Marcelo D2, vocalista do Planet Hemp - Foto: Ingrid Natalie

Show no Allianz Parque reuniu hits clássicos, novas faixas e participações de artistas que marcaram a trajetória da banda

Texto: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

Planet Hemp se despediu dos palcos paulistas nesse último sábado (15) no Allianz Parque. O show fez parte da turnê "Até a Última Ponta" e teve produção da 30e. O público pode presenciar um passeio pela discografia de uma das bandas mais emblemáticas do rock brasileiro que tocou desde os clássicos — como “Legalize Já” e “Mantenha o Respeito” — até faixas mais recentes, em uma celebração de três décadas de resistência cultural.

O show começou às 20h30 com um vídeo introduzindo a história do Planet Hemp e a poderosa "Dig Dig Dig (Hempa)" que se destaca pela forte percussão e um groove impactante. O pulso rítmico constante da música foi ideal para evidenciar que o show seria intenso do início ao fim. Em seguida, "Fazendo a cabeça" com a introdução de "Ex-quadrilha da fumaça" configurou ainda mais peso ao repertório. 

Planet Hemp durante show em São Paulo - Foto: Ingrid Natalie

PLANET HEMP DISRUPTIVO

Planet Hemp marcou a história do rock brasileiro com sua proposta disruptiva, unindo hardcore e rap em uma sonoridade única e assumindo uma postura abertamente favorável à legalização da maconha. Dois bons exemplos  dessa identidade apareceram no setlist: “Raprockandrollpsicodeliahardcoreragga”, com seus riffs potentes e energia explosiva e intensificada pelo gigantesco f*da-se no telão, e “Não Compre, Plante!”, que aborda os perigos do tráfico e defende o cultivo da erva. O público também foi à loucura nas canções "Queimando tudo" e o clássico "Legalize Já". 

Os três primeiros álbuns — "Usuário" (1995), "Os Cães Ladram Mas a Caravana Não Pára" (1997) e "A Invasão do Sagaz Homem Fumaça" (2000) — dominaram o repertório do show, mas o álbum mais recente, "Jardineiros" (2022), também marcou presença com cinco faixas, mostrando que a banda continua atual e relevante.

Marcelo D2 e a esposa Luiza que participou do backing vocals na música "Taca Fogo" Foto: Ingrid Natalie

PROPOSTA VISUAL

A proposta visual do espetáculo foi um dos pontos altos. Sequências de luzes e vídeos projetados no telão ajudaram a contar a história da banda, tornando tudo ainda mais grandioso. Como Marcelo D2 mencionou em entrevista recente, se o objetivo era apresentar uma autobiografia contada pelo próprio Planet Hemp, a missão foi cumprida com êxito. Cada ato era divido em episódios marcantes da carreira da banda, como por exemplo, a prisão dos integrantes em 1997.

PARTICIPAÇÕES ESPECIAIS 

A apresentação do Planet Hemp foi marcada por várias participações especiais. Os primeiros a subir ao palco foram o rapper Emicida e o emblemático músico Seu Jorge. Ambos têm uma relação próxima com o Planet Hemp: já dividiram o palco em outras ocasiões, como na celebração dos 30 anos da banda, e Seu Jorge foi percussionista no álbum "A Invasão do Sagaz Homem Fumaça", no início dos anos 2000.

Seu Jorge e Emicida durante apresentação do Planet Hemp em São Paulo - Foto: Ingrid Natalie

Emicida e Seu Jorge executaram a música "Nunca tenha medo", com uma fala de BNegão a cerca do uso da ferramenta do medo pelos governantes para a perpetuação do poder. Na sequência, "AmarElo", com sample de "Sujeito de Sorte" (Belchior) arrancou uma reação efusiva do público. Seu Jorge ainda permaneceu no palco para tocar flauta em "Biruta" e uma belíssima performance vocal na dobradinha “Cadê o isqueiro?” e “Quem tem seda?”.

Outra participação que levantou o público foi a de Pitty. A cantora, que mantém uma relação de admiração mútua com o Planet Hemp, trouxe ainda mais intensidade ao palco com sua presença enérgica. "Admirável Chip Novo" ganhou uma sonoridade ainda mais hardcore, seguida por "Teto de Vidro". Sua voz potente se encaixou naturalmente na estética híbrida da banda, reforçando o diálogo entre o rock e o rap que sempre marcou a trajetória do grupo. 

FINAL MEMORÁVEL 

Já tinham se passado um pouco mais de 1h40m ininterruptos do show, quando Planet Hemp foi preparando um final simplesmente épico. A começar pela música "100% hardcore" que promoveu uma roda enorme (com direito a sinalizadores pelos fãs) e a versão de “Samba Makossa” (Chico Science & Nação Zumbi) que, além do saudoso Chico Science, também homenageou Skunk, Kalunga, Chorão e Sabotage.

Participação de Black Alien - Foto: Ingrid Natalie

O momento mais surpreendente da noite veio com a entrada de Gustavo de Almeida Ribeiro, o Black Alien, figura central da formação clássica do Planet Hemp. A plateia explodiu em êxtase. Ele dividiu os vocais com a banda em “Contexto” e “Queimando Tudo” e, depois disso, permaneceu no palco até o fim. Houve tempo para "Deisdazseis".

Se aproximando do fim, mais um convidado especial subiu ao palco. João Gordo, vocalista do Ratos de Porão, e uma das grandes influências do Planet Hemp, cantou "Crise Geral" com um sentimento de comoção geral do público e banda. A clássica "Mantenha o Respeito" fechou esse importante episódio do Planet Hemp em grande estilo e a certeza de que em despeito de qualquer concordância ou discordância da pauta levantada pela banda, o legado musical é inquestionável e uma qualidade sonora absurda.

BNegão e Marcelo D2 - Foto: Ingrid Natalie

O último show da turnê acontece 13 de dezembro no Rio de Janeiro na Fundição Progresso. 

Setlist — Planet Hemp:

• Dig Dig Dig (Hempa)
•  Ex-quadrilha da fumaça / Fazendo a cabeça
• Raprockandrollpsicodeliahardcoreragga
• Distopia
• Taca fogo 
• Mary Jane / Phunky Buddha
• Planet Hemp
• Legalize já
• Não compre, plante!
• Jardineiro
• Queimando tudo
• Onda forte
•  Nunca tenha medo (com Emicida e Seu Jorge)
• AmarElo (música de Emicida; com Emicida e Seu Jorge)
• Biruta (com Seu Jorge na flauta)
• Cadê o isqueiro? / Quem tem seda? / Pilotando o bonde da excursão (com Seu Jorge)
• Puxa fumo
• Adoled (The Ocean)
• Salve, Kalunga
• Gorilla Grip
• O bicho tá pegando
• Mão na cabeça
• Não vamos desistir
• Stab
• Procedência C.D.
• Admirável chip novo (música da Pitty; com participação da Pitty)
• Teto de vidro (música da Pitty; com participação da Pitty)
• 100% Hardcore / Deixa a gira girá
• Zerovinteum
• Hip Hop Rio
• Samba makossa / Monólogo ao pé do ouvido (cover de Nação Zumbi)
• A culpa é de quem?
• Contexto (com Black Alien)
• Queimando tudo (com Black Alien)

Encore:

• Deisdazseis (com Black Alien)
• Crise geral (música do Ratos de Porão; com João Gordo)
• Mantenha o respeito (com Black Alien e João Gordo)

CPM 22 - Foto: Léo Muniz

O CPM 22 escreve mais um capítulo em sua trajetória de três décadas com o lançamento do single “30 Anos Depois”. Composta por Badauí e Luciano, a canção é uma reflexão sobre a jornada da banda, do underground ao mainstream, e uma homenagem a quem sempre acompanhou a banda. A produção é assinada por Luciano em parceria com Ali, que também cuidou da mixagem e masterização.

“A letra dessa música nasceu de um texto que eu escrevi. O Luciano deu forma e lapidou a letra para que a gente pudesse contar essa história de um jeito mais direto”, conta Badauí.

Luciano explica que a ideia de celebrar os 30 anos da banda com uma música existia há algum tempo, mas o processo criativo ganhou forma recentemente.

“A letra é baseada em um texto muito bonito que o Badauí escreveu sobre a história da banda. A melodia surgiu na minha cabeça enquanto lia o texto, e parte dela veio durante uma viagem, em Santa Bárbara d’Oeste. Quando voltei para casa, peguei a guitarra, montei os acordes e complementei a letra com ideias que surgiram no momento. A gravação foi feita por mim e pelo Ali, no estúdio dele, em São Paulo.”

Badauí complementa:

“No fim, essa música é uma homenagem à nossa trajetória e também um agradecimento a quem sempre esteve com a banda.”

O lançamento acontece em meio à turnê comemorativa que percorre o Brasil, levando aos fãs clássicos como “Dias Atrás”, “Regina Let’s Go” e “Tarde de Outubro”. Um dos momentos mais marcantes dessa turnê foi a apresentação no festival The Town, em setembro, que reuniu uma multidão e reafirmou a força e a relevância do CPM 22 no rock nacional, mostrando que, três décadas depois, a banda continua conectada com seus fãs.

Ouça a música:

Banda paulistana celebra três décadas de trajetória com shows especiais pelo Brasil, reunindo clássicos do hardcore nacional.

O CPM 22 acaba de anunciar uma turnê comemorativa de 30 anos de carreira. A novidade foi revelada em uma carta aberta publicada nas redes sociais da banda nesta sexta-feira (22), data simbólica que marca o início da trajetória do grupo em 1995.

Reconhecido como um dos nomes mais importantes do rock nacional, o CPM 22 promete um show repleto de energia e nostalgia, trazendo no setlist sucessos como “Dias Atrás”, “Um Minuto para o Fim do Mundo”, “Tarde de Outubro” e “Regina Let’s Go!”.

Ao longo da carreira, a banda conquistou cinco indicações ao Grammy Latino, levou o prêmio em 2008 e consolidou uma história marcada por turnês lotadas e discos que se tornaram referência no hardcore brasileiro.

A seguir, a íntegra da carta aberta divulgada nas redes sociais e um texto assinado por Badaui.

Carta aberta | 30 Anos de CPM 22

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A turnê “CPM 22 – 30 Anos” passará por diversas cidades do país:

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Crédito: André Cruz Estúdio Fotográfico

A cantora e compositora fala sobre inspirações, processo criativo e planos para o álbum de estreia, enquanto consolida seu espaço na cena rock nacional

Texto: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

Com uma voz potente e ao mesmo tempo doce, que transita entre o rock, o pop punk e até sonoridades mais pesadas, Aléxia é um dos nomes mais promissores da cena nacional em 2025. Natural de Apiaí (SP), a cantora e compositora já soma mais de 400 shows pelo Brasil, dividindo palco com grandes artistas como Fresno, CPM 22, Nando Reis, Stone Temple Pilots e Detonautas. Agora, ela vive o seu melhor momento criativo com o lançamento do single “Monstro”, uma faixa que combina riffs marcantes, refrão explosivo e uma mensagem sobre as múltiplas perspectivas nos conflitos humanos. Nesta entrevista exclusiva ao Female Rock Squad, Aléxia fala sobre suas inspirações, processo criativo, carreira e o que vem por aí com o aguardado álbum de estreia.

FRS: Para aqueles que estão conhecendo o seu trabalho, o que mais te motivou a entrar para a música e especificamente para o rock'n'roll?

Aléxia: Minha infância inteira foi ouvindo música todos os dias com os meus pais, que amavam muito Offspring, Pink Floyd, Guns n Roses e The Cranberries, então boa parte das minhas referências vieram deles! Quando eu assisti a Lady Gaga na televisão pela primeira vez em 2009, eu percebi de fato que eu queria ser artista! Então comecei aulas de canto e também aprendi a tocar teclado, mas a música só se tornou minha profissão em 2021, quando comecei esse projeto. 

FRS: Você começou a sonhar com a música há 12 anos e hoje já tem mais de 400 shows na bagagem. O que mais mudou na Aléxia desde aquele início até agora?

Aléxia: Hoje em dia eu me sinto muito mais segura de ser quem eu verdadeiramente sou, e de me expressar como eu sempre quis! Eu ainda trago muita coisa daquela época, dos meus sonhos e minhas inspirações, mas hoje com muito mais maturidade, confiança e certeza de quem eu me tornei e o que eu quero pra minha vida. 

FRS: Você já dividiu palco com artistas como Fresno, CPM 22, Nando Reis e até Stone Temple Pilots. O que significou pra você cada um desses encontros e qual deles te marcou de forma especial?

Aléxia: Cada um desses encontros foi um sonho realizado, foi uma certeza de que eu estou no caminho certo e de que meu trabalho está sendo notado! Cada um me marcou de alguma forma, mas eu diria que meu encontro com o Nando Reis e com o Detonautas foram muito especiais. A gente pôde conversar e eles me deram mais força pra continuar nesse caminho. 

Aléxia - Crédito: divulgação

FRS: Suas referências vão de Lady Gaga e Paramore até Pitty, Linkin Park e Nirvana. Como você consegue trazer um pouco de cada uma dessas influências e ainda manter uma identidade própria?

Aléxia: Acredito que unindo todas as minhas influências e somando com as influências da minha banda, o Gustavo, o Guga e o Léo, a gente chegou nessa identidade. Minha forma de cantar, a forma que eles tocam, tudo isso transforma o nosso som em um som único! 

FRS: Falando sobre seu novo single, "Monstro". A música tem uma mensagem forte sobre como, em conflitos, todos podem ser vistos como vilões. O que te inspirou a escrever essa música?

Aléxia: Diversas vezes na minha vida eu fui colocada como a vilã e também coloquei muitas pessoas nessa posição, mas acredito que eu também fui a vilã da minha própria história. Eu por muitas vezes fui a minha própria inimiga, e isso me inspirou a escrever "Monstro"! 

FRS: A faixa mistura rock, pop punk e elementos eletrônicos. Como foi encontrar esse equilíbrio de estilos no estúdio?

Aléxia: A parte de teclados e sintetizadores foi feita na pós produção pelo Kamada, que trabalha com o Di Ferrero, Vitor Kley e tantos outros artistas, mas foi muito tranquilo unir todos esses elementos. A música nasceu já com essa pegada mais rock e um toque de pop punk, e eu sentia que ela precisava muito de uma veia mais dark pop, que o eletrônico trouxe! Eu amo música eletrônica e música pop, assim como eu amo o rock, e acho que unir esses gêneros só enriquece mais ainda o som. 

FRS: Você participou ativamente da produção de “Monstro” ao lado do guitarrista Gustavo Campos. Qual foi o maior desafio de se envolver tão de perto nesse processo?

Aléxia: Acho que o maior desafio é controlar a ansiedade de ver tudo pronto e também em não se perder no perfeccionismo! O perfeccionismo muitas vezes pode te atrasar e não ajudar. Mas eu simplesmente não consigo não me envolver, já que eu escrevo todas as letras e eu penso nas melodias. O Gustavo cria os arranjos e juntos a gente cuida da pós produção. Outra coisa que eu amo fazer é criar todo o conceito visual dos clipes e do marketing das músicas! Da trabalho, mas é muito divertido também. 

FRS: Você afirmou que está no seu “melhor momento pessoal, profissional e criativo”. O que te levou a sentir essa maturidade hoje?

Aléxia: Acho que é a pela sensação de coragem e de pertencimento que eu tenho sentido. Eu sinto que finalmente estou no lugar que eu queria estar e me sinto preparada pro que vier. O autoconhecimento é uma arma poderosíssima! 

FRS: Para finalizar, você comentou que um dos seus objetivos é lançar o primeiro álbum em 2025. O que pode adiantar sobre o que os fãs podem esperar desse trabalho?

Aléxia: Acredito que eu vá lançar no primeiro semestre de 2026, já que agora no segundo semestre de 2025 vamos terminar de gravar e produzir as músicas que ainda faltam pra completar esse álbum. Quero poder lançar um álbum coeso e que os fãs ouçam como uma história com um inicio, meio e fim, sabe? Uma linha do tempo que faça total sentido. Quero me conectar com eles de uma forma mais completa.

Power Supply - Foto: divulgação

A Power Supply está de volta – e diferente de tudo que já foi. Após um período de transformações internas e criativas, a banda paulistana relança “seis e quatro”, sua primeira faixa em português, agora em uma nova versão mais intensa, pesada e emocional. O single, disponibilizado em 25 de julho de 2025, chegou acompanhado de um videoclipe oficial e inaugura oficialmente uma nova era para o grupo, que passa a escrever integralmente em sua língua nativa.

“‘seis e quatro’ foi nossa primeira composição juntos, mas a gravação original não fazia jus à música. Faltava maturidade musical e de vida”, comenta o baterista Thales. Já Fefo, guitarrista e responsável pela produção e mixagem da nova versão, completa: “Dessa vez, conseguimos executar tudo o que tentamos na primeira. É uma versão mais cheia, mais completa, mais emocionante. Todo mundo parece ter nascido pra gravar isso”.

A regravação marca o início de um novo projeto da Power Supply, que nos próximos meses ainda apresentará as inéditas “Falsas Portas” e “Batente”.

Uma ruptura necessária

Em 2024, a banda decidiu abandonar quase dois álbuns escritos em inglês e inúmeras gravações já feitas para recomeçar do zero. “Tudo no lixo. Sem remorso”, diz Ed, vocalista, encarando o passado com tranquilidade. “Nosso som tomou outro rumo conforme fazíamos shows e ensaios. Começamos a escrever em português e, de repente, éramos outros artistas. E também, com tudo o que está rolando no mundo, não faz mais sentido ser associado a outra língua que não seja a nossa”.

Mesmo com a mudança de direção, o grupo ainda pretende tocar algumas músicas antigas nos shows. “Só as que estão muito distantes do nosso som que infelizmente vão viver só nas memórias agora”, brinca Ed.

Power Supply - Foto: divulgação

Emoção, crítica e camadas de significado

Musicalmente, “seis e quatro” mistura elementos do rock alternativo, do emo e do hardcore melódico. A letra aborda o sentimento de acompanhar alguém por um triz, passando a noite acordado em angústia – o título faz referência ao momento em que se percebe o horário, 6h04, após horas de preocupação. Mas a música também traz um significado mais profundo e político: uma crítica à ditadura militar que teve início em 1964 e que deixou marcas de medo e repressão que ecoam até hoje.

“Espero que a galera ache ainda mais significados, porque a gente está muito orgulhoso de como ficou esse som”, declara Du Pereira, baixista da banda.

O novo single da Power Supply está disponível em todas as plataformas digitais e mostra que o recomeço pode ser mais forte do que qualquer continuidade.

Poucas bandas têm coragem de jogar tudo fora e começar de novo, mas a Power Supply fez isso com convicção e identidade. “seis e quatro” é mais que um relançamento — é um manifesto. É a prova de que amadurecer também é saber recomeçar. E quando essa reinvenção vem com peso, emoção e significado, a gente só pode dizer: ainda bem que eles voltaram.

Ela+3 - Foto: divulgação

Com um som autêntico e letras que refletem o cotidiano, a banda Ela+3 se destaca na cena independente com sua energia e versatilidade

Texto: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad)

Com uma sonoridade marcante e letras que abordam temas do cotidiano e críticas sociais, a banda Ela+3 tem conquistado seu espaço na cena musical brasileira. Formada por Karina de Veras (vocal), Rodrigo Santos (guitarra e voz), Elder Aragão (baixo) e Will Zod (bateria), o grupo traz uma mistura autêntica de rock e outras influências, sem se prender a rótulos. Recentemente, lançaram o single Estagnada, dando continuidade ao trabalho autoral que vem se fortalecendo desde o EP A Soma.

Nesta entrevista, conversamos com a banda sobre sua trajetória, influências musicais, desafios do cenário independente e os próximos passos da carreira. Confira!

FRS: A banda tem um estilo único que mistura rock com influências variadas. Como vocês descreveriam a sonoridade de Ela+3 e o que ela representa para cada um de vocês?

Ela+3: Nosso som é original, com críticas sociais e que fala do cotidiano. Não nos prendemos ao estilo para justamente não nos rotularem.

FRS: O single "Estagnada" foi uma das recentes novidades. Poderiam nos contar mais sobre o processo de criação e gravação dessa música?

Ela+3: Assim como o nosso já lançado EP "A Soma", "Estagnada" foi inteiramente produzido no Home Studio do guitarrista Rodrigo Severino. A única diferença é que desta vez a bateria foi realmente executada por nosso baterista William Zod na Fábrica de Cultura 4.0 de Santos, em vez de ser gravada digitalmente.

Assista ao videoclipe oficial da música "Estagnada": 

Ela+3: Ter um cenário como a cidade de Guarujá nos ajuda a ter inspiração, pois nossas praias trazem uma brisa de ar fresco, sempre renovando as ideias e juntando isso à nossa vontade de criar.

FRS: Quais são as inspirações musicais de vocês, tanto no rock quanto em outros gêneros? Tem algum artista ou banda que vocês consideram uma referência importante?

Ela+3: É quase impossível fazer rock com vocal feminino no Brasil e não associar à Pitty, Cássia Eller ou Rita Lee. Mas nós também gostamos de exaltar as nossas influências em outros estilos, afinal de contas, o que seria da gente sem citar artistas da música popular brasileira  como Elis Regina, Marina Lima, entre outras? E, é claro, também somos fãs de artistas internacionais como: Alanis Morissette, Foo Fighters, Beatles, The Cure e por aí vai.

FRS: Como tem sido a recepção do público nas apresentações ao vivo? Existe alguma reação ou momento específico que tenha marcado a banda até agora? 

Ela+3: As pessoas nos recebem muito bem por onde passamos. Alguns shows bem cheios e outros nem tanto, mas a energia do público é sempre cativante. Um dos episódios mais marcantes pra nós foi o festival na Lagoa da Saudade (Morro da Nova Cintra), onde dividimos o palco com muitas bandas legais, inclusive Chuva Negra. E todo o clima envolvido naquele dia além da apresentação de uma nova música foi bem especial pra banda. Sem nos esquecermos também do nosso show na Avenida Paulista, pois pudemos ter um contato olho no olho diretamente com o público e isso é surreal. Inclusive ficamos extremamente tristes com a proibição de apresentações musicais na Avenida Paulista.

FRS: Sabemos que a banda passou por várias transformações ao longo dos anos. O que mudou na dinâmica do grupo e na música de vocês desde o início até agora?

Ela+3: Tivemos três mudanças de bateristas ao longo destes nove anos, porém acreditamos que nossa maior mudança foi a virada de chave do cover para o som autoral. Além de nos especializarmos fazendo aulas de canto, guitarra e baixo.

FRS: O que podemos esperar para o futuro da banda? Há novos projetos, lançamentos ou turnês planejados?

Ela+3: Pretendemos lançar mais singles até o fim do ano, possivelmente lançaremos lyric video e estamos também com a agenda aberta para shows pois queremos atingir novos públicos.

Ouça o EP "A Soma" na íntegra:

Crédito: Anderson Henrique Lima da Silva

Quinteto paulista de hardcore melódico mostra influências de Face to Face e Dead Fish na primeira canção autoral da carreira

O cenário do punk rock/hardcore melódico brasileiro ganha um novo e promissor nome: a Sunset Collectors. Formada em Osasco (SP), a banda chega com seu primeiro single, "Válvula de Escape", que já está disponível nas principais plataformas de streaming.

A música não apenas apresenta a identidade sonora do grupo, mas também traz uma forte carga reflexiva sobre o sistema social e corporativo opressor, abordando temas como conformismo, alienação e busca por igualdade. Com uma melodia cativante e uma pegada intensa, "Válvula de Escape" entrega um refrão explosivo, no melhor estilo do hardcore melódico, convidando o público a cantar junto.

Influências e identidade

A Sunset Collectors se inspira em grandes nomes do cenário nacional, como CPM 22, Dead Fish e Garage Fuzz, referências que ajudaram a moldar sua sonoridade. A banda foi idealizada durante a pandemia e consolidada entre 2022 e 2023, unindo amigos da Zona Oeste de São Paulo com o propósito de criar algo autêntico e relevante.

O quinteto é composto por Diego Leal (guitarra rítmica e solo), Moisés Costa (bateria), Felipe Elesbão (guitarra base e solo), Danillo Silva (baixo) e Henrique Lima (vocais). Desde sua formação, o grupo se dedica a compor músicas que abordam a realidade do cotidiano, transitando entre críticas sociais, resistência, desafios pessoais e positividade.

Planos para 2025

O lançamento de "Válvula de Escape" marca um momento crucial para a banda, que já está em fase de produção de novos singles e um EP previsto para 2025. "Este single simboliza não apenas nosso primeiro trabalho autoral, mas também a afirmação da nossa identidade musical", destaca a banda.

Além da produção autoral, a Sunset Collectors também lançou uma versão de "Disconnected", clássico da banda californiana Face to Face, em homenagem à turnê do grupo pela América do Sul em 2024. A gravação contou com a participação de Tiago Hóspede (Aditive, Under the Knife e ex-Dead Fish) e Eduardo Ogro (ex-Charlie Brown Jr. e Feijão com Arroz).

Conexão com o público

A banda busca construir uma forte ligação com um público diverso, que varia dos 15 aos 50 anos, e que valoriza mensagens de resistência, desafios pessoais e inclusão. A Sunset Collectors pretende expandir sua presença por meio de redes sociais, shows e parcerias estratégicas com outras bandas do gênero.

Com um som energético e letras que promovem reflexão, a Sunset Collectors chega ao cenário musical disposta a deixar sua marca no punk rock/hardcore melódico brasileiro. "Válvula de Escape" é só o começo de uma trajetória que promete conquistar muitos ouvintes pelo país.

PENSE - Crédito: Larissa Queiroz

Novo trabalho, que explora temas como família, amor e questões sociopolíticas, chega às plataformas digitais em 23 de outubro. 

A banda PENSE - referência no cenário do hardcore nacional e formada por Ítalo Nonato e Alexandre Magno (que assumem a produção do novo disco), Daniel Avelar, Judá Ramos e Rapha - lança o novo álbum “Tudo Que Temos de Lembrar” em 23 de outubro. O disco é o primeiro projeto inédito da PENSE em seis anos e o primeiro desta nova formação. A produção ainda conta com a edição de Marco Túlio Nonato. O renomado Gabriel Zander, responsável por trabalhos para BAD LUV, Sugar Kane, Radical Karma, entre outros, ficou a cargo da mixagem e masterização. 

Para Ítalo, o trabalho ao longo de 11 faixas reflete o momento atual da banda e questões pessoais que os integrantes consideraram importantes para compartilhar com o público:

“Essas músicas sintetizam o momento que estamos vivendo, com várias coisas que a gente achou importante registrar e quis transmitir também. Este disco sintetiza a fagulha da ignição e inicia o processo de acender uma chama de novo no meio da escuridão. Ela é uma reflexão sobre tudo o que a gente já passou até aqui e sobre esse renascimento. É um novo momento de redescoberta, de reaprender a andar, e nele a gente tenta amarrar tudo o que a gente precisa lembrar para sair desse túnel, desse lado escuro.”

Cada canção aborda temas relevantes para a existência humana, como família, amizade e amor, além de tópicos mais complexos como saúde mental e questões sociopolíticas. Para os integrantes da banda, esse disco marca um amadurecimento criativo, onde o processo de produção também envolveu uma redescoberta pessoal.

PENSE - Crédito: Larissa Queiroz

OBRA VISUAL

Três singles precederam o álbum “Tudo Que Temos de Lembrar”. Em 2022, a faixa “As Cores São Bem Diferentes” introduziu a nova formação. No ano seguinte foi a vez de “Sala de Controle”. E a última amostra foi “De Onde Viemos”, em maio deste ano. Assim como essas três músicas prévias, a faixa-título ganhará um videoclipe. 

O clipe da faixa homônima foi gravado no Tendal da Lapa, em São Paulo. Dirigido por Felipe Hervoso, a ideia foi conectar visualmente com as fotos promocionais do álbum e jogar luz sobre a banda tocando, com foco nas emoções que a música desperta nos integrantes:

“É como se fosse o primeiro sinal de luz no meio da escuridão. Aquela mão que te puxa antes de cair num precipício. Talvez o primeiro degrau de um novo recomeço, então essa música sintetiza isso. A situação é essa, talvez a gente esteja num lugar em que a gente não espera, mas levanta, um dia por vez, um passo por vez. Sobe um degrau de novo e já será um avanço bem grande”, enfatiza Ítalo.

Além das letras e melodias poderosas, o álbum ainda traz fortes influências de bandas como Architects, Polaris, The Story So Far, Limp Bizkit e Neck Deep.

Ouça o álbum na íntegra:

Foto: Henrique Baptista - BAP

Samwise, quinteto pop punk anunciou 'Mais de Um Milhão', single e videoclipe (uma superprodução!) com melodias alegres, diretas e altamente enérgicas.

'Mais de um milhão', terceiro single do atual momento da Samwise, é uma música com uma energia totalmente pra cima, sem pausas, em que a banda de São José dos Campos extrai ao máximo tudo que eles ouviram de punk, pop punk e hardcore melódico durante o processo de composição do novo EP - que sairá ainda e 2024!

É uma música que remete a um lado mais feliz nas melodias, com uma letra mais jovial, harmonizando com palavras engraçadas - impossível não ter aqui a referência de um Blink-182 antigo. A música fala de bater de frente com pessoas que só querem sugar nossa energia. É também sobre aquela pessoa que só tem assunto negativo e te tira de uma vibe boa.

Aliás, a vibe alto astral de 'Mais de um milhão' fica mais latente com o videoclipe, uma superprodução, gravado em um grande e colorido parque de diversões. Tem imagens de drones, câmera de cinema e storyboard profissional, enfim, tudo que um clipe de respeito merece. A ideia maluca veio do baixista Bruno, abraçada pelo amigo Henrique Baptista.

O NOVO EP

A cada lançamento, o novo EO da Samwise toma mais forma. Já são três singles: 'Mais de Um Milhão', 'Contratempo' e 'Um Lugar Para Chamar de Seu'.

"Este EP está incrível, com melodias mais modernas e marcantes. Ele traz uma mudança de chave em nosso modo de composição, trabalhamos muito as músicas ao longo de 2023. Fizemos pré-produções, o que nos deu bastante margem para trabalhar em todas elas", conta o guitarrista Thiago Quina.

O registro conta com a participação do Gabriel Barros, do Melton Selo, que ajudou nas prés. Tem músicas rápidas, músicas dançantes, músicas felizes e até uma acústica.

Foto: Henrique Baptista - BAP

SAMWISE

A Samwise é uma banda de PopPunk formada em 2020, que apesar de ser nova de idade seus integrantes tem bastante estrada no punk-rock, emo e hardcore.

Bandas como There´s No Face, Y2K, San Peter, Lunática, Quinto são exemplos de projetos que os integrantes da Samwise já participaram e ou participam.

Muitas dessas bandas são oriundas dos anos 2000 no auge do movimento no Brasil, e tiveram inclusive selos nacionais em seus lançamentos, como Urubuz Records, Nitroala Records e Barulho Records.

A banda tem como proposta um som de muita energia, com letras gostosas e refrões marcantes, um conjunto perfeito para um bom pop punk.

A Samwise é Thiago Silva (vocal), Thiago Quina (guitarra), Gustavo Barbosa (guitarra), Bruno Passos (baixo) e André Molina (bateria).

Em 2022, a banda lançou quatro singles, todos eles no streaming: Longe de Casa, Coragem de Faz de Conta, Deixa o Tempo e Atípico.

SAMWISE NAS REDES

https://www.instagram.com/samwiseoficial/

https://linktr.ee/samwiseoficial

Realizada pela 30e, a turnê itinerante tem passagem confirmada por cinco capitais: São Paulo, Curitiba, Recife, Rio de Janeiro e Belo Horizonte

Toda viagem merece uma trilha sonora! E quando essa viagem tem como destino um tempo nostálgico que marcou (e formou) gerações, essa trilha precisa ser, como dizem por aí, sem defeitos. Pensando nisso, a 30e idealizou a I Wanna Be Tour, uma turnê que tem formato inédito no Brasil, levando atrações múltiplas para cidades além do eixo Rio-São Paulo. A turnê itinerante reunirá – em sua primeira edição – nomes nacionais e internacionais que têm o rock, as suas nuances e atitudes como ponto de partida. São eles: Simple Plan, A Day To Remember, The All-American Rejects, All Time Low, The Used, Asking Alexandria, NX Zero, Pitty, Boys Like Girls, Mayday Parade, Plain White T’s e Fresno. As doze atrações estarão presentes em todas as cidades pelas quais a  I Wanna Be Tour passar: São Paulo (2 de março, no Allianz Parque), Curitiba (3 de março, no Estádio do Couto Pereira), Recife (6 de março, na Área Externa do Centro de Convenções Pernambuco), Rio de Janeiro (9 de março, no Engenhão - Estádio Nilton Santos) e Belo Horizonte (10 de março, na Arena da Independência). A venda de ingressos começa no dia 4 de outubro, a partir do meio-dia, na Eventim.

"Eu acompanho a cena do pop punk há algum tempo, e logo depois da pandemia percebi que houve uma grande procura, no exterior, de artistas desse gênero. E foi assim que pensamos na 30e: por que não fazer algo do gênero no Brasil, mas do nosso jeito? Esse foi o ponto de partida para a inspiração e criação do I Wanna Be Tour. Começamos a correr atrás dos artistas e montar um verdadeiro quebra-cabeças para realizar uma turnê inédita em nosso país e que juntasse o melhor que existe nesse segmento dentro e fora do Brasil", afirma Caio Jacob, Vice-Presidente de Global Touring & Festivals.

"Tivemos respostas muito positivas com as tours que realizamos neste último ano. As turnês ‘Titãs Encontro’ e 'Cedo ou Tarde', do NX Zero, por exemplo, se transformaram em experiências para além do que é esperado de um show. É como se, a cada apresentação, fosse criado um espaço de nostalgia capaz de reativar lembranças de bons momentos, mas também de criar novas memórias ao lado de amigos e família", comenta Guss Luveira, Vice-presidente de Marketing da 30e. "A ideia com a I Wanna Be Tour foi justamente a de abraçar uma geração e uma cena que foram muito importantes para a construção do pop punk dos anos 2000. Não à toa, toda a comunicação e identidade visual acompanham esse raciocínio. Vamos ter um espaço seguro e livre de julgamentos", ele complementa.

Desde sua ascensão no novo milênio ao estrelato da MTV até o ressurgimento moderno do pop-punk, o Simple Plan tem sido uma parte indelével da cultura pop desde sua formação em Montreal em 1999. Eles venderam 10 milhões de álbuns em todo o mundo e a banda está animada por se juntar à primeira edição da turnê I Wanna Be. “O Brasil sempre foi um lugar muito, muito especial para nós. Foi onde tivemos alguns dos nossos shows mais incríveis de todos os tempos e temos uma sensação louca de que esta turnê pode superar todos eles! Obrigado por todo o apoio incrível nas últimas 2 décadas! Mal podemos esperar para ver todos vocês nos shows! Fica ainda mais emocionante porque estamos vindo com algumas de nossas bandas e amigos favoritos”, diz Simple Plan sobre a I Wanna Be Tour.

Assim como as turnês mencionadas acima, a  I Wanna Be Tour também terá o selo de qualidade da 30e no que diz respeito à inovação, estrutura e experiência. As doze atrações serão distribuídas entre dois palcos que estarão conectados por uma plataforma, dando muitas possibilidades às aguardadas performances.

Lineup conta com Rancore, Samiam, Dead Fish, The Slackers, Blind Pigs, Granada e muito mais; evento será nos dias 26 e 27/08 no Campo de Marte, em São Paulo

A edição 2023 do Oxigênio Festival é oficialmente lançada com um lineup diversificado, recheado de bandas importantes e em alta do punk, hardcore e rock alternativo nacional e internacional. São mais de 20 bandas que se apresentarão entre os dias 26 e 27 de agosto, em um amplo hangar do Aeroclube Campo de Marte, em São Paulo. A realização é da GIG Music e Hangar 110.

Assim como nas últimas edições, o Oxigênio Festival 2023 contará com dois palcos. No Aeroclube do Campo de Marte, com uma vista para a pista de decolagem e aterrisagem do local, a área externa é ampla e, como aconteceu na edição anterior, os palcos ficam distantes o suficiente para que tudo aconteça de forma independente e em horários alternados.

O Oxigênio 2023 será palco, nos dois dias, para um dos shows mais esperados de anos: Rancore com a formação completa, a mesma do emblemático disco Seiva (3º da carreira, lançado em 2011), que mudou paradigmas do rock alternativo do independente nacional.

Bandas internacionais renomadas e com grande público no Brasil também estão no lineup: no sábado, 26/08, Samiam, banda remanescente da cena punk do final da década de 1980 da Califórnia (Estados Unidos) e considerada pioneira do então chamado 'emocore', devido à mistura única de punk rock, hardcore, pop e indie.

Ainda no sábado, The Slackers com seu altíssimo ska, fundado em 1991 em Nova York, o grupo tornou-se um dos mais influentes em todo planeta quando o assunto é tocar ska dos mais tradicionais, repleto de influências do reggae. Dead Fish volta ao Oxigênio com a turnê que celebra 30 anos de intensas atividades dessa principal banda da cena independente nacional.

Quando o assunto é retorno, imprescindível mencionar o Blind Pigs, ícone do punk rock nacional que fez história na década de 90, e farão um show especial para o primeiro dia de festival.

No domingo, além de duas bandas surpresas a serem anunciadas, a banda Granada, nome de peso do rock alternativo e que até hoje permeia a lembrança dos fãs do estilo, se apresenta no domingo, 27/08. É mais um show de reunião para tocar músicas dos três discos lançados, assim como aconteceu no Oxigênio 2019.

Day Limns, umas das revelações da música independente nacional, que estourou no Youtube, é mais uma atração no domingo, mesmo dia do Zander, com a nova e enérgica formação, e Hevo84, expoente do emocore de décadas passadas.

Em paralelo à música rolando nos palcos, o festival terá espaços de arte urbana, fotografia e gastronomia, além de espaço de merchandise oficial.

O Oxigênio Festival 2023 é uma realização da Gig Music e do Hangar 110, com apoio da Monster Energy, Xeque-Mate, Jack Daniel's entre outros

Serviço

Datas: 26 e 27 de agosto de 2023

Local: Aeroclube Campo de Marte (próximo ao Sambódramo do Anhembi)

Endereço: Avenida Santos Dumont, 1979 - Santana, São Paulo/SP

Horário: 12h (abertura da casa)

Local: Aeroclube Campo de Marte

Endereço: Avenida Olavo Fontoura, 650, Santana - São Paulo, SP

Ingressos (para cada dia de evento):

R$170,00 – Pista 1º Lote

R$220,00 – Camarote 1º Lote

Passaporte (válido para os dois dias de evento)

R$300,00 – Pista

R$400,00 – Camarote

(ingresso pessoal e INTRANSFERÍVEL válido para os dois dias de evento)

Meia/Promo (válidos com a doação de 1kg de alimento não perecível ou apresentação de comprovante meia entrada de acordo com a Lei Federal nº 12.933/2013)

Vendas e informações: www.oxigeniofestival.com.br

The Zasters - Foto: Lucca Miranda

O som da banda The Zasters é uma mistura perfeita de indie rock, pop, post punk e hardcore. Essa união de variados gêneros musicais cria uma estética indie contemporânea aliada a integração de outros instrumentos, como sintetizadores. Além dessa essência singular na sonoridade, o quarteto paulista foi fundado por duas mulheres Jules Altoé (vocal/guitarra/sintetizador) e Nabila Sukrieh Nogueira (bateria/vocal)  em 2015 e debutou oficialmente no ano seguinte com o EP “This Is A Disaster” (2016). Os músicos Rafa Luna (guitarra/vocal) e André Vitor Celkevicius (baixo/vocal) completam a formação que vêm ganhando cada vez mais fãs dentro da cena independente. 

Deste então, The Zasters lançaram mais dois EPs, como o elogiado “What Just Wappened?” (2020) e "What Comes Next" (2021) e diversos singles com sonoridades autênticas e letras ácidas. Em 2022, foram lançados os singles "Berlin", "Fake Fake Fake" e "Pants On Fire", com produção musical de Gabriel Zander, e "Trovão" em parceira com a banda The Mönic. Atualmente, The Zasters prepara o lançamento do primeiro álbum completo com previsão de chegada ainda para 2023.

Confira o nosso agradável bate-papo com Jules Altoé e Na Sukrieh: 

FRS: Para aqueles que estão conhecendo o trabalho da banda, como vocês decidiram formar o projeto lá em 2015?

Jules: A banda começou a fazer músicas autorais em 2015, com a entrada da Na na bateria. É por isso que consideramos 2015 como o ano que iniciamos o projeto The Zasters com as nossas músicas e primeiro EP gravado lá no Costella em 2016!

FRS: O nome da banda sugere realmente uma inspiração do vocábulo inglês 'disaster'. Qual é a história por de trás do nome  The Zasters?

Jules: A gente sempre foi uma banda com letras irônicas e cínicas, então achamos um nome apropriado com o jogo de palavras e o significado. Hoje acho até engraçado porque muitos dizem que parece nome de banda de metal, e quando ouvem se surpreendem.

FRS: Ao ouvir a banda, podemos notar um som que segue uma atmosfera como Violet Soda e Far From Alaska. Quais são as principais influências musicais de vocês?

Jules: As minhas com certeza vem do indie rock dos anos 2000, como Arctic Monkeys e Strokes, mas também gosto de rock dos anos 60 e 70.

Na: Ouvimos muito de tudo, sempre trazemos referências variadas de lugares diferentes pra chegar em novas ideias e composições. Tenho escutado muito emo, pop punk, indie rock. Metric, Citizens, The Regrettes, Paramore, são bandas que tenho escutado muito esses dias. 

Assista ao vídeo do single "Pants On Fire":

FRS: Como funciona o processo de composição para vocês? É colaborativo ou cada um tem uma função na hora da composição?

Jules: Sempre foi bastante colaborativo. Eu escrevo letras e músicas, assim como a Na e o Rafa, e aí vamos mexendo juntos no arranjo e ideias que vão surgindo ao longo do caminho. 

Na: Isso mesmo. Sempre alguém tem uma ideia inicial, mostra pros outros, e aí vamos criando todos os layers em cima, definindo a forma da música, letra, dinâmicas, até chegarmos numa demo legal!

FRS: Na sua opinião, qual música mais retrata a sonoridade do The Zasters? 

Jules: Acho que hoje "Fake Fake Fake" seria nosso cartão de visita. Acho ela bem indie com guitarras riffadas, groove bem dançante e rápido e com uma letra criticando o que vivemos na era da internet.

Na: Também acho que "Fake Fake Fake" é um resumo do que somos. É uma música mais frenética, com levadas dançantes e riffs marcantes. Temos algumas ainda pra sair que acho que seguem essa mesma pegada, estamos curiosos pra ver nosso próximo material rodando por aí. 

Relacionamentos virtuais baseados em farsas, necessidade de se encaixar em um padrão, mostrar-se feliz, cool ou engajado o tempo todo são apenas alguns dos comportamentos doentios, porém super comuns do universo digital. É sobre isso e mais um pouco que a banda The Zasters fala em seu  single “Fake Fake Fake”. A vocalista Jules Altoé comenta, “A ideia geral da letra é mostrar essa fantasia absurda que a internet cria na cabeça das pessoas, onde todo mundo é feliz, todos tem uma certa aparência e status social, e você acaba ficando obcecado em mostrar uma coisa que às vezes nem é, só pra entrar nessa realidade – que nem é uma realidade, é tudo falso demais”. Assista ao vídeo oficial do single: 

Jules: Quando recebemos o convite para participar ficamos muito animados! As The Mönic falaram que tinham algumas ideias de voz e guitarra que poderíamos contribuir. Logo que recebemos a música começamos a trabalhar nela e foi muito divertido, a gente ia trocando ideias e mandando a música até chegarmos no resultado final! Rolou até de colocar uns synths aqui e ali, foi um processo bem livre e muito fácil de fazer acontecer :)

FRS: O que podemos esperar do The Zasters ao longo de 2023? Vocês pretendem excursionar pelo país?

Jules: Tá pra sair do forno mais alguns singles do nosso primeiro álbum! Então logo que tudo estiver no mundo, pretendemos fazer shows por aqui sim (e quem sabe pelo mundo haha)!

Na: Tem muita coisa legal pra sair esse ano, acho que as novidades estão só começando. Vamos lançar nosso 1o álbum e temos trabalhado MUITO em cima desse material. Não vemos a hora de ver as pessoas ouvindo tudo que fizemos com tanto cuidado, e conhecendo um pouco mais sobre a gente! <3  

Festival acontece em Piracicaba, no interior paulista, dentro do complexo histórico e turístico do Engenho Central

Rock e suas diversas vertentes, reggae, rap e música eletrônica são os sons que movimentarão a primeira edição do Kapivara Fest, que acontece no próximo dia 17 de dezembro (sábado) na cidade de Piracicaba, a cerca de 200 km da capital São Paulo.

Será um festival de grande porte a céu aberto, dentro de um ecossistema interiorano com experiências de lifestyle urbano no maior complexo turístico da cidade, o Engenho Central, ao lado do famoso rio Piracicaba, com dois palcos, área vip, camarote elevado, ampla praça de alimentação, espaço de merch.

As atrações do palco Kapivara, aliás, são nomes consagrados do primeiro escalão da música nacional: Planet Hemp, CPM 22, Fresno, Mato Seco e Tasha e Tracie. O outro palco é uma parceria com o Locomotiva Festival, um dos principais e mais prestigiados fests do circuito alternativo do interior paulista, que levará ao Kapivara os shows do Terno Rei, The Mönic, Water Rats e apresentações dos DJS Brendão e Pôke. Outro atrativo do Kapivara Fest é o show da artista de indie lo-fi Natália Carreira, a vencedora do concurso Groover.

“Já tinha uma ideia, baseado em festivais gringos, de fazer uma mistura de estilos. A ideia, com muita base na minha experiência no João Rock deste ano, é unir rock, reggae e rap, estilos que, de certa forma, compartilham um senso contracultura. Vamos balancear com nomes importantes e em alta para ser um festival agradável e divertido para todos”, destaca Bruno Genaro, idealizador do festival.

Serviço

Kapivara Fest:

• Data: 17 de dezembro de 2022 (sábado)
• Horário: 12h (abertura dos portões) | 13h às 22h (shows)
• Local: Parque do Engenho Central de Piracicaba
• Endereço: Avenida Dr. Maurice Allain, 454 - Vila Rezende, Piracicaba/SP
• Ingresso: R$ 100 (Pista - Meia-entrada - Solidária - 4º lote); R$ 200 (Pista - Inteira - 4º lote) e R$ 250 (Camarote Elevado - lote único)
• Venda on-line: www.clubedoingresso.com/evento/kapivarafest
• Venda física em Piracicaba: Ambient (rua Governador Pedro de Toledo, 1734), Kings (Shopping Piracicaba).

Ingresso solidário: mediante a doação de 1 quilo de alimento não-perecível na entrada do evento.

Crédito: Tharsila di britto (@tharsiladibritto)

Nova música do power trio carioca do selo Toca Discos coloca efeitos na guitarra e traz batidas fortes para desestressar

Por: Ingrid Natalie (instagram: @femalerocksquad) 

Uma origem simples e extremamente apaixonada por música. Da favela do Complexo do Alemão nasceu Drenna Rodrigues, uma das principais expoentes da cena rock carioca. O amor pela guitarra motivou a cantora e compositora a criar sua própria banda e cair na estrada já em 2009. Ao lado do baterista Milton Rock e do baixista Bruno Moraes, Drenna segue sendo uma das mais ativas bandas de rock independente. Além da musicalidade, Drenna também personifica o empoderamento feminino no rock, com letras que costumam abordar a realidade contemporânea e defendem a liberdade de expressão. 

O disco de estreia da banda, intitulado 'Desconectar', é o resultado das diversas experiências do grupo e retrata muito bem o tempo presente em uma conexão direta com quem ouve. O álbum lançado no final de 2016 conta com 11 faixas gravadas no lendário estúdio Toca do Bandido com a produção de Felipe Rodarte. O álbum traz faixas de destaque como as músicas 'Andar Sozinho', 'Navego' e a faixa título 'Desconectar'. Em 2018, também com a produção de Felipe Rodarte, lançaram uma nova versão da clássica 'Roda Viva' de Chico Burque, num arranjo realmente incrível.

Mais recentemente, o power-trio divulgou respectivamente os singles 'A Casa', 'Hater' e 'A Praia', sendo esta última música mais orgânica, mais roqueira, apenas com diferentes efeitos na guitarra.

Crédito: Tharsila di britto (@tharsiladibritto)

A inspiração para o novo single, vem da simplicidade da calma e ligação que o mar traz para Drenna Rodrigues. “Tem uma frase que carrego comigo quando estou estressada: preciso ver o mar. E funciona. Ver o mar me acalma. E é a síntese da letra desta música: fala de um dia em que acordei possessa: tudo uma confusão e como vou lidar com tudo isso, mas no fim a gente sabe que vamos nos ver na praia”, comenta a vocalista.

E 2022, ainda coleciona momentos memoráveis para a banda. Eles se apresentaram no Rock In Rio 2022 com uma performance primorosa imprimindo a essência do rock e a exploração de arranjos particulares a cada música. “Foi maravilhoso, uma excelente divulgação e uma recepção muito boa. Conseguimos agregar um novo público, que chegou tanto antes do show como durante a apresentação. O show foi televisionado no Canal Bis e muita gente nos adicionou exatamente no momento que passava na TV”, afirma a banda.

Assista a nossa entrevista com a simpática vocalista Drenna Rodrigues:

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