Banda canadense de post-hardcore se apresenta em São Paulo e Curitiba em novembro, com a formação que gravou o clássico álbum de 2006

Alexisonfire, uma das bandas mais aclamadas da cena post-hardcore dos anos 2000, confirma dois shows no Brasil. A passagem pelo país faz parte da turnê que celebra os 20 anos de Crisis (2006), terceiro álbum de estúdio do grupo e responsável por ampliar seu alcance internacional. O disco inclui faixas de destaque como “This Could Be Anywhere in the World” e “Boiled Frogs”.

Com realização da Solid Music, as apresentações acontecem em São Paulo, no dia 20 de novembro, no Vibra SP, e em Curitiba, no dia 22 de novembro, no Tork n’ Roll. Os ingressos estão disponíveis pela plataforma 101 Tickets.

Lançado em 2006, Crisis marcou um importante momento na trajetória do Alexisonfire. Os dois primeiros trabalhos da banda, o homônimo Alexisonfire (2002) e Watch Out! (2004), já haviam conquistado boa repercussão no Canadá. Com o terceiro álbum, porém, o grupo ampliou sua presença internacional: além de alcançar o topo das paradas canadenses, entrou pela primeira vez na parada geral dos Estados Unidos e passou a ganhar maior reconhecimento em mercados como Reino Unido e Austrália.

Os shows no Brasil contarão com a formação que gravou Crisis: George Pettit (voz), Dallas Green (voz e guitarra), Wade MacNeil (guitarra), Chris Steele (baixo) e Jordan Hastings (bateria).

SERVIÇO: 

SÃO PAULO

Data: 20 de novembro de 2026, sexta-feira

Local: Vibra São Paulo

Endereço: Avenida das Nações Unidas, 17.955, Vila Almeida

Show: 21h30

Ingressos: 101tickets.com.br/events/details/Alexisonfire-S20-11-2026P

CURITIBA

Data: 22 de novembro de 2026, domingo

Local: Tork n’ Roll

Endereço: Avenida Marechal Floriano Peixoto, 1.695, Rebouças

Show: 20h

Ingressos: 101tickets.com.br/events/details/Alexisonfire-C22-W11-B2026

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The Band Feel

Com 13 faixas, álbum de estreia do quarteto norte-americano equilibra referências dos anos 1960 e 1970 com uma sonoridade contemporânea, transitando pelo rock, blues, soul e psicodelia

Existe algo particularmente interessante quando músicos jovens escolhem olhar para o passado sem necessariamente tentar reproduzi-lo. Em um momento em que o rock parece constantemente revisitar suas próprias referências, o THE BAND FEEL encontra em What Of Now uma maneira de dialogar com diferentes décadas sem transformar o álbum em uma simples homenagem ao que já foi feito.

Lançado em 21 de agosto pela Fuzzy Warbles e produzido por Paul Moak, produtor cinco vezes indicado ao Grammy, o primeiro álbum de estúdio da banda reúne 13 faixas distribuídas em pouco mais de 50 minutos. O resultado é um trabalho que passeia pelo rock clássico, blues, soul, R&B e psicodelia, alternando momentos mais diretos com outros que valorizam atmosfera, construção e experimentação.

Formado em St. Louis, Missouri, o quarteto atualmente conta com Garrett Barcus nos vocais, Tyler Armstrong na guitarra, Kadin Rea no baixo e T.J. Steinwart na bateria. A banda começou a chamar atenção antes mesmo do lançamento do álbum, acumulando milhões de visualizações nas redes sociais e dividindo palcos com nomes como ZZ Top, Cheap Trick, Dirty Honey e Rival Sons.

Logo em “Thousand Mornings”, o THE BAND FEEL estabelece a atmosfera que acompanhará boa parte do disco. A produção privilegia instrumentos orgânicos e uma sonoridade quente, enquanto os vocais de Garrett Barcus carregam a música com intensidade sem perder a naturalidade.

“Better Days” segue por uma direção mais acessível e apresenta uma das características mais interessantes do grupo: a capacidade de transformar referências vintage em algo que não soa completamente deslocado de 2026.

Essa sensação fica ainda mais evidente em “Summer Song”. A faixa tem uma leveza quase ensolarada e uma sonoridade que remete diretamente ao rock californiano dos anos 1970. Não por acaso, a Classic Rock descreveu a música como uma composição que canaliza a atmosfera de Laurel Canyon.

Mas o mérito do THE BAND FEEL está justamente em não depender apenas da nostalgia. As referências estão presentes, mas funcionam como ponto de partida para a construção de uma identidade própria.

“Twice Alive” é outro momento de destaque. A faixa apresenta uma dinâmica que permite que guitarra, baixo e bateria trabalhem juntos sem que nenhum elemento pareça excessivo. O resultado é uma música envolvente, com vocais que conduzem a composição e ajudam a criar uma atmosfera quase cinematográfica.

Em seguida, “The Way Out” e “Stay Around” ampliam essa sensação. Enquanto a primeira trabalha uma construção mais progressiva, “Stay Around” aposta em uma estrutura mais imediatamente envolvente.

É justamente nessa alternância que What Of Now encontra boa parte de sua força. O álbum não precisa manter a mesma intensidade durante os seus quase 51 minutos. Pelo contrário: ele entende que o contraste entre momentos mais enérgicos e passagens contemplativas é fundamental para criar uma experiência mais completa.

“Answers” mantém essa proposta, enquanto “Libel”, com apenas dois minutos, funciona quase como uma pequena vinheta dentro da narrativa do disco. A sequência ganha ainda mais significado com “What of Then”, de apenas 1min43s, preparando o terreno para a faixa que dá nome ao álbum.

“What of Now”: o centro do álbum

Com 10 minutos e 15 segundos, “What of Now” é a composição mais longa do disco e também uma das que melhor representam a ambição artística do THE BAND FEEL.

A música não tem pressa. Em vez de buscar imediatamente um refrão explosivo, a banda trabalha a tensão gradualmente, permitindo que os instrumentos construam o clima até que a composição encontre seu próprio ápice.

Essa característica já podia ser percebida nas apresentações ao vivo do grupo antes do lançamento do álbum. Em uma apresentação realizada em 2025, a música foi descrita como uma composição de construção lenta, capaz de criar tensão justamente por adiar a resolução.

E talvez seja esse o melhor exemplo de que What Of Now não pretende ser apenas um álbum de músicas fáceis de consumir. Há espaço para desenvolvimento, silêncio, repetição e atmosfera.

O título também ganha um peso maior nesse contexto. Se “What of Then”, imediatamente anterior, olha para aquilo que ficou para trás, “What of Now” parece deslocar a discussão para o presente. O passado está claramente presente na sonoridade do grupo, mas a pergunta central permanece: o que fazemos com tudo isso agora?

Depois da faixa-título, “Libby Hill” devolve o álbum a uma dimensão mais intimista. A presença do violão e a abordagem mais contemplativa mostram outro lado do grupo, que também já havia sido explorado nas apresentações ao vivo da banda. “A Forever with You” segue por um caminho igualmente delicado antes de “Heavy Echo” encerrar o álbum.

O encerramento é significativo porque não tenta necessariamente terminar a experiência com uma explosão. Em vez disso, a faixa funciona como uma espécie de eco — pesado, mas também melancólico — de tudo aquilo que foi construído ao longo do disco. E é justamente essa sensação que permanece depois que What Of Now chega ao fim.

The Band Feel

O passado como ponto de partida

O THE BAND FEEL certamente não esconde suas referências. É possível encontrar ecos de diferentes vertentes do rock dos anos 1960 e 1970, além de elementos de soul, blues e psicodelia. Comparações com nomes como Led Zeppelin e The Black Crowes, inclusive, já apareceram em avaliações das apresentações da banda. Mas reduzir What Of Now a um álbum de revival seria injusto.

O grupo parece compreender que nostalgia, sozinha, não sustenta uma carreira. É preciso transformar essas influências em algo que faça sentido para quem está ouvindo agora. E essa talvez seja a principal qualidade do disco.

A própria banda resume essa intenção ao falar sobre sua relação com diferentes gerações: “Para a geração mais velha, estamos despertando nostalgia, e para a geração mais jovem, estamos criando nostalgia”, como definiu o guitarrista Tyler Armstrong.

What Of Now é, portanto, um álbum que olha para trás sem permanecer preso ao passado. O THE BAND FEEL recupera a textura, a liberdade e a organicidade do rock clássico, mas apresenta tudo isso através da perspectiva de uma banda jovem que está construindo sua própria história.

Mais do que tentar reinventar o rock, o quarteto parece interessado em lembrar por que esse gênero continua sendo tão fascinante: pela guitarra que chama atenção, pelo vocal que transmite emoção, pela bateria que conduz a música e, principalmente, pela capacidade de criar uma conexão que não depende de época.

Em 'What Of Now', o THE BAND FEEL mostra que algumas sonoridades podem até pertencer ao passado, mas continuam tendo muito a dizer sobre o presente.

Ouça 'What Of Now' na íntegra:

Com os novos anúncios, o line-up chega a 11 atrações confirmadas. Além dos três nomes revelados agora, o festival já havia anunciado Floor Jansen, Lacuna Coil, Quiet Riot, Metal Church, Soen, KK's Priest, W.E.T. e Blaze Bayley. E, como de costume, novas confirmações ainda devem ser divulgadas.

Uma das grandes novidades é a presença do suíço Eluveitie, banda formada em 2002 pelo multi-instrumentista Chrigel Glanzmann e reconhecida por combinar o peso do death metal melódico com elementos da música tradicional celta.

Instrumentos como gaita de foles, flautas, violino e hurdy-gurdy fazem parte da identidade do grupo, que ganhou projeção internacional especialmente a partir de “Slania” (2008) e da faixa “Inis Mona”.

Ao longo de mais de duas décadas de carreira, o Eluveitie explorou diferentes facetas de sua sonoridade em trabalhos como Everything Remains (As It Never Was), Helvetios, Origins, Ategnatos e nos projetos acústicos Evocation I – The Arcane Dominion e Evocation II – Pantheon.

O álbum mais recente, “ÀNV”, lançado em 2025, marcou duas décadas de trajetória e reforçou a conexão da banda com a mitologia e as tradições celtas. No Bangers Open Air, o grupo promete transportar essa mistura de metal extremo e elementos folclóricos para o palco do festival.

Soilwork retorna ao Brasil com mais de três décadas de história

O grupo lançou seu primeiro álbum, Steelbath Suicide, em 1998, mas foi no início dos anos 2000 que ganhou maior projeção internacional, especialmente com “A Predator's Portrait” (2001) e “Natural Born Chaos” (2002). Já o álbum Stabbing the Drama, de 2005, consolidou definitivamente a banda na cena internacional.

Durante sua carreira, o Soilwork passou por diferentes fases sem abrir mão da combinação entre agressividade, técnica e melodias marcantes. Entre seus trabalhos mais recentes estão The Living Infinite, The Ride Majestic, Verkligheten, A Whisp of the Atlantic e “Övergivenheten”, de 2022.

Atualmente formado por Björn “Speed” Strid, Sylvain Coudret, Simon Johansson, Rasmus Ehrnborn, Bastian Thusgaard e Sven Karlsson, o grupo trabalha no sucessor de Övergivenheten e terá no Bangers Open Air uma nova oportunidade de reencontrar os fãs brasileiros.

Fechando o novo anúncio está o alemão Kanonenfieber, projeto criado em 2020, em Bamberg, que apresenta uma das propostas mais particulares do metal extremo contemporâneo.

Liderado pelo músico conhecido como Noise, o grupo combina elementos de black metal e death metal melódico com uma atmosfera cinematográfica e uma forte identidade visual inspirada na Primeira Guerra Mundial.

A proposta vai além da música. O Kanonenfieber utiliza cartas, documentos e relatos reais para construir narrativas sobre soldados e os horrores dos campos de batalha. A banda mantém a identidade de seus integrantes em segredo e aposta em uniformes históricos, máscaras e uma apresentação teatral para criar uma experiência imersiva.

A discografia conta com trabalhos como Menschenmühle (2021), Die Urkatastrophe (2024) e “Soldatenschicksale” (2026). No Bangers Open Air 2027, a expectativa é de um show que combine peso, dramaticidade e elementos visuais para apresentar ao público histórias de soldados anônimos e o lado humano por trás dos conflitos históricos.

Uma quantidade limitada de ingressos na modalidade Early Bird está disponível excepcionalmente nesta quarta-feira (26). Já a venda geral acontece em 4 de setembro, às 10h, incluindo pela primeira vez a opção Single Day, para quem deseja acompanhar apenas um dos dias do festival.

Os ingressos serão vendidos pela plataforma Clube do Ingresso, com informações sobre valores, setores e condições disponíveis no site oficial de vendas.

Com Eluveitie, Soilwork e Kanonenfieber, o Bangers Open Air amplia seu repertório de estilos e reforça a proposta de reunir diferentes vertentes do metal em dois dias de programação. E, com apenas 11 nomes anunciados até agora, ainda há espaço para que o line-up de 2027 fique ainda mais robusto.

Deb and The Mentals - Crédito: @muriloamancio.jpg

Em entrevista ao Female Rock Squad, banda comenta a nova fase sonora, a estreia de Guilherme Toledo na bateria e a emoção de se apresentar ao lado do Foo Fighters em Belo Horizonte e São Paulo

Por: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

Entre mudanças de formação, novos caminhos sonoros e os desafios de manter uma banda independente ativa, a Deb and The Mentals chega a um dos momentos mais importantes de sua trajetória. Formada na cena underground brasileira, a banda construiu sua identidade transitando pelo punk, grunge, garage rock e rock alternativo e, agora, amplia essa sonoridade com “STUCK”, EP que mergulha em referências do Hardcore para transformar angústia, caos e inquietação em música.

O lançamento também representa uma nova fase para o quarteto, que agora conta com Guilherme Toledo na bateria. Segundo a banda, a mudança aconteceu de forma natural e trouxe uma nova energia para as composições e para os shows. “STUCK” surge, assim, não apenas como um trabalho mais pesado, mas como um reflexo das transformações vividas pelo grupo.

E se o novo EP já marca uma virada importante, o próximo capítulo promete ser ainda maior: em fevereiro de 2027, a Deb and The Mentals será responsável por abrir os shows do Foo Fighters no Brasil, em Belo Horizonte e São Paulo. O convite chegou de maneira inesperada e provocou uma reação de incredulidade entre os integrantes — até o momento em que a ficha finalmente caiu.

Antes de subir aos palcos da Arena MRV e do MorumBIS, a banda conversou com o Female Rock Squad sobre os desafios da cena independente, a criação de “STUCK”, a nova formação, o processo de transformar angústias em música e, claro, a emoção de dividir o palco com uma das maiores bandas do rock mundial. 

FRS: A Deb and The Mentals surgiu e se consolidou na cena independente brasileira. Quais foram os principais desafios para chegar a um momento tão importante como este?

Deb and The Mentals: Manter a energia de uma banda, os horários malucos da vida na estrada, a eterna questão existencial de … que isso que estamos fazendo? risos… mas tudo fica legal com a vontade de fazer música!

FRS: O novo EP “STUCK” apresenta uma sonoridade mais pesada, veloz e urgente, com maior influência do Hardcore. O que motivou essa mudança de direção musical?

Deb and The Mentals: O hardcore e o punk sempre foram grandes influências em todos nós, mas a banda não fazia isso, era mais grunge garage punk. Quando a Deb falou que estava mais afim de cantar mais pra essa linha ,essa energia HC paulera surgiu bem natural.

FRS: O conceito do EP parte da sensação de estar preso aos próprios pensamentos, medos e angústias. Como vocês transformaram esses sentimentos em música?

Deb and The Mentals: Acho que a gente transformou esses sentimentos em música justamente porque não tentou fugir deles. Tem momentos mais pesados, mais caóticos, mais agressivos, e outros em que a gente deixa o sentimento respirar. Acho que o EP é muito sobre esse conflito interno: você sabe que está preso em determinados pensamentos, mas ao mesmo tempo está tentando encontrar uma saída. E transformar isso em música acabou sendo uma forma de organizar esse caos.

FRS: “WATCH OUT” e “NOT THE HERO” ganharam um videoclipe duplo. Como surgiu a ideia de conectar as duas faixas visualmente?

Deb and The Mentals: A ideia era trabalhar com o audiovisual de forma simples, dinâmica e criativa. As duas músicas são curtas e transmitem o mesmo sentimento, então queríamos criar essa sensação de takes estáticos, porém com cortes rápidos, trazendo uma dinâmica mesmo dentro de um único vídeo.

A ideia também foi transmitir a sensação de stuck, de estar preso em algo. Por isso, usamos a máquina de lavar e o elevador para criar essa sensação de estar em um espaço pequeno e claustrofóbico.

Assista ao clipe de "Watch Out / Not Hero":

Deb and The Mentals: Logo no primeiro ensaio sentimos que era a pegada que queríamos pra banda e as músicas novas foram surgindo juntando nossas influências. Ele também acrescentou na parte audiovisual da banda, curtimos muito sua criatividade e referências.

FRS: Vocês estão vivendo esse momento justamente com o lançamento de “STUCK”. Como o novo EP representa a fase atual da banda?

Deb and The Mentals: "STUCK" representa que mudanças podem ser positivas, por mais drásticas que elas possam ser. Exploramos isso brevemente no "Old News", com "Burn It Down", que trouxe um som mais pesado. Depois dessa música, resolvemos compor o novo EP nessa pegada mais hardcore, trazendo essa sensação de liberar angústias e de trocar uma energia boa entre nós, especialmente quando estamos no palco.

Acreditamos que esse EP veio na melhor época possível e estamos muito felizes com esse lançamento. Foi um processo que trouxe uma energia muito boa e que somou entre todos os integrantes da banda.

Deb and The Mentals - Crédito: @muriloamancio.jpg

FRS: Como vocês receberam a notícia de que seriam uma das bandas de abertura dos shows do Foo Fighters no Brasil? Qual foi a reação de cada integrante?

Deb and The Mentals: A Helena, da LiveNation, entrou em contato comigo (Deb), pelo Instagram e perguntou se tínhamos as datas disponíveis. Falei que sim. Até então, ela não tinha dito qual era a banda. Depois, ela falou para o nosso booker qual seria a banda, e ele me contou primeiro (Deb). Eu fiquei com vontade de chorar de emoção e, em seguida, contei para o Gui e para o Fi, que também ficaram completamente desacreditados e em choque.

O Bi estava viajando, então esperamos ele voltar para contar pessoalmente no ensaio. Primeiro, ele achou que era mentira. Depois, ficou alguns minutos olhando para o além, meio em choque.

FRS: O Foo Fighters tem uma trajetória que atravessa diferentes gerações do rock. O que vocês acreditam que a Deb and The Mentals pode apresentar a um público que talvez ainda não conheça a banda?

Deb and The Mentals: Acredito que a principal coisa que podemos apresentar é a nossa energia musical. Gostamos de nos divertir e acabamos sendo intensos na hora do show, e fazemos questão que o público se sinta fazendo parte disso. Nosso som mistura referências do punk, hardcore, grunge e rock, mas tudo passa pela nossa personalidade e pela forma como nós quatro nos conectamos tocando juntos.

Talvez muita gente não conheça a banda e isso torna tudo ainda mais especial. Nosso desejo e que quem assista pela primeira vez saia sentindo que dividiu aquele momento com a gente e também se divertiu e que queira escutar mais. 

Acho que apresentar uma banda nova para um público tão grande, através de um show que mostre quem somos, é o mais legal que podemos levar! 

FRS: Depois de lançar “STUCK” e dividir os palcos com o Foo Fighters, quais são os próximos sonhos ou objetivos que vocês gostariam de realizar com a banda?

Deb and The Mentals: Vamos continuar compondo e fazendo shows. Ainda tem muita coisa pra acontecer até lá, mas com certeza a abertura pro Foo Fighters será um momento muito especial pra nossa carreira e uma oportunidade pra muitas pessoas conhecerem a banda. Por isso queremos seguir levando nossa música pra lugares e pessoas cada vez mais legais.

Ouça ao EP "STUCK" na íntegra:

Karen Dió - Foto: divulgação

Segundo EP da cantora brasileira mostra uma artista mais segura de sua identidade e reforça a força de seu punk rock antes de um dos maiores palcos de sua carreira

Depois de apresentar sua identidade artística em "My World" (2024), Karen Dió retorna com "Fugaz", seu segundo EP, lançado em 21 de agosto de 2026. Com seis faixas, o trabalho representa um passo importante na evolução da cantora, que mantém a energia punk rock característica de sua carreira, mas agora demonstra maior segurança para explorar temas como liberdade, passagem do tempo, juventude e as transformações provocadas pela experiência.

capa do EP "Fulgaz"

O próprio título resume boa parte da proposta. “Fugaz” remete àquilo que passa rapidamente, e o conceito do EP parte justamente da percepção de que tudo está em constante transformação. Em vez de transformar essa constatação em nostalgia, Karen parece escolher o caminho oposto: viver o presente com intensidade. A ideia atravessa as seis faixas e dá unidade a um trabalho que, apesar de curto, apresenta diferentes facetas da artista.

A abertura com “Euphoria” estabelece imediatamente a energia do EP. A faixa funciona como uma porta de entrada para um trabalho que não pretende diminuir sua intensidade para falar de assuntos mais pessoais. Pelo contrário: Karen transforma inquietação em movimento, mantendo a urgência que já faz parte de sua identidade.

Em seguida, “Free Yourself” surge como um dos grandes destaques. A música traduz diretamente a ideia de libertação que percorre "Fugaz", apostando em uma composição acessível e em um refrão de forte apelo. A faixa nasceu a partir de uma melodia que Karen teria sonhado e posteriormente desenvolvido ao lado de Matt Bigland, do Dinosaur Pile-Up, seu parceiro de composição.

Mais do que uma música sobre liberdade, porém, “Free Yourself” funciona como uma espécie de manifesto artístico. A proposta é abandonar expectativas externas e permitir-se criar sem tantas amarras. Existe uma espontaneidade importante na faixa, inclusive no processo de composição, que ajuda a explicar por que ela soa tão natural dentro do universo de Karen.

“Choke” muda ligeiramente a atmosfera e adiciona uma camada mais agressiva ao EP. Se “Free Yourself” representa a decisão de se libertar, “Choke” parece lidar com aquilo que permanece no caminho: críticas, conflitos e pessoas que tentam interferir na trajetória da artista. A música acrescenta uma dose de confronto ao trabalho e impede que "Fugaz" seja interpretado apenas como uma celebração despreocupada da juventude.

Essa dimensão mais vulnerável continua em “Crawling”, que ajuda a equilibrar a atitude punk com uma sensação de incerteza. É justamente nessa alternância entre confiança e fragilidade que o EP encontra parte de sua força. Karen não precisa parecer invulnerável o tempo inteiro; existe espaço para reconhecer dúvidas e mudanças sem perder a personalidade.

Já “Rat Race” recupera a sensação de urgência e movimento. A faixa conversa diretamente com a ideia de estar preso a uma rotina acelerada, enquanto o conceito geral de "Fugaz" questiona justamente a maneira como gastamos o tempo que temos. O resultado é uma composição que mantém o trabalho em movimento e reforça sua característica essencialmente energética.

O encerramento fica por conta da faixa-título, “Fugaz”, que funciona como uma conclusão natural para a proposta do EP. Depois de passar por liberdade, confronto, vulnerabilidade e pela pressão da vida cotidiana, Karen termina o trabalho olhando para aquilo que dá sentido a todas essas experiências: o tempo.

UMA KAREN DIÓ MAIS SEGURA

Se "My World" serviu para apresentar o potencial da artista, "Fugaz" mostra uma Karen Dió mais consciente de sua própria identidade. A evolução não está necessariamente em abandonar aquilo que funcionou anteriormente, mas em utilizar essa base com maior segurança e personalidade.

Uma análise publicada pelo The Soundboard Reviews também aponta essa transformação, descrevendo "Fugaz" como um trabalho no qual Karen demonstra maior confiança e recursos criativos em comparação com o primeiro EP.

O mérito do trabalho está justamente em não tentar transformar sua maturidade artística em algo excessivamente sofisticado. Karen continua sendo direta, energética e irreverente. O que mudou foi a capacidade de colocar essas características a serviço de uma narrativa mais coesa.

Com seis faixas, "Fugaz" passa rapidamente — e talvez essa seja justamente a melhor maneira de ouvi-lo. É um EP que não pede contemplação excessiva: pede movimento. E, ao falar sobre o caráter passageiro da vida, Karen Dió parece ter encontrado uma resposta bastante punk para o problema: aproveitar o agora.

Ouça "Fulgaz" na íntegra: