em uma indústria que frequentemente pressiona artistas veteranos a atualizar sua sonoridade para permanecerem relevantes.

Ainda assim, Before The World Turns To Dust oscila entre a segurança de reencontrar uma fórmula conhecida e a dificuldade de apresentar uma identidade suficientemente renovada. O álbum tem melodias acessíveis, refrões envolventes e momentos capazes de despertar a nostalgia de quem cresceu ouvindo a banda. Falta, porém, maior diversidade entre as composições para que a experiência se mantenha igualmente interessante do início ao fim.

Depois de 22 anos, o The Calling finalmente entrega um novo álbum de estúdio. E isso, por si só, torna o lançamento significativo para uma banda cuja história parecia ter ficado presa em outra época. Mas o valor desse retorno não está apenas em recuperar uma sonoridade que marcou gerações. Está também na possibilidade de descobrir o que ainda pode ser feito com ela.

Em Before The World Turns To Dust, o passado permanece vivo — às vezes como força, às vezes como limite. O The Calling reencontra sua essência, mas deixa uma pergunta para o futuro: será que ainda existe espaço para escrever uma nova história, ou a banda continuará tentando prolongar a beleza de uma que já conhecemos de cor?

Porque, quando o mundo parece prestes a virar pó, a nostalgia pode nos lembrar de onde viemos. Para nos levar adiante, porém, precisamos de algo além das lembranças.

Novo single revisita pessoas, memórias e momentos que moldaram a trajetória do artista e inaugura uma nova fase sob a Roc Nation

Jackson Wang abre um novo capítulo de sua trajetória artística com “Thank You”, single que chega acompanhado de um videoclipe marcado pela memória, pela intimidade e, principalmente, pela presença de quem esteve ao seu lado ao longo do caminho: seus fãs.

Dirigido por Ojun Kwon, o vídeo coloca Jackson e admiradores de diferentes partes do mundo no centro de uma narrativa em preto e branco que funciona quase como uma viagem pelas diferentes versões do artista que ele foi — e por tudo aquilo que o trouxe até aqui. Assista ao videoclipe:

“Thank You” marca o primeiro lançamento musical de Jackson desde que assinou com a poderosa empresa de entretenimento Roc Nation. “Estamos muito felizes em receber Jackson Wang em nossa família aqui na Roc Nation”, afirma o fundador Jay-Z. “Ele é um artista incrível, com uma determinação muito especial, e mal podemos esperar para ver o que ele fará a seguir.”

UMA CARTA DE AGRADECIMENTO EM FORMATO DE MÚSICA: 

Filmado em preto e branco com o iPhone 18 Pro, o videoclipe de “Thank You” nos mostra um Jackson mais intimista, que percorre diferentes fases de sua vida enquanto reflete sobre as pessoas e os momentos que o acompanharam ao longo de sua carreira. A música é uma homenagem aos seus fãs e apoiadores, quando juntamente estabelece o começo de um novo capítulo em sua trajetória artística.

OS FÃS SE TRANSFORMARAM EM PROTAGONISTAS:

Para Jackson, trazer seus maiores apoiadores para o projeto foi uma parte fundamental da mensagem da música. Fãs de mais de 80 países se inscreveram para participar do videoclipe, e 30 pessoas do Brasil, China, Estados Unidos, Austrália, México, Reino Unido e outros países foram escolhidas para estar ao lado dele nas gravações.

Cada personagem, figurino e círculo apresentado no videoclipe representa uma pessoa, memória ou capítulo que teve um papel na vida de Jackson. O visual faz referência a diferentes momentos de sua trajetória, desde seus primeiros anos na ginástica e na esgrima, passando por memórias de sua infância e sua evolução como artista, até sua carreira musical internacional e o novo capítulo com a Roc Nation.

Com “Thank You”, Jackson revisita as experiências que o levaram até este momento enquanto abre as portas para tudo o que está por vir.

Jackson Wang e fãs na gravação do videoclipe de "Thank You"

DEPOIS DE REVISTAR O PASSADO, JACKSON PARECE PRONTO PARA OLHAR PARA FRENTE

Hatefulmurder - Foto: divulgação

Novo single, que chega acompanhado de videoclipe, apresenta uma sonoridade mais agressiva e marca uma nova fase da banda com Giulia Roiz nos vocais

O HATEFULMURDER está pronto para virar a página — e faz isso sem economizar no peso. No dia 18 de setembro, a banda lançou “I Give My Soul”, novo single que chega acompanhado de um videoclipe de grande produção e inaugura uma fase mais agressiva de sua trajetória.

A faixa integra o novo EP “Death Made Us Better”, formado por quatro músicas e previsto para chegar ao público no final de 2026. Mais do que apresentar uma nova composição, porém, “I Give My Soul” funciona como uma espécie de cartão de visitas para a atual formação e para as possibilidades que ela abre.

A chegada de Giulia Roiz aos vocais provocou mudanças perceptíveis na identidade sonora do HATEFULMURDER. Conhecida por transitar entre vocais limpos, drives e guturais, a cantora acrescenta novas camadas à sonoridade da banda, criando um contraste entre momentos melódicos e explosões de peso.

O resultado é uma banda que parece menos preocupada em permanecer dentro de uma fórmula e mais interessada em descobrir até onde pode levar suas próprias referências.

Em “I Give My Soul”, riffs mais encorpados dividem espaço com melodias marcantes e uma construção dinâmica, enquanto os vocais alternam intensidade e melodia. Há ecos daquela combinação entre agressividade e técnica que marcou momentos importantes do metal extremo melódico — mas o HATEFULMURDER utiliza esses elementos para construir sua própria linguagem.

A temática da faixa também conversa diretamente com essa ideia de transformação. Segundo Giulia, a letra parte do conceito de “Sehnsucht”, palavra alemã usada para descrever um anseio profundo, quase como uma saudade de algo que ainda não conhecemos.

“A música é sobre o Sehnsucht, uma palavra alemã que representa um anseio profundo, quase como uma saudade de algo que ainda não conhecemos. Para mim, é sobre sentir que existe um lugar, uma paixão ou um propósito ao qual pertencemos, e estar disposto a entregar tudo para alcançá-lo.”

A vocalista continua:

“Quando encontramos algo que dá sentido à nossa existência, cada passo passa a ter um objetivo. ‘I Give My Soul’ é sobre essa entrega, sobre seguir esse chamado mesmo quando ninguém ao redor consegue entender a intensidade desse desejo.”

A ideia de entrega absoluta acaba encontrando um paralelo interessante no próprio momento vivido pela banda. Se o HATEFULMURDER está entrando em uma nova fase, “I Give My Soul” parece funcionar justamente como uma declaração de intenção: não basta continuar — é preciso se transformar.

Composta pelo guitarrista e fundador Renan Campos, a música nasceu da vontade de construir algo que fosse além de simplesmente empilhar peso sobre peso.

“Queria trazer um verso em valsa, um refrão mais explosivo e uma melodia forte, que conduzisse a música por caminhos diferentes.”

A busca por novos caminhos também aparece na maneira como Renan enxerga o futuro da banda. Para ele, experimentar não significa abandonar aquilo que tornou o HATEFULMURDER reconhecível.

“Não quero fazer o mesmo disco a vida inteira. Acho importante que a banda evolua, experimente e se permita buscar coisas novas. Mas, ao mesmo tempo, não sinto que perdemos a nossa essência.”

E talvez esteja justamente aí uma das características mais interessantes dessa nova fase. Em vez de tentar encontrar uma definição confortável para o som da banda, o HATEFULMURDER parece disposto a deixar que ele continue em movimento.

“Se alguém me perguntar hoje qual é exatamente o subgênero dentro do Metal que o HATEFULMURDER faz, eu sinceramente não saberia responder”, admite Renan. “E, de certa forma, acho que isso é algo positivo. Talvez a nossa identidade esteja justamente em não precisar caber em uma única definição.”

Visualmente, o videoclipe de “I Give My Soul” acompanha essa mudança com uma estética sombria e uma performance intensa, reforçando a atmosfera da música e a presença de Giulia à frente da banda.

Mais do que apresentar uma nova formação, o lançamento sinaliza um momento de expansão para o HATEFULMURDER. A banda quer experimentar, ampliar sua sonoridade e descobrir novas possibilidades sem abrir mão da essência construída ao longo dos anos.

FORMAÇÃO TOTALMENTE ENTROSADA

Atualmente formado por Giulia Roiz (vocais), Renan Campos (guitarra), Victor Magalhães (baixo) e Thomás Martinoia (bateria), o HATEFULMURDER já mira os próximos passos: a banda se prepara para levar essa nova fase aos palcos europeus em 2027.

E se “I Give My Soul” é apenas o primeiro capítulo dessa nova história, o recado está dado: o HATEFULMURDER não pretende repetir o passado — quer descobrir o que existe depois dele.