Karen Dió - Foto: divulgação

Segundo EP da cantora brasileira mostra uma artista mais segura de sua identidade e reforça a força de seu punk rock antes de um dos maiores palcos de sua carreira

Depois de apresentar sua identidade artística em "My World" (2024), Karen Dió retorna com "Fugaz", seu segundo EP, lançado em 21 de agosto de 2026. Com seis faixas, o trabalho representa um passo importante na evolução da cantora, que mantém a energia punk rock característica de sua carreira, mas agora demonstra maior segurança para explorar temas como liberdade, passagem do tempo, juventude e as transformações provocadas pela experiência.

capa do EP "Fulgaz"

O próprio título resume boa parte da proposta. “Fugaz” remete àquilo que passa rapidamente, e o conceito do EP parte justamente da percepção de que tudo está em constante transformação. Em vez de transformar essa constatação em nostalgia, Karen parece escolher o caminho oposto: viver o presente com intensidade. A ideia atravessa as seis faixas e dá unidade a um trabalho que, apesar de curto, apresenta diferentes facetas da artista.

A abertura com “Euphoria” estabelece imediatamente a energia do EP. A faixa funciona como uma porta de entrada para um trabalho que não pretende diminuir sua intensidade para falar de assuntos mais pessoais. Pelo contrário: Karen transforma inquietação em movimento, mantendo a urgência que já faz parte de sua identidade.

Em seguida, “Free Yourself” surge como um dos grandes destaques. A música traduz diretamente a ideia de libertação que percorre "Fugaz", apostando em uma composição acessível e em um refrão de forte apelo. A faixa nasceu a partir de uma melodia que Karen teria sonhado e posteriormente desenvolvido ao lado de Matt Bigland, do Dinosaur Pile-Up, seu parceiro de composição.

Mais do que uma música sobre liberdade, porém, “Free Yourself” funciona como uma espécie de manifesto artístico. A proposta é abandonar expectativas externas e permitir-se criar sem tantas amarras. Existe uma espontaneidade importante na faixa, inclusive no processo de composição, que ajuda a explicar por que ela soa tão natural dentro do universo de Karen.

“Choke” muda ligeiramente a atmosfera e adiciona uma camada mais agressiva ao EP. Se “Free Yourself” representa a decisão de se libertar, “Choke” parece lidar com aquilo que permanece no caminho: críticas, conflitos e pessoas que tentam interferir na trajetória da artista. A música acrescenta uma dose de confronto ao trabalho e impede que "Fugaz" seja interpretado apenas como uma celebração despreocupada da juventude.

Essa dimensão mais vulnerável continua em “Crawling”, que ajuda a equilibrar a atitude punk com uma sensação de incerteza. É justamente nessa alternância entre confiança e fragilidade que o EP encontra parte de sua força. Karen não precisa parecer invulnerável o tempo inteiro; existe espaço para reconhecer dúvidas e mudanças sem perder a personalidade.

Já “Rat Race” recupera a sensação de urgência e movimento. A faixa conversa diretamente com a ideia de estar preso a uma rotina acelerada, enquanto o conceito geral de "Fugaz" questiona justamente a maneira como gastamos o tempo que temos. O resultado é uma composição que mantém o trabalho em movimento e reforça sua característica essencialmente energética.

O encerramento fica por conta da faixa-título, “Fugaz”, que funciona como uma conclusão natural para a proposta do EP. Depois de passar por liberdade, confronto, vulnerabilidade e pela pressão da vida cotidiana, Karen termina o trabalho olhando para aquilo que dá sentido a todas essas experiências: o tempo.

UMA KAREN DIÓ MAIS SEGURA

Se "My World" serviu para apresentar o potencial da artista, "Fugaz" mostra uma Karen Dió mais consciente de sua própria identidade. A evolução não está necessariamente em abandonar aquilo que funcionou anteriormente, mas em utilizar essa base com maior segurança e personalidade.

Uma análise publicada pelo The Soundboard Reviews também aponta essa transformação, descrevendo "Fugaz" como um trabalho no qual Karen demonstra maior confiança e recursos criativos em comparação com o primeiro EP.

O mérito do trabalho está justamente em não tentar transformar sua maturidade artística em algo excessivamente sofisticado. Karen continua sendo direta, energética e irreverente. O que mudou foi a capacidade de colocar essas características a serviço de uma narrativa mais coesa.

Com seis faixas, "Fugaz" passa rapidamente — e talvez essa seja justamente a melhor maneira de ouvi-lo. É um EP que não pede contemplação excessiva: pede movimento. E, ao falar sobre o caráter passageiro da vida, Karen Dió parece ter encontrado uma resposta bastante punk para o problema: aproveitar o agora.

Ouça "Fulgaz" na íntegra:

Em entrevista, o quarteto revela processos, influências e a força por trás da nova fase em português

Texto: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

VELMAS vive um momento decisivo de expansão. Depois de apresentar ao público um EP de estreia que navegou entre o grunge, o rock setentista e nuances de dream pop, a banda paulistana inaugura uma nova fase — mais pesada, mais direta e totalmente autoral. Entre composições que nasceram de trocas intensas, processos coletivos e um senso crescente de identidade, o quarteto encontrou sua própria voz, agora ainda mais evidente com “Queda Livre”, o primeiro single em português.

Nesta entrevista, Hendy, Bárbara, Luisa e Daniella abrem o processo criativo com honestidade: falam sobre suas raízes, a dinâmica entre quatro mulheres construindo juntas, as transformações que moldaram sua sonoridade e os “feitiços” que aprenderam no caminho. Uma conversa que revela tanto a força musical da VELMAS quanto a profundidade emocional que sustenta essa nova fase.

FRS:  A VELMAS nasceu tocando versões de artistas que influenciaram vocês. Em que momento perceberam que era hora de migrar para composições totalmente próprias?

Hendy: Desde o início escolhemos mulheres na música que sempre nos inspiraram. Esses covers ajudaram a moldar nossa essência como banda, porque enquanto tocávamos versões íamos descobrindo pontos em comum, gostos, texturas sonoras e até a forma como cada uma se expressa. Com o tempo percebemos que já existia uma identidade ali, pronta para ganhar voz própria. Quando começamos a compor o EP, tudo fez sentido. A cada encontro as músicas cresciam, ganhavam novas camadas e a nossa singularidade ficava cada vez mais evidente.

FRS: Como descreveriam a identidade sonora da banda hoje? Existe algum elemento que consideram o “DNA” da VELMAS?

Bárbara: A sonoridade da banda engloba tantas referências de cada uma de nós, e cada vez que criamos algo novo encontramos novas camadas. Desde o começo encontramos voz no grunge e no punk, algo cru e raivoso. Também tiramos muita coisa do rock setentista, na guitarra exploro muitas ideias que vem do blues e do improviso. Ao mesmo tempo gostamos de contrastes, momentos mais leves, com um toque mais pop. 

Nas composições novas estamos buscando trabalhar mais esses momentos, as músicas estão mais densas, e estamos sempre abertas a explorar outros estilos. 

Algo que fazemos muito é o uso de compassos mais complexos, chega a ser difícil tocar nossas próprias composições. 

FRS: O EP "Witch in the Making" explora texturas que vão do rock setentista ao dream pop. Como foi o processo criativo desse trabalho?

Bárbara: Nossos primeiros encontros de composição foram muito naturais, trabalhamos letras e melodias que a Luisa tinha iniciado,  e partir disso encontrei os acordes que encaixavam e desenvolvemos as ideias. Nos ensaios aproveitamos alguns minutos pra testar arranjos e fazer mudanças. Todas acrescentam nesse processo e discutimos bastante sobre o que queremos dizer e para onde cada música pode ir. Com o tempo também começamos a compor mandando ideias no nosso grupo do Whats, em “Mr. Leech” usei ideias e frases da Hendy pra construir o que eu achava que era um refrão, a Dani usou uma levada da Lui pra construir a melodia, e de repente isso encaixou e virou o Verso principal.

É interessante que decidimos que queríamos apresentar cinco músicas autorais em um festival que fomos convidadas, e tínhamos apenas 2 ou 3 prontas, corremos pra finalizar “Mr.Leech” e “Witch in the making” pelo whats e com poucos ensaios, de repente marcamos a gravação do EP, acho que funcionamos sob pressão. (Risos)

FRS: O que vocês mais valorizam na dinâmica criativa interna: improviso, conversas, experiência pessoal…?

Hendy: A energia de ter quatro mulheres criando juntas é indescritível. Nossa dinâmica vai muito além da banda. Ela envolve nosso processo pessoal de amadurecimento, o entendimento do que é ser mulher em cada um dos nossos recortes sociais, a forma como lidamos com o julgamento externo, nossa autopercepção e o nosso poder de criação.

O que mais valorizamos é exatamente essa troca profunda, onde conversa, experiência e improviso se misturam e viram música.

FRS: O título sugere transformação, alquimia, criação. Que “feitiços” vocês sentem que aprenderam ao longo desse processo?

Daniella: Nosso principal feitiço é bem simples: sabe aquele lance de entrar em algum lugar maneiro e se ver naquele palco? Assistir às bandas em festivais e de repente ter uma visão e saber que um dia você também vai estar ali? Então, é o poder do manifesto. Aos pouquinhos vamos alcançando os espaços que sempre quisemos. O universo se encarrega de tornar tudo possível.

FRS: “Queda Livre” é a primeira música de vocês em português. O que motivou essa mudança e a sonoridade mais pesada e visceral do single?

Luisa: Veio de um desejo de sair da zona de conforto. O primeiro EP trouxe pra gente uma noção do que a gente podia fazer. E escrever em português era tipo mergulhar num outro mundo, com novas possibilidades. E quando eu comecei a olhar pra o que eu tinha de anotações em português toda hora vinham essas frases “fala de novo que eu não sei nada, me dá conselhos que eu não te pedi”. 

Aí eu acho que a sonoridade veio pra ambientar essa letra mesmo, então precisava ser algo mais visceral, mas que também brincasse com essa questão da queda, do grito, do eco, da antecipação de uma ruptura.

FRS: A letra tem um tom emocional intenso — como foi trabalhar essa vulnerabilidade em português?

Luisa: Acho que todas as nossas letras vieram de um exercício de libertação. Mas essa foi ainda mais. Pra escrever em português o desafio foi tentar ser o mais direta e sincera possível. Ela é simples e ao mesmo tempo diz tanta coisa…  Não precisava de rodeios, e por mais que isso assuste um pouco no começo, é isso que a gente quer no fim: que alguém se conecte e se reconheça com aquela mensagem. E que fique em paz com esse desejo de revidar quando alguém tenta controlar as suas decisões.

FRS: Por fim, o que vocês sonham para os próximos anos da banda — colaborações, turnês, festivais?

Daniella: Não buscamos fama, dinheiro, nada disso. A gente quer viver as experiências que a música proporciona, e levar nosso som pra cada vez mais longe. E isso inclui principalmente novos trabalhos, fazer nossas turnês e marcar nosso espaço na cena. As pessoas precisam ouvir o que temos a dizer. Além disso, em pleno 2025, a gente ainda sente que uma banda só de mulheres é algo “extraordinário” e não deveria ser. Nós tivemos que nos libertar de várias amarras em certo momento da vida, e achamos no palco um lugar pra gente se sentir livre. E se isso servir de inspiração pra outras mulheres, vamos sentir que a missão foi cumprida.

Velmas - Foto: John Alves

Primeiro single em português da banda paulista traz peso, distorções e uma letra irônica sobre libertação e queda de quem se coloca acima dos outros

A banda feminina brasileira VELMAS, formada em 2023 em São Paulo e influenciada por grunge, rock anos 70 e dream pop, lança no dia 28 de novembro o single “Queda Livre”. A faixa marca o primeiro lançamento em português do grupo, que em 2024 apresentou seu EP de estreia, Witch in the Making, com cinco faixas autorais em inglês.

Letra e mensagem

“Queda Livre” aborda a libertação diante de quem se coloca acima dos outros, uma espécie de torcida pela queda de quem se enxerga no pedestal da superioridade. A letra é direta e irônica, com versos que refletem o conflito com pessoas que tentam controlar ou anular escolhas alheias:

“Fala de novo que eu não sei de nada.

Me dá conselhos que eu não te pedi.

Só mais um passo pra cair, sem ninguém pra te salvar.

Daí de cima dá pra ouvir o som da indiferença?”

Sonoridade e produção 

Musicalmente, a canção mantém elementos do EP anterior, mas se apresenta mais pesada e com camadas adicionais, incluindo novas distorções e “gritos no abismo”, criando uma atmosfera intensa e visceral.

A gravação aconteceu no estúdio Elektro, em São Paulo, com produção de Daniel Stunges. A capa e o visualizer que acompanha o single foram criados por John Alves, responsável também pela direção do vídeo.

VELMAS é formada por:

🎤 Dani Moraes – vocais

🎸 Bárbara Mazzi – guitarras

🎸 Hendy Almeida – baixo

🥁 Luisa Migueres – bateria

Perspectiva

O lançamento de “Queda Livre” consolida um novo momento da banda, que alia atitude, sonoridade autoral e protagonismo feminino no rock nacional, mostrando que o grupo vem para se afirmar como uma voz marcante na cena independente.

Ouça "Queda Livre": 

Poppy durante apresentação em São Paulo - Foto: Ingrid Natalie

Com repertório poderoso e presença de palco magnética, artista reafirma por que é um dos nomes mais originais e instigantes do metal contemporâneo

Texto: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

Poppy, uma das grandes revelações do metal contemporâneo, se apresentou nesta quinta-feira (6) no Cine Joia, em São Paulo, diante de um público que lotou a casa de shows. Esta é a segunda passagem da artista pelo Brasil — ela já havia se apresentado no festival Knotfest, em 2024, quando divulgava seu álbum mais recente, "Negative Spaces".

A música “have You Had Enough” foi uma escolha acertada para abrir o show às 21h. A sonoridade crescente da faixa captura a atenção logo de cara e evidencia a força vocal de Poppy, que alterna entre tons melódicos e um gutural preciso e potente. Na sequência, "BLOODMONEY" intensificou ainda mais a atmosfera na qual os fãs responderam efusivamente.  

Poppy durante apresentação em São Paulo - Foto: Ingrid Natalie

Poppy também chamou a atenção de grandes nomes do rock mundial. Recentemente, ela gravou a música “End of You” ao lado de Amy Lee (Evanescence) e Courtney LaPlante (Spiritbox). Obviamente, como uma forma de homenagear os amigos, a artista não deixou de fora do setlist suas participações em faixas como “V.A.N”, do Bad Omens, e “from me to you”, do BABYMETAL.

A sequência de faixas como “The Cost of Giving Up” e “Anything Like Me” revelou o equilíbrio entre agressividade e sensibilidade, marcas registradas de sua discografia. Em “Crystallized” e “The Center’s Falling Out”, o contraste entre vocais etéreos e batidas industriais manteve o público imerso em um clima quase hipnótico.

Poppy durante apresentação em São Paulo - Foto: Ingrid Natalie

Poppy se comunicou intensamente com o público por meio de sua presença de palco. A cantora se movimentou constantemente em todas as direções, trocando olhares penetrantes com os fãs e comandando cada momento com segurança. Sempre que pedia para abrir o mosh, era prontamente atendida — especialmente em “Scary Mask” e “Concrete”, dois dos pontos mais explosivos da noite.

Poppy durante apresentação em São Paulo - Foto: Ingrid Natalie

A conclusão veio com “Surviving on Defiance”, “They’re All Around Us” e “New Way Out”, que consolidaram o tom catártico do espetáculo. Entre gritos, aplausos e olhares vidrados, ficou evidente que Poppy não é apenas uma performer — é uma artista em plena forma criativa e uma das figuras mais marcantes do metal atual.

Poppy entregou uma experiência completamente satisfatória. O único defeito? Ter durado pouco mais de uma hora. O show deixou aquele gostinho de “quero mais” e a expectativa de um retorno em breve ao Brasil.

Poppy será atração de abertura dos shows do Linkin Park nos dias 08 e 11 respectivamente em São Paulo e Brasília. 

SETLIST:

• have you had enough?
• BLOODMONEY
• V.A.N (Bad Omens cover)
• the cost of giving up
• Anything Like Me
• crystallized
• from me to u  (BABYMETAL cover)
• the center’s falling out
• Scary Mask
• I Disagree
• Bite Your Teeth
• Concrete
• surviving on defiance
• they’re all around us

Encore

• new way out

Crédito da foto: Pedro Marques

Depois da potente parceria com Nasi e Thaíde em “Chega!”, a cantora e guitarrista Nanda Moura segue desafiando convenções e mergulhando nas camadas mais intensas da liberdade com o lançamento de “Louca”. A faixa, produzida por Apollo Nove e co-produzida por Nasi, nasce de uma inquietação diante da caretice e da anestesia emocional dos tempos atuais — um chamado para romper filtros e viver de forma genuína.

Em entrevista ao Female Rock Squad, Nanda fala sobre as inspirações surrealistas que despertaram a criação da faixa, o diálogo entre o blues e o rock visceral que marca sua nova fase, e a arte como ferramenta de resistência. Provocante e visceral, “Louca” é mais que uma música: é um manifesto por autenticidade em um mundo cada vez mais podado.

FRS: “Louca” é descrita como um grito contra a caretice e a anestesia emocional. O que te motivou a transformar essa inquietação em música?

Nanda Moura: Eu estava vendo uma exposição sobre os 100 anos do Surrealismo, e me bateu: poxa, esses caras eram muito loucos, a 100 anos atrás! Dali pintando sonhos, Remedios Varo com suas mil referências, Max Ernst, extremamente descaralhado! O que aconteceu pra termos encaretado tanto? A sociedade tem andado em círculos, ora evolui em alguns pontos, e ali na frente retrocede em tantos outros. A caretice é um desses pontos de retrocesso. As pessoas estão auto-podadas de viver genuinamente. Tudo se tornou um grande filtro, no comportamento, nas relações, na arte. “Louca” nasceu desse desconforto, dessa vontade de provocar e dizer: “ei, viver é se permitir ser verdadeiro, pleno”. Todos temos as nossas marcas de loucura. Apenas as deixemos aparecer! O olhar do outro é do outro, não seu.

FRS: A faixa tem produção de Apollo Nove e co-produção de Nasi. Como essa parceria influenciou o resultado final da canção?

Nanda Moura: Foi uma soma muito poderosa. O Apollo trouxe uma visão mais experimental, com uma textura sonora incrível. O Nasi tem uma pegada visceral, de energia crua, e que tem tudo a ver com o arranjo que construí junto dos músicos fantásticos que me acompanham, o guitarrista Otávio Rocha, o baixista César Lago, e o baterista Gil Eduardo. Com o arranjo pronto, a visão certeira do Apollo e do Nasi fizeram a música ganhar o peso e a liberdade que ela pedia. Nós conseguimos incorporar referências do blues com o rock e uma certa estranheza que combina com o tema da música.

FRS: O clipe de “Louca” traduz visualmente esse manifesto de liberdade. Como foi o processo de criar essa estética tão visceral?

Nanda Moura: Eu queria que a imagem fosse tão intensa quanto a música. A inspiração veio muito de Salvador Dalí, dessa coisa surreal, desconfortável, que te cutuca, te faz pensar. A camisa de força é uma metáfora sobre o quanto a gente mesmo se limita por medo do julgamento. Então o clipe é um espelho, ele provoca e também revela.

FRS: Você costuma dizer que “a música não é só entretenimento”. Qual é, pra você, o papel da arte em tempos de conformismo?

Nanda Moura: A arte é, mais que tudo, uma forma de resistência. Ela cutuca, questiona, abre frestas onde antes só havia conforto. Arte que nos tira do automático, nos faz olhar de novo para aquilo que a gente acabou naturalizando. A arte não precisa ser “bonitinha” — o que ela tem que ser é honesta, viva, e acaba sendo incômoda, muitas vezes.

FRS:  O título “Louca” provoca e questiona a forma como a sociedade lida com quem se recusa a viver podado. Você já sentiu esse tipo de julgamento na sua trajetória?

Nanda Moura: Quem nunca? Hoje o que mais se faz é “jogar pra plateia”, levantar qualquer bandeira pra ser aceito. Quando você foge do que se espera, inevitavelmente fica “meio esquisita”... A loucura, nesse sentido, é colocar a cara, passar uma mensagem, mesmo que isso incomode.

FRS: Depois de “Chega!” e agora com “Louca”, podemos esperar um novo capítulo — talvez um álbum ou turnê — nessa fase mais rebelde e libertária da sua carreira?

Nanda Moura: Eu tenho explorado novas sonoridades, com mais peso e liberdade, mas sempre mantendo a essência do blues, que é onde tudo começa pra mim. Tenho mais algumas músicas no forno, em português, que quero levar pro palco. Estou com um show que é uma experiência não só sonora, mas também visual e emocional. “Louca” é a segunda música de um álbum inteiro que sairá aos poucos, nos próximos meses, e é só o primeiro grito dessa nova etapa.

Crédito: André Cruz Estúdio Fotográfico

A cantora e compositora fala sobre inspirações, processo criativo e planos para o álbum de estreia, enquanto consolida seu espaço na cena rock nacional

Texto: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

Com uma voz potente e ao mesmo tempo doce, que transita entre o rock, o pop punk e até sonoridades mais pesadas, Aléxia é um dos nomes mais promissores da cena nacional em 2025. Natural de Apiaí (SP), a cantora e compositora já soma mais de 400 shows pelo Brasil, dividindo palco com grandes artistas como Fresno, CPM 22, Nando Reis, Stone Temple Pilots e Detonautas. Agora, ela vive o seu melhor momento criativo com o lançamento do single “Monstro”, uma faixa que combina riffs marcantes, refrão explosivo e uma mensagem sobre as múltiplas perspectivas nos conflitos humanos. Nesta entrevista exclusiva ao Female Rock Squad, Aléxia fala sobre suas inspirações, processo criativo, carreira e o que vem por aí com o aguardado álbum de estreia.

FRS: Para aqueles que estão conhecendo o seu trabalho, o que mais te motivou a entrar para a música e especificamente para o rock'n'roll?

Aléxia: Minha infância inteira foi ouvindo música todos os dias com os meus pais, que amavam muito Offspring, Pink Floyd, Guns n Roses e The Cranberries, então boa parte das minhas referências vieram deles! Quando eu assisti a Lady Gaga na televisão pela primeira vez em 2009, eu percebi de fato que eu queria ser artista! Então comecei aulas de canto e também aprendi a tocar teclado, mas a música só se tornou minha profissão em 2021, quando comecei esse projeto. 

FRS: Você começou a sonhar com a música há 12 anos e hoje já tem mais de 400 shows na bagagem. O que mais mudou na Aléxia desde aquele início até agora?

Aléxia: Hoje em dia eu me sinto muito mais segura de ser quem eu verdadeiramente sou, e de me expressar como eu sempre quis! Eu ainda trago muita coisa daquela época, dos meus sonhos e minhas inspirações, mas hoje com muito mais maturidade, confiança e certeza de quem eu me tornei e o que eu quero pra minha vida. 

FRS: Você já dividiu palco com artistas como Fresno, CPM 22, Nando Reis e até Stone Temple Pilots. O que significou pra você cada um desses encontros e qual deles te marcou de forma especial?

Aléxia: Cada um desses encontros foi um sonho realizado, foi uma certeza de que eu estou no caminho certo e de que meu trabalho está sendo notado! Cada um me marcou de alguma forma, mas eu diria que meu encontro com o Nando Reis e com o Detonautas foram muito especiais. A gente pôde conversar e eles me deram mais força pra continuar nesse caminho. 

Aléxia - Crédito: divulgação

FRS: Suas referências vão de Lady Gaga e Paramore até Pitty, Linkin Park e Nirvana. Como você consegue trazer um pouco de cada uma dessas influências e ainda manter uma identidade própria?

Aléxia: Acredito que unindo todas as minhas influências e somando com as influências da minha banda, o Gustavo, o Guga e o Léo, a gente chegou nessa identidade. Minha forma de cantar, a forma que eles tocam, tudo isso transforma o nosso som em um som único! 

FRS: Falando sobre seu novo single, "Monstro". A música tem uma mensagem forte sobre como, em conflitos, todos podem ser vistos como vilões. O que te inspirou a escrever essa música?

Aléxia: Diversas vezes na minha vida eu fui colocada como a vilã e também coloquei muitas pessoas nessa posição, mas acredito que eu também fui a vilã da minha própria história. Eu por muitas vezes fui a minha própria inimiga, e isso me inspirou a escrever "Monstro"! 

FRS: A faixa mistura rock, pop punk e elementos eletrônicos. Como foi encontrar esse equilíbrio de estilos no estúdio?

Aléxia: A parte de teclados e sintetizadores foi feita na pós produção pelo Kamada, que trabalha com o Di Ferrero, Vitor Kley e tantos outros artistas, mas foi muito tranquilo unir todos esses elementos. A música nasceu já com essa pegada mais rock e um toque de pop punk, e eu sentia que ela precisava muito de uma veia mais dark pop, que o eletrônico trouxe! Eu amo música eletrônica e música pop, assim como eu amo o rock, e acho que unir esses gêneros só enriquece mais ainda o som. 

FRS: Você participou ativamente da produção de “Monstro” ao lado do guitarrista Gustavo Campos. Qual foi o maior desafio de se envolver tão de perto nesse processo?

Aléxia: Acho que o maior desafio é controlar a ansiedade de ver tudo pronto e também em não se perder no perfeccionismo! O perfeccionismo muitas vezes pode te atrasar e não ajudar. Mas eu simplesmente não consigo não me envolver, já que eu escrevo todas as letras e eu penso nas melodias. O Gustavo cria os arranjos e juntos a gente cuida da pós produção. Outra coisa que eu amo fazer é criar todo o conceito visual dos clipes e do marketing das músicas! Da trabalho, mas é muito divertido também. 

FRS: Você afirmou que está no seu “melhor momento pessoal, profissional e criativo”. O que te levou a sentir essa maturidade hoje?

Aléxia: Acho que é a pela sensação de coragem e de pertencimento que eu tenho sentido. Eu sinto que finalmente estou no lugar que eu queria estar e me sinto preparada pro que vier. O autoconhecimento é uma arma poderosíssima! 

FRS: Para finalizar, você comentou que um dos seus objetivos é lançar o primeiro álbum em 2025. O que pode adiantar sobre o que os fãs podem esperar desse trabalho?

Aléxia: Acredito que eu vá lançar no primeiro semestre de 2026, já que agora no segundo semestre de 2025 vamos terminar de gravar e produzir as músicas que ainda faltam pra completar esse álbum. Quero poder lançar um álbum coeso e que os fãs ouçam como uma história com um inicio, meio e fim, sabe? Uma linha do tempo que faça total sentido. Quero me conectar com eles de uma forma mais completa.

Nervosa - Foto: @digitaltaurus84

A banda brasileira de thrash metal Nervosa inicia as comemorações de seus 15 anos de carreira em grande estilo com o lançamento do novo single “Smashing Heads”, já disponível nas plataformas digitais. A faixa também ganhou um videoclipe oficial dirigido por Dimitris Prevedourakis, lançado nesta sexta-feira (20) pela Napalm Records.

Nova fase, mesma intensidade

“Smashing Heads” marca um novo capítulo na trajetória da Nervosa, sendo o primeiro registro com a baterista Gabriela Abud, que se juntou à banda em 2024. A faixa mantém a assinatura pesada e agressiva do grupo, com influências do death metal, riffs afiados e vocais poderosos da guitarrista e vocalista Prika Amaral, que assumiu os vocais em tempo integral no álbum "Jailbreak" (2023).

O som entrega uma verdadeira avalanche sonora, com blast beats frenéticos e uma produção que valoriza o impacto brutal da composição. É um lembrete de que a Nervosa segue evoluindo sem perder sua essência agressiva.

Visual impactante e presença de palco

O videoclipe de “Smashing Heads” acompanha a energia intensa da música, com uma estética sombria e forte presença visual, elementos que já se tornaram marcas registradas da banda em seus lançamentos audiovisuais.

Além do novo single, a Nervosa segue em turnê pela Europa com datas confirmadas em importantes festivais como o Hellfest, consolidando sua posição como um dos nomes mais respeitados do metal brasileiro no cenário internacional.

Legado e renovação

Com “Smashing Heads”, a Nervosa reafirma sua relevância após uma trajetória marcada por mudanças de formação, turnês internacionais e discos elogiados pela crítica. A banda mostra que está pronta para novos desafios, celebrando o passado com os olhos voltados para o futuro.

The Mönic - Foto: instagram

Banda paulistana fala sobre sua trajetória independente, a energia de Cuidado Você e a expectativa para abrir o show do Garbage e L7 em São Paulo

Por: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

O rock nacional segue vivo e pulsante, e a The Mönic é prova disso. Desde 2018, a banda tem se destacado com seu som explosivo e uma trajetória marcada pela autenticidade e pelo DIY. Depois de incendiar palcos como os do Knotfest Brasil e do Rock in Rio 2024, o quarteto paulistano agora se prepara para mais um grande momento: abrir o show do Garbage e L7 em São Paulo, no dia 22 de março.

Com o álbum Cuidado Você, lançado pela Deck e produzido por Rafael Ramos, a banda reafirma sua identidade e traz letras afiadas e energia crua. Além disso, a The Mönic não se limita à música — o grupo também é responsável pela 'Não Tem Banda Com Mina', um projeto itinerante que fortalece a cena feminina no rock.

Conversamos com a guitarrista Dani Buarque sobre essa jornada intensa, os desafios da cena independente e os próximos passos da banda. Confira!

FRS: A The Mönic tem se consolidado como um dos nomes mais relevantes do rock nacional. Como vocês enxergam essa trajetória desde a formação da banda em 2018 até agora?

Dani Buarque: É uma caminhada intensa, cheia de altos e baixos, mas sempre com muita verdade e entrega. A The Mönic nunca foi sobre seguir uma fórmula, e acho que isso que faz a gente juntar a galera que se conecta com a gente de forma genuína, tijolinho por tijolinho. Já vi comentário na internet de quem não consome o underground achando que a gente chegou agora na cena e que tem alguém poderoso por trás comprando espaço por estar começando a ver muito nosso nome por aí. Acho até engraçado quando confundem o corre independente de uma banda que sempre gerenciou sua carreira, levantou próprios eventos pra tocar sem ter dinheiro, com algo construído por um grande empresário—sinal de que o trampo tá reverberando além da nossa bolha.

FRS: O mais recente disco 'Cuidado Você' traz uma energia intensa e letras marcantes. Como foi o processo de composição e gravação desse álbum?

Dani Buarque: Queríamos que ele soasse cru e direto, a gente começou ele durante a pandemia, o que tornou o processo de composição muito visceral. Era uma época de muita incerteza, estávamos passando por uma mudança na formação original e a única opção que a gente tinha era dar tudo de si porque o pior já estava acontecendo ali para o mundo todo.

FRS: Como foi trabalhar com o produtor Rafael Ramos, que já esteve por trás de álbuns icônicos do rock brasileiro?

Dani Buarque: O Rafa é um acontecimento hahaha Ele além de ser uma enciclopédia musical, ligado em tudo que já aconteceu e está acontecendo, ele é um produtor humano. Ele consegue sacar muito bem a essência das bandas com quem trabalha, e com a gente não foi diferente. Sacamos juntos o que era Cuidado Você durante todo o processo e ele soube potencializar. Ele acompanhou cada composição desse disco desde o nascimento, cada riff, cada refrão, cada melodia. Levantamos um repertório de 25 músicas pra chegar nas 14 gravadas. 

FRS: Vocês já tocaram em festivais gigantes como o Knotfest e o Rock in Rio. Como tem sido essa experiência de dividir palco com grandes nomes da música?

Dani Buarque: É surreal. São momentos que, quando a gente para pra pensar, parece que ainda não caiu a ficha. No Knotfest, por exemplo, estávamos ali no meio de bandas que crescemos ouvindo, e no Rock in Rio, passou um filminho na cabeça de todas as edições que fui e pensava “um dia será a gente ali". Para mim é muito importante viver muito presente essas oportunidades, com muita gratidão mas também com muito pé no chão. Sinto a beleza e a felicidade de tudo que estamos vivendo. Desde um estádio cheio na abertura de um festival até na casa pra 100 pessoas do interior. Todo show tem sua importância, e posso dizer com toda honestidade do mundo que me emociono tanto quanto um Knotfest, ter uma pequena casa cheia de pessoas que saíram só pra colar no show e cantar nossas músicas. 

FRS: Agora, vocês vão abrir para Garbage e L7 em São Paulo. O que esse momento representa para a banda?

Dani Buarque: Uma realização absurda. A gente já abriu pro Garbage em 2016, quando éramos o BBGG, então agora voltar a dividir o palco com elas como The Mönic, ao lado do L7, que também é uma referência enorme pra gente, é um ciclo muito especial que se fecha. São duas bandas que pavimentaram o caminho pra muitas mulheres no rock, e estar ali, dividindo essa noite, é surreal. Muito do que a gente prega como artistas mulheres vieram delas. A gente tem uma festa chamada 'Não Tem Banda com Mina', que sempre que contratam nosso show a gente tenta vender a festa, que é uma forma de apoiar a cena local de mulheres, pq a regra da festa é ter pelo menos 80% de mulher em cima do palco.

FRS: Depois dessa turnê incrível, quais são os próximos passos da The Mönic? Podemos esperar novos lançamentos em breve?

Dani Buarque: Sempre! Semana que vem tem anúncio importante. E em breve agenda com muitos shows com estados que a gente nunca foi, que é a grande meta de 2025.

De 21 a 23 de março acontece a super turnê do Garbage, uma das mais influentes, aclamadas e explosivas bandas na história do alternative rock com a sempre irradiante Shirley Manson nos vocais, com as meninas do L7, que incendiaram o grunge na década de 1990, como convidadas especiais. Os shows acontecem no Rio de Janeiro (21/03, no Sacadura 154), São Paulo (22/03, no Terra SP) e Curitiba (23/03, na Ópera de Arame). A banda The Mönic fará a abertura dos eventos em São Paulo e Curitiba.

Os ingressos estão disponíveis no site  https://fastix.com.br. 

Crédito: Dani Moreira

Depois de uma extensa agenda de shows e de apresentações ao lado de nomes como Black Pantera, Crypta, Napalm Death, Exodus e Suicidal Tendencies, a banda Eskröta levou a turnê do mais recente álbum - Atenciosamente, Eskröta (2023) - para o Palco  Supernova do Rock in Rio, fez a primeira turnê internacional e se prepara para performance no KNOTFEST

Eskröta vive uma fase espetacular na carreira! A banda que conta em sua atual formação com Yasmin Amaral (vocal e guitarra), Tamyris Leopoldo (baixo) e Jhon França (bateria) fez um show fantástico na edição de 40 anos do Rock In Rio recentemente, realizou sua primeira turnê internacional passando por vários países da América do Sul e se prepara para uma super performance no Knotfest no dia 20 de outubro. 

O power-trio nasceu em 2017 no interior de São Paulo. Eskröta faz um rock pesado com letras em português que abordam empoderamento feminino e temas sociais.

Em 2018, o EP "Eticamente Questionável" ganhou boa repercussão no cenário underground brasileiro, o que resultou em convites para diversos festivais, além de ampliar a comunidade de fãs. Com lançamentos constantes – "Ultriz" (2019), "Cenas Brutais" (2020), "T3RROR" (2021), a Eskröta lançou em 2023 o mais recente trabalho, o álbum Atenciosamente, Eskröta.

Produzido por Yasmin Amaral, o álbum foi mixado e masterizado no Estúdio Toth, de Danilo Souza e Fernando Uehara, membros do Bullet Bane, e conta com a participação de Milton Aguiar, vocalista da Bayside Kings na faixa “Pertencer e Conquistar”.

ROCK IN RIO 40 ANOS

Eskröta desponta como um nome importante para o heavy metal feminino brasileiro. O trabalho está sendo reconhecido e não por acaso o trio já dividiu o palco Black Pantera, Crypta, Napalm Death, Exodus e Suicidal Tendencies. O resultado foi um convite para tocar na edição de 40 anos do Rock In Rio no dia 15 de setembro. 

“Estamos realizando muitos sonhos em 2024, dentre eles tocar no Rock In Rio e Knotfest, mas muita coisa legal aconteceu e estamos gratas de ter a oportunidade de mostrar o nosso trabalho para cada vez mais pessoas. Ver o público acompanhando a gente a cada passo é muito gratificante, a expectativa não poderia ser melhor, estamos prontas!”, diz Yasmin.

PRIMEIRA TURNÊ INTERNACIONAL

A banda embarcou em sua primeira turnê internacional logo depois do Rock In Rio. De 28 de setembro a 06 de outubro a Eskröta se apresentou em Montevidéu, no Uruguai, Rosário e Buenos Aires, na Argentina, e em Santiago, Concepción e Valparaíso, no Chile. 

"Estamos felizes de concluir mais um capítulo na nossa trajetória, nossa primeira turnê pela América do Sul, passando pelo Uruguai, Argentina e Chile, cada país com as suas particularidades, culturas, público... Foi realmente emocionante poder pisar em palcos tão diferentes, desde datas que fizemos com Napalm Death, até as datas que fomos headliners, ver que haviam pessoas que já conheciam a nossa mensagem, que já sabiam quem somos, isso é algo que ultrapassou as fronteiras, de verdade", comenta Yamin Amaral.

APÓS TURNÊ NA AMÉRICA DO SUL, ESKRÖTA SE APRESENTA NO KNOTFEST

Depois de uma frenética série de shows pela América do Sul, Eskröta está mais do que preparada para a apresentação no Knotfest dia 20 de outubro. “O Knotfest vem pra consolidar o trabalho que estamos fazendo há 7 anos aqui no Brasil, pra fazer um show inesquecível e mostrar o quanto a Eskröta evoluiu e está pronta pra um palco como esse, estamos honradas e vamos dar o nosso melhor”, afirma a vocalista.

Assista a nossa entrevista com Yasmin e Tamyris que nos detalharam tudo sobre esse momento da banda: 

Olivia Yells - Foto: divulgação

Disco de estreia da musicista paranaense traz fortes influências de Nirvana, Alice In Chains, PJ Harvey e Hole

Por: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad) 

Olivia Yells é uma excelente cantora/compositora de Curitiba – PR que iniciou a carreira autoral no ano de 2020 com dois singles: “Good Manners” em março, e “Bittersweet Lullaby” em julho. Em 2022, Olivia apresentou a poderosa música “Name”, que nos introduziu à sua nova fase. Por fim, veio o single “Tired” que preparou os fãs para o lançamento do tão aguardado EP “Waiting Room” que chegou em 2023. 

A artista não tem medo de abrir o seu coração e contar experiências pessoais em suas composições que são apoiadas sonoramente por desde melodias mais suaves mostrando uma vulnerabilidade bem como notas mais pesadas que expressam um sentimento mais visceral. Influência forte do grunge dos anos 90 como Nirvana, Alice In Chains, PJ Harvey e Hole. 

Confira a entrevista com essa excelente musicista que está agitando a cena de Curitiba: 

FRS: Para quem está conhecendo o seu trabalho agora, quando e como foi o seu primeiro contato com o rock'n'roll?

1. Eu acredito que meu primeiro contato com o rock n' roll tenha sido ouvindo as músicas que meus irmãos escutavam. Eu sou a caçula da casa então sempre me mantive por perto e me mostrei interessada pelos interesses deles. Outra memória afetiva disso foi o Guitar Hero, meu deus, como eu amava (e ainda amo) esse jogo! Descobri ali inúmeras músicas que com certeza influenciaram sonoramente o começo das minhas composições. 

FRS: Como você se define enquanto compositora? Existe algum tipo de hábito e rotina que você cria pra escrever?

Olivia Yells: Já ouvi falar que tem muito compositor que consegue sentar e escrever de uma forma planejada, eu infelizmente não sou assim. Compor é uma tarefa difícil pra mim, e como eu geralmente escrevo sobre experiências pessoais, eu preciso MUITO me sentir inspirada para escrever sobre coisas que, muitas vezes, são extremamente desconfortáveis pra mim. Geralmente essa inspiração vem quando eu tô dentro do meu quarto, em silêncio -- me sinto, de certa forma, protegida para escrever. 

FRS: Quais são as suas principais inspirações?

Olivia Yells: Sonoramente eu sou bastante influenciada por artistas e bandas como PJ Harvey, Hole, L7, Queens of The Stone Age, Soundgarden e Alice in Chains. Já em questão de escrita, percebi que me vejo muito nas composições da Fiona Apple e da Mitski. 

FRS: Como surgiu o nome Olivia Yells?

Olivia Yells: Para o choque de alguns meu nome não é Olivia, esse eu puxei do meu sobrenome "Olivo" -- e eu achei que me coube bem, as pessoas dizem que eu tenho cara de Olivia. Já o Yells veio de observar o quanto eu gostava muito de ouvir músicas onde os cantores faziam notas altas, as vezes rasgadas, e eu me via tentando reproduzir elas diversas vezes... Aí um dia deitei, fechei meus olhos e veio: Olivia - Yells. 

FRS: Você estreou em 2020 com os singles “Good Manners” e “Bittersweet Lullaby”. Qual foi o seu sentimento ao perceber a boa recepção de ambas as músicas pelo público?

Olivia Yells: Foi MALUCO. Como falei anteriormente, grande partes das canções são sobre minha vida pessoal, então eu me senti como se estivesse abrindo meu coração pra todo mundo. Fiquei surpresa com a reação das pessoas, conheci muita gente que me acompanha até hoje, recebi feedbacks de pessoas me contando sobre o impacto que aquelas músicas causaram na vida delas e só de me lembrar me emociona muito. O ano de 2020 foi pesado pra todo mundo, nunca me imaginei lançando minhas primeiras músicas em um tempo tão complicado e achei que isso pudesse afetar a minha conexão com meu possível público. Acabei me surpreendendo positivamente. 

FRS: Em 2023, você lançou o EP "Waiting Room". Quão desafiador foi pra você compor e gravar este novo trabalho? Como foi o processo de produção?

Olivia Yells: "Waiting Room" é meu primeiro EP da vida -- ele é um compilado de músicas que eu escrevi desde 2017 e todas elas retratam uma parte do meu processo de superação lidando com quebra de expectativas minhas dentro de relacionamentos. Eu lancei esse trabalho lidando com feridas abertas e isso por si só já foi difícil o suficiente. Todos os dias que entrei no estúdio pra produzir esse EP aprendi algo diferente, quase como se eu fosse obrigada a olhar pra tudo aquilo e dissecar cada uma das situações lentamente. A música mais difícil de gravar foi "Goodbye Lullaby", justamente a que faz o fechamento de tudo. Essa canção foi lançada em 2020 e relançada completamente resignificada sonoramente. A música termina comigo dizendo: "Não foi minha culpa", frase que eu adicionei para representar meu novo sentimento sobre a composição. 

capa do EP

FRS: Qual música de "Waiting Room" mais descreve a sua fase atual e por que?

Olivia Yells: Eu diria que a "Waiting Room" é bastante representativa pra mim. Essa foi a última música que eu escrevi pro EP e ela vem com um formato diferente das outras: ela tem 1 minuto e 40 segundos, a métrica é mais curta e as frases são mais diretas. A atitude me parece mais madura e a letra possuí alguns "easter eggs" sobre coisas que eu quero me aprofundar futuramente. 

FRS: Qual o seu maior propósito com a música?

Olivia Yells: Quando penso no meu trabalho, penso em conexão, conforto e empoderamento. Quero que minhas músicas sejam um refúgio para quem precisar delas, mas principalmente para meninas e mulheres. Quero que elas vejam que tá tudo bem ter raiva, chorar, por pra fora da maneira que elas conseguirem -- e se for com a música melhor ainda. Espero trazer muitas delas pra arte se assim desejarem. 

Assista ao vídeo oficial da música "Tired": 

FRS: Por fim, quais serão os próximos passos para Olivia Yells? 

Olivia Yells: Quero muito produzir mais materiais visuais para o EP e lançar "Theory of Ends", uma música que não entrou no "Waiting Room" mas que tem absolutamente tudo a ver com ele. Enquanto isso, vou me preparando para o sucessor de WR.

Ouça "Waiting Room" na íntegra:

<3

Apresentação na capital paulista será dia 20/10 no Carioca Club

Pioneiras do movimento feminista norte-americano no punk/grunge e do Riot grrrl lá no início da década de 1990, e detentoras de uma das sonoridades mais autênticas do rock, o L7 está de volta ao Brasil em outubro, com show em São Paulo marcado para 20/10 no Carioca Club. A apresentação será um best of, com sucessos de toda a carreira.

O show do L7 em São Paulo é uma realização da Maraty, que este ano ainda traz Black Flag, Hermanos Gutiérrez e outras atrações a serem anunciadas, com produção da Powerline. A abertura terá duas bandas clássicas do punk rock nacional: Cólera e As Mercenárias. Ingressos à venda: https://www.clubedoingresso.com/evento/l7-sp.

O L7 está de volta em plena atividade desde 2014, após um hiato de 14 anos. A banda se mostra revigorada e tocando ao redor do globo com explosivos shows sold-out.

O quarteto de Los Angeles, à época comparada à versão feminina do Nirvana, foi uma das mais reverenciadas bandas no antológico Hollywood Rock de 1993, num show que até hoje é lembrado pela legião de fãs brasileiros.

Desde que gravaram o primeiro disco em 1987, dois anos após a formação da banda, o L7 contabiliza seis discos de estúdio, três registros ao vivo, um disco de covers, entre um monte de hits que tocaram – e tocam - à exaustão pelas rádios de todo o mundo, lançados por grandes gravadoras como Epitaph, Sub Pop, Slash Records e Warner. O L7 também ganhou relevância nos anos 90 devido às letras das músicas, como defesa das liberdades civis e feminismo.

Após o retorno, Donita Sparks (guitarra/vocal), Suzi Gardner (guitarra/vocal), Dee Plakas (bateria) e Jennifer Finch (baixo) já lançaram algumas músicas, como ‘I come back to bitch’ (que ganhou um videoclipe com ares de produção caseira, no melhor espírito grunge noventista), e ‘Dispatch from Mar-a- Lago’.

“Bricks are Heavy”, o terceiro disco da carreira, e um dos registros mais importantes dos anos 90 para o rock, impulsionou o quarteto ao estrelato mundial, foi considerado pela edição norte-americana da revista Rolling Stone como um dos 100 discos “indispensáveis” dos anos 90. É neste registro que gravaram o hit ‘Pretend We’re dead’, um sucesso comercial que ultrapassou as barreiras do rock e levou a banda a outros públicos, do pop ao metal.

A nova turnê do L7 pela América do Sul, que abrange mais datas no Brasil e em outros países, é uma realização da Vênus Concerts.

SERVIÇO:  L7 EM SÃO PAULO

Data: 20 de outubro de 2023

Horário: 19h (abertura da casa)

Local: Carioca Club

Endereço: Rua Cardeal Arcoverde, 2899 - Pinheiros, São Paulo/SP

Venda: https://www.clubedoingresso.com/evento/l7-sp

Ingresso:

Pista

1º lote: R$ 180,00 (meia solidária) e R$ 380,00 (inteira)

2º lote: R$ 210,00 (meia solidária) e R$ 240,00 (inteira)

Camarote

1º lote: R$ 280,00 (meia solidária) e R$ 560,00 (inteira)

2º lote: R$ 310,00 (meia solidária) e R$ 620,00 (inteira)