jonabug por Giulia Geyer

Em entrevista ao Female Rock Squad, a banda do interior de São Paulo fala sobre o processo de criação de Torpor, composição em português, a experiência no Lollapalooza e os caminhos que a levaram até esta nova fase

Depois de apresentar ao público o álbum três tigres tristes, lançado em 2025, a Jonabug abre um novo capítulo de sua trajetória com o EP Torpor. O trabalho marca não apenas uma nova coleção de músicas, mas também uma mudança na dinâmica criativa da banda, que passou a contar com Thales Leite na segunda guitarra.

Produzido, mixado e masterizado por Roberto Kramer, Torpor mergulha em sentimentos íntimos e transformações, ao mesmo tempo em que amplia as possibilidades sonoras exploradas pelo grupo. A nova fase chega depois de um momento importante para a banda: a participação no Lollapalooza Brasil 2026, experiência que colocou a Jonabug ainda mais em evidência e levou o som da banda de Marília para um público maior.

Em conversa com o Female Rock Squad, Marilia, Dennis e Samuel falam sobre liberdade criativa, composição em português e inglês, o caráter catártico das músicas, a experiência no Lollapalooza, a parceria com Roberto Kramer e os próximos passos da banda.

FRS: O EP Torpor apresenta uma dinâmica diferente em relação ao álbum três tigres tristes, inclusive pela entrada do Thales na segunda guitarra. Como essa mudança interferiu no processo de composição e gravação?

Marilia: Torpor foi muito colaborativo. Ele é diferente do álbum porque, na época do três tigres tristes, éramos um trio. Agora temos o Thales, então a dinâmica de composição mudou bastante com a entrada de mais uma pessoa. O Roberto Kramer também teve uma participação muito importante na produção, mixagem e masterização. Ele trouxe muitas ideias e direcionamentos.

A gente ainda tem pouca experiência de estúdio e os trabalhos anteriores também foram gravados no mesmo estúdio, então foi um processo de muito aprendizado. Estamos muito felizes com o resultado e, ao mesmo tempo, bastante ansiosos para ver como as pessoas vão receber.

FRS: A Jonabug surgiu depois de uma mudança de direção musical em relação à Yellow Guava. O que vocês sentiam que estava faltando e encontraram na nova banda?

Marilia: Liberdade criativa. Na Yellow Guava, a gente sentia que estava muito preso a fazer uma coisa só. Com a Jonabug, conseguimos experimentar coisas diferentes. Temos músicas mais leves, outras mais pesadas. Também foi uma mudança pessoal. Estávamos saindo da adolescência e entrando na vida adulta. As coisas começaram a ficar mais sérias, e isso também apareceu na música.

FRS: O álbum três tigres tristes, lançado em 2025, reuniu músicas compostas em momentos diferentes. Que retrato vocês queriam deixar registrado naquele trabalho?

Marilia: A gente queria mostrar nossa música e nossa capacidade musical. As músicas foram sendo acumuladas ao longo do tempo. Algumas já tocávamos havia dois anos quando gravamos.

Dennis: Algumas foram reestruturadas, mudaram bastante, outras foram cortadas ou substituídas. Também teve música que foi feita pouco antes da gravação.

Marilia: Era uma espécie de compilação das músicas que tínhamos composto e aprimorado ao longo do tempo. Queríamos mostrar tudo o que conseguíamos fazer: músicas pesadas, músicas leves, em inglês, em português. Queríamos mostrar a nossa verdadeira vibe.

FRS: Vocês transitam entre português e inglês. O português traz uma liberdade diferente para falar sobre sentimentos ou existe também uma responsabilidade maior por estar falando diretamente com o público brasileiro?

Marilia: As palavras em português têm mais peso. Quando canto em português, sinto que estou realmente encarando aquilo. Em inglês, às vezes parece que estou “dublando o sentimento”. Nos shows, também percebo isso. O público canta mais as músicas em português e muitas pessoas pedem que a gente faça mais músicas assim.

Mas não vamos parar de fazer músicas em inglês. Eu cresci estudando inglês e aprendi muito da pronúncia através das músicas. Só que, em português, sinto uma responsabilidade maior de conseguir me conectar com as pessoas daqui e com quem fala português.

FRS: As músicas de Torpor lidam com transformações e questões bastante íntimas. Até que ponto compor e tocar essas músicas ajuda vocês a lidar com a própria vida? A música funciona como uma espécie de cura?

Marilia: Para mim, cada música é como tirar um peso dos ombros. Quando tocamos ao vivo, é muito catártico. É como se eu conseguisse tirar um pouco daquele sentimento de dentro de mim.

Dennis: Acho que a gente continua tirando esse estresse e esse peso nos shows. É uma forma de ressignificar as coisas.

Samuel: Na composição, a Marilia e o Dennis geralmente chegam com a guitarra, o baixo ou a letra, e eu tento entender o que aquela música conversa comigo. Não necessariamente o significado da letra, mas o sentimento que os acordes e a melodia passam. Para mim, compor também é uma forma de expressar sentimentos. Like and Be Free, por exemplo, é uma música triste, mas termina em uma explosão. É aquela sensação de “já estou muito triste, não aguento mais isso e vou simplesmente explodir”. Colocar isso na música, na composição, na bateria e na melodia vocal é uma maneira de expressar o que estou sentindo.

FRS: Entre as músicas de Torpor, qual vocês estão mais ansiosos para tocar ao vivo?

Samuel: Eu já toquei 'I Can't Be With You', inclusive no Lollapalooza, e talvez seja a minha favorita do EP. Gosto muito do resultado, da composição e da bateria. A estrutura é parecida com a original, mas fizemos algumas mudanças na guitarra e nos vocais, e a letra também mudou. Depois de tanto tempo tocando as músicas de três tigres tristes — por dois anos, dois anos e meio — é muito legal ter músicas novas. Agora o público vai conhecer essas músicas, vai poder formar uma roda, se divertir. Estou muito ansioso para tocar essa ao vivo.

Dennis: Eu estou bastante ansioso para 'Is This the End'. A gente já tocou, então quero muito ver a reação do público. Também tem 'Entre o Certo e o Errado', com participação da Cidade Dormitório, que nunca tocamos ao vivo. Para nós mesmos ela ainda é muito nova.

Marilia: Acho que estou mais ansiosa por 'Entre o Certo e o Errado'. Todas as outras já tocamos. Nessa, vou cantar a parte que era do Yvis, então vamos precisar usar alguns efeitos para preencher algumas coisas que existem na gravação e que nem sempre conseguimos reproduzir ao vivo.

FRS: A participação no Lollapalooza Brasil 2026 foi um momento importante para a banda. Como vocês receberam o convite e como foi viver aquela experiência?

Dennis: O convite chegou por uma mensagem no Instagram. Um curador do Lollapalooza, o Marcelo, mandou perguntando como poderia fazer para colocar a Jonabug no Lolla 2026. A gente pensou: “Isso aí é golpe!”. Não conhecíamos o Marcelo e simplesmente chegou uma mensagem aleatória no Instagram.

Samuel: Foi muito difícil acreditar.

Dennis: A gente passou o contato, a Marilia conversou com ele e depois tudo foi formalizado por e-mail. E aconteceu. Depois do anúncio, foi uma loucura. A publicação teve uma repercussão enorme e saímos em vários portais, inclusive portais da cidade. Foi a primeira vez que tivemos esse tipo de alcance.

Marilia: Foi muito bonito porque a cidade inteira comemorou o fato de uma banda daqui estar no Lollapalooza. Foi uma vitória coletiva.

Dennis: No dia do show, encontramos amigos, bandas parceiras e fãs. Também teve muita gente que conheceu a banda ali. Foi uma experiência muito positiva.

FRS: Vocês vêm de Marília e construíram boa parte desse caminho de forma independente. Quais pessoas, bandas, produtores, espaços ou iniciativas foram fundamentais para que a Jonabug chegasse até aqui?

Samuel: É difícil citar todo mundo. Desde a nossa primeira viagem do interior para São Paulo até aproximadamente dois anos depois, quando começamos a nos virar sozinhos, muita gente ajudou.

Amigos ofereciam casa para a gente dormir e ajudavam a economizar dinheiro. Fotógrafos faziam fotos e vídeos como amigos mesmo. Produtores colocavam a gente em eventos e davam oportunidades. Os espaços também foram fundamentais.

No começo das nossas viagens para São Paulo, tínhamos um EP e dois singles, mas já tínhamos mais músicas. Levar nosso show para a capital foi muito importante.

Samuel: Sim. A imprensa, os portais, os blogs, pessoas como você fazendo entrevistas. Tivemos a sorte de encontrar um ecossistema muito bom. Somos muito gratos a todas as pessoas que ajudaram, que gostaram da banda ou simplesmente simpatizaram com o nosso trabalho. Cada uma teve um papel essencial.

FRS: Roberto Kramer já trabalhou com nomes como Rancore e Terno Rei e teve uma participação importante em Torpor. O que ele acrescentou ao processo de vocês?

Dennis: O Roberto acrescentou muita coisa. Entre o Certo e o Errado era a música mais incompleta. A gente pediu ajuda para ele na construção, e ele trouxe referências que gostávamos, mas que ainda não tínhamos conseguido conectar à música. Ele mostrou caminhos. Ajudou nas guitarras, nos timbres, nos equipamentos, nos pedais, na bateria. Foi muito foda.

Marilia: Ele também foi muito paciente e dava conselhos de uma forma muito construtiva. A gravação trouxe muito conhecimento para a gente e contribuiu para nosso crescimento como músicos. Foi muito importante poder falar “não sei o que estou fazendo” e ele conseguir nos orientar. Quando acontecia algum erro, ele também sabia lidar muito bem com a situação.

capa do EP pela artista  Nicole Wünsch

FRS: A identidade visual de Torpor também chama atenção, especialmente pelo contraste entre o azul e o vermelho. Como nasceu esse conceito?

Marilia: Depois que terminamos a gravação, sentimos que o EP seria azul. Queríamos uma identidade visual mais séria e abstrata. O vermelho dentro do azul veio de uma inspiração na capa de Kid A, do Radiohead. Para nós, o vermelho fazia sentido com o conceito de “torpor”. A ideia era sermos um ponto vermelho dentro do azul, “numa geração fria”, enquanto as músicas trazem sentimento. A Nicole entendeu exatamente o que queríamos e criou dentro dessa proposta. Ela também fez o flyer da turnê e o encarte do CD. A Nic é top. Trabalharia com ela novamente com certeza.

FRS: Depois de Torpor, quais são os próximos passos da Jonabug? Já podemos esperar uma turnê?

Marilia: A turnê do EP será anunciada na próxima semana. Teremos muitas datas até janeiro do ano que vem, passando por lugares novos e também por lugares onde já tocamos. Também teremos shows com bandas que admiramos. Para o ano que vem, queremos muito chegar ao Nordeste e já estamos estruturando isso. Vai ter bastante coisa acontecendo.

FRS: Se vocês pudessem voltar ao início da Jonabug e conversar com aqueles três músicos que estavam começando, o que diriam para eles?

Samuel: Talvez nada. Todos os erros que cometemos fizeram parte do caminho. Como banda do interior, cada proposta para tocar na capital brilha muito aos nossos olhos, mas nem toda proposta é boa. A gente aprendeu também com as experiências ruins. Se mudássemos alguma coisa do passado, talvez nossas composições fossem diferentes. Então estamos satisfeitos com o caminho que percorremos.

Marilia: Eu também não diria nada. Acho que tudo aconteceu por uma razão. E tudo o que ainda não aconteceu não aconteceu por uma razão também. Vai acontecer no tempo certo.

Dennis: É isso. Viver um dia de cada vez.

jonabug por Giulia Geyer

Novo single revisita pessoas, memórias e momentos que moldaram a trajetória do artista e inaugura uma nova fase sob a Roc Nation

Jackson Wang abre um novo capítulo de sua trajetória artística com “Thank You”, single que chega acompanhado de um videoclipe marcado pela memória, pela intimidade e, principalmente, pela presença de quem esteve ao seu lado ao longo do caminho: seus fãs.

Dirigido por Ojun Kwon, o vídeo coloca Jackson e admiradores de diferentes partes do mundo no centro de uma narrativa em preto e branco que funciona quase como uma viagem pelas diferentes versões do artista que ele foi — e por tudo aquilo que o trouxe até aqui. Assista ao videoclipe:

“Thank You” marca o primeiro lançamento musical de Jackson desde que assinou com a poderosa empresa de entretenimento Roc Nation. “Estamos muito felizes em receber Jackson Wang em nossa família aqui na Roc Nation”, afirma o fundador Jay-Z. “Ele é um artista incrível, com uma determinação muito especial, e mal podemos esperar para ver o que ele fará a seguir.”

UMA CARTA DE AGRADECIMENTO EM FORMATO DE MÚSICA: 

Filmado em preto e branco com o iPhone 18 Pro, o videoclipe de “Thank You” nos mostra um Jackson mais intimista, que percorre diferentes fases de sua vida enquanto reflete sobre as pessoas e os momentos que o acompanharam ao longo de sua carreira. A música é uma homenagem aos seus fãs e apoiadores, quando juntamente estabelece o começo de um novo capítulo em sua trajetória artística.

OS FÃS SE TRANSFORMARAM EM PROTAGONISTAS:

Para Jackson, trazer seus maiores apoiadores para o projeto foi uma parte fundamental da mensagem da música. Fãs de mais de 80 países se inscreveram para participar do videoclipe, e 30 pessoas do Brasil, China, Estados Unidos, Austrália, México, Reino Unido e outros países foram escolhidas para estar ao lado dele nas gravações.

Cada personagem, figurino e círculo apresentado no videoclipe representa uma pessoa, memória ou capítulo que teve um papel na vida de Jackson. O visual faz referência a diferentes momentos de sua trajetória, desde seus primeiros anos na ginástica e na esgrima, passando por memórias de sua infância e sua evolução como artista, até sua carreira musical internacional e o novo capítulo com a Roc Nation.

Com “Thank You”, Jackson revisita as experiências que o levaram até este momento enquanto abre as portas para tudo o que está por vir.

Jackson Wang e fãs na gravação do videoclipe de "Thank You"

DEPOIS DE REVISTAR O PASSADO, JACKSON PARECE PRONTO PARA OLHAR PARA FRENTE

Hatefulmurder - Foto: divulgação

Novo single, que chega acompanhado de videoclipe, apresenta uma sonoridade mais agressiva e marca uma nova fase da banda com Giulia Roiz nos vocais

O HATEFULMURDER está pronto para virar a página — e faz isso sem economizar no peso. No dia 18 de setembro, a banda lançou “I Give My Soul”, novo single que chega acompanhado de um videoclipe de grande produção e inaugura uma fase mais agressiva de sua trajetória.

A faixa integra o novo EP “Death Made Us Better”, formado por quatro músicas e previsto para chegar ao público no final de 2026. Mais do que apresentar uma nova composição, porém, “I Give My Soul” funciona como uma espécie de cartão de visitas para a atual formação e para as possibilidades que ela abre.

A chegada de Giulia Roiz aos vocais provocou mudanças perceptíveis na identidade sonora do HATEFULMURDER. Conhecida por transitar entre vocais limpos, drives e guturais, a cantora acrescenta novas camadas à sonoridade da banda, criando um contraste entre momentos melódicos e explosões de peso.

O resultado é uma banda que parece menos preocupada em permanecer dentro de uma fórmula e mais interessada em descobrir até onde pode levar suas próprias referências.

Em “I Give My Soul”, riffs mais encorpados dividem espaço com melodias marcantes e uma construção dinâmica, enquanto os vocais alternam intensidade e melodia. Há ecos daquela combinação entre agressividade e técnica que marcou momentos importantes do metal extremo melódico — mas o HATEFULMURDER utiliza esses elementos para construir sua própria linguagem.

A temática da faixa também conversa diretamente com essa ideia de transformação. Segundo Giulia, a letra parte do conceito de “Sehnsucht”, palavra alemã usada para descrever um anseio profundo, quase como uma saudade de algo que ainda não conhecemos.

“A música é sobre o Sehnsucht, uma palavra alemã que representa um anseio profundo, quase como uma saudade de algo que ainda não conhecemos. Para mim, é sobre sentir que existe um lugar, uma paixão ou um propósito ao qual pertencemos, e estar disposto a entregar tudo para alcançá-lo.”

A vocalista continua:

“Quando encontramos algo que dá sentido à nossa existência, cada passo passa a ter um objetivo. ‘I Give My Soul’ é sobre essa entrega, sobre seguir esse chamado mesmo quando ninguém ao redor consegue entender a intensidade desse desejo.”

A ideia de entrega absoluta acaba encontrando um paralelo interessante no próprio momento vivido pela banda. Se o HATEFULMURDER está entrando em uma nova fase, “I Give My Soul” parece funcionar justamente como uma declaração de intenção: não basta continuar — é preciso se transformar.

Composta pelo guitarrista e fundador Renan Campos, a música nasceu da vontade de construir algo que fosse além de simplesmente empilhar peso sobre peso.

“Queria trazer um verso em valsa, um refrão mais explosivo e uma melodia forte, que conduzisse a música por caminhos diferentes.”

A busca por novos caminhos também aparece na maneira como Renan enxerga o futuro da banda. Para ele, experimentar não significa abandonar aquilo que tornou o HATEFULMURDER reconhecível.

“Não quero fazer o mesmo disco a vida inteira. Acho importante que a banda evolua, experimente e se permita buscar coisas novas. Mas, ao mesmo tempo, não sinto que perdemos a nossa essência.”

E talvez esteja justamente aí uma das características mais interessantes dessa nova fase. Em vez de tentar encontrar uma definição confortável para o som da banda, o HATEFULMURDER parece disposto a deixar que ele continue em movimento.

“Se alguém me perguntar hoje qual é exatamente o subgênero dentro do Metal que o HATEFULMURDER faz, eu sinceramente não saberia responder”, admite Renan. “E, de certa forma, acho que isso é algo positivo. Talvez a nossa identidade esteja justamente em não precisar caber em uma única definição.”

Visualmente, o videoclipe de “I Give My Soul” acompanha essa mudança com uma estética sombria e uma performance intensa, reforçando a atmosfera da música e a presença de Giulia à frente da banda.

Mais do que apresentar uma nova formação, o lançamento sinaliza um momento de expansão para o HATEFULMURDER. A banda quer experimentar, ampliar sua sonoridade e descobrir novas possibilidades sem abrir mão da essência construída ao longo dos anos.

FORMAÇÃO TOTALMENTE ENTROSADA

Atualmente formado por Giulia Roiz (vocais), Renan Campos (guitarra), Victor Magalhães (baixo) e Thomás Martinoia (bateria), o HATEFULMURDER já mira os próximos passos: a banda se prepara para levar essa nova fase aos palcos europeus em 2027.

E se “I Give My Soul” é apenas o primeiro capítulo dessa nova história, o recado está dado: o HATEFULMURDER não pretende repetir o passado — quer descobrir o que existe depois dele.

Julie Neff por Sarah Miller

Faixa, que integra o disco fine. (2026), ganha registro com gravações feitas na região do Mar Adriático, na Croácia

A cantora e compositora canadense Julie Neff apresenta ao público mais um desdobramento do LP fine., lançado em julho. Em swimming in the ocean, canção escolhida como a terceira música de trabalho da obra e que ganha um videoclipe neste 22 de setembro, a artista imerge nas águas da cidade portuária de Omiš, na região da Dalmácia, na Croácia. Sua intenção é criar uma metáfora dos sentidos em que, cercada pelo fluxo do oceano, convida o ouvinte a explorar as perspectivas do sentimento mais elementar: o amor. Assista ao clipe:

“Esta música fala sobre a chegada de um novo amor, sua expectativa e um tipo de esperança ansiosa de que tudo dê certo”, explica Neff, que surge diante das câmeras sob a direção e o conceito de Ivan Trpimir Lozić. “Em vez de tentar confirmar que isso é amor ou que tudo vai funcionar — coisas que muitas vezes não podemos controlar —, busco dizer que talvez possamos surfar nas ondas da incerteza e encontrar algum tipo de conforto justamente nela. Queria que o vídeo refletisse isso, transmitindo a sensação romântica e esperançosa de encontrar beleza no percurso”.

Com produção musical de Cris Botarelli, conhecido por seus trabalhos com as bandas Far From Alaska e Ego Kill Talent, o registro evoca visualmente a intensidade proposta pela artista. Em cena, além de estrelar cenas em câmera lenta, ela embarca em um falso plano-sequência, que se ampara em efeitos de morphing, técnica de computação gráfica capaz de metamorfosear imagens.

“O principal simbolismo do falso plano-sequência é que Julie foi tomada por um sentimento tão forte que sentiu como se todo o oceano fosse dela. Os efeitos criam um fluxo interessante, acompanhando o ritmo e a atmosfera da música”, diz o diretor, Trpimir Lozić. “Outro detalhe interessante é que Julie aparece seca depois da sequência em que nada, o que simboliza a pureza e a força de sua emoção. Queríamos que o videoclipe tivesse, de modo geral, uma atmosfera de sereia”.

Julie Neff por Sarah Miller

A construção dessa atmosfera ganha um componente a mais ao conferir a ficha técnica. O clipe foi gravado durante uma visita de Julie Neff à irmã, Sarah Miller, que também participa da produção, ao lado dos filhos, respectivos sobrinhos da artista. Miller é ainda a responsável pelas fotografias feitas no set. “Fiquei verdadeiramente tomada pela emoção no local das filmagens. Foi uma das experiências mais bonitas e intimistas que já tive: gravar no Mar Adriático, ao pôr do sol, com uma equipe pequena. Vou guardar esse momento para sempre”, completa a cantora.

Julie Neff por Sarah Miller

Entre o movimento das águas e a suspensão do tempo, swimming in the ocean encontra na força das águas a tradução em imagens daquilo que não se pode controlar. Abrindo esta outra porta para o disco fine., o lançamento propõe uma experiência em que corpo, paisagem e música se confundem, deixando que o Julie Neff seja outra vez, a condutora de sua própria narrativa. 

(Pridia/30e/Divulgação)

Após 8 anos desde a última vinda, Jamiroquai faz show magistral no Nubank Parque,  em SP, embaixo de uma chuva incessante 

Texto: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

Jamiroquai protagonizou uma noite de muito groove e dança neste último domingo (13), no Nubank Park, em São Paulo. A banda liderada pelo carismático Jay Kay retornou ao país após oito anos, em um momento bastante especial: 30 anos de “Virtual Insanity”, música que ajudou a projetar o grupo mundialmente, e o anúncio de um novo álbum.

“(Don’t) Give Hate A Chance” deu o pontapé inicial, pontualmente às 21h, a energia pulsante de seu riff de baixo e imediatamente colocou o público em movimento. Na sequência, “Little L” manteve o ritmo acelerado e encontrou uma plateia completamente entregue à proposta da banda. Nem a chuva que começou a apertar naquele momento foi capaz de parar os fãs de dançar. 

O Jamiroquai possui uma assinatura sonora singular. Seu instrumental transita com naturalidade e elegância entre disco, funk, pop e rock, criando uma identidade que permanece reconhecível mesmo décadas depois. Não à toa, músicas como “Space Cowboy” e “Alright” ultrapassaram seu tempo e continuam funcionando como verdadeiros hinos. Ambas integraram o repertório da noite e receberam uma resposta efusiva dos fãs.

CARISMA SEM IGUAL!

A presença de palco de Jay Kay é um show à parte. Os movimentos do vocalista são praticamente notas musicais: tão contagiantes que, quando você menos espera, já está dançando. Há algo quase hipnótico em sua performance, como se o corpo acompanhasse naturalmente aquilo que a banda constrói musicalmente.

O vocalista também esbanjou simpatia ao assinar os discos de dois fãs que estavam na grade da pista. Além disso,  ele interagiu com a plateia através de sorrisos e indo de um lado ao outro do palco durante todo o show.  

SHOW MAIS LONGO EM COMPARAÇÃO AO ROCK IN RIO